Animación para principiantes (¿Por dónde empiezo?)

Animación para principiantes

¿Por dónde empiezo?

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Una de las preguntas más comunes que recibo (casi a diario) es:

"Quiero entrar en la animación. ¿Por dónde empiezo?"

En esta enorme guía intento cubrir (casi) todo lo que puedas necesitar saber sobre la animación si estás intentando entrar en la industria de la animación.

Cubriré algunos de los conceptos básicos de la animación, vocabulario, principios, software, hardware, libros, cursos, así como algunas de las opciones para la gente que quiere entrar en la industria de la animación, pero se siente abrumada o intimidada.

Repasaré lo que es la animación, lo que se necesita para hacer películas animadas (2D o 3D), e incluso cómo empezar a buscar un trabajo en la industria.

Fácil de aprender, difícil de dominar

Hoy en día es más fácil entrar en la animación que nunca antes.

El software es cada vez más barato (o incluso gratuito), y la mayoría de los ordenadores modernos pueden manejar las tareas de animación más simples (en su mayoría 2D).

El problema es que aunque cualquiera puede empezar a animar ahora mismo, el arte de la animación todavía lleva tiempo para dominarlo.

La buena noticia es...

No necesitas ser un animador de Disney para crear animaciones realmente geniales.

Puedes empezar pequeño y simple y poco a poco desarrollar tus habilidades y estilo único. Ni siquiera necesitas saber cómo dibujar bien.

Y también...

Construimos un todo el curso dedicado a entender los principios básicos de la animación, para que puedas cubrir tus fundamentos antes de saltar a la animación. Es esta, justo debajo.

Curso de Fundamentos de la Animación

Aprende los principios básicos de la animación de personajes, incluyendo un estudio de los diferentes tipos de animación, el vocabulario básico y los 12 principios de la animación. Si acabas de empezar y quieres asegurarte de que tus fundamentos están cubiertos, este curso es el mejor lugar para empezar.

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¿Qué es la animación?

La animación es el arte de dar vida a un objeto inanimado o a un personaje ilustrado o generado en 3D.

Se crea proyectando rápidamente imágenes secuenciadas, una tras otra, para crear la ilusión de vida.

Pero eso no es lo primero que te imaginas cuando escuchas la palabra Animación¿no es así?

Eso es sólo una cuestión técnica...

Probablemente estés pensando en Disney, Pixar o Ghibli. Llegaremos allí...

La parte más importante de todo eso es la palabra vida. Dar vida es la verdadera esencia del trabajo del animador. Y hay muchas maneras de hacerlo.

Podría ser dibujando.

Podría ser moviendo los aparejos de los personajes en un software 3D.

Podría ser con títeres, personajes recortados o figuras de lego.

Entonces, ¿qué significa ser un animador significa?

Antes de saltar, pueden ver este video donde explico las diferencias entre la animación en 2D y 3D. Esto les dará una idea de lo que un animador hace en realidad.

También podría darte una pista sobre la dirección que podrías querer seguir.

Vocabulario de animación

Ahora que hemos cubierto la idea básica de lo que es la animación, es importante entender la vocabulario y términos especializados utilizados en la animación y la realización de películas la industria.

Estos términos aparecerán a menudo, así que tomemos unos minutos para repasarlos:

Línea de tiempo

La línea de tiempo es la parte del software de animación que representa el progreso de la animación en el tiempo.

Dependiendo del software, podríamos usar la línea de tiempo para hacer cambios en el tiempo de la animación, así como en la posición de los elementos.

Velocidad de cuadro

La velocidad de fotogramas de una animación es el número de imágenes individuales (o fotogramas) que se muestran en el lapso de un segundo. Es un ajuste que se puede ajustar en el software de animación.

La animación se realiza normalmente en 24 fotogramas por segundo (FPS).

Trabajando en los de uno y dos

Trabajando en uno o dos es un término usado en la animación a mano.

Trabajar en el suyo significaría hacer un nuevo dibujo sobre cada fotograma de la animación.

Trabajar en parejas significa mantener cada dibujo durante dos fotogramas, así que un segundo de animación a 24 fotogramas por segundo sería sólo 12 dibujos, no 24.

En la animación 2D, trabajar con dos se ve bien en la mayoría de los casos, e incluso hay casos en los que los dibujos se pueden mantener más tiempo. En 3D, sin embargo, trabajar en uno es el estándar.

Fotos y escenas

Normalmente en la realización de películas de acción en vivo, el término "disparo" se refiere a las imágenes entre ediciones de cámara, mientras que una escena son todos los disparos y diálogos que tienen lugar en un lugar determinado durante un bloque de tiempo continuo.

En la animación, sin embargo, a menudo usamos los términos "escena" y "toma" indistintamente. Cuando hablamos de una escena/tiro, a menudo nos referimos a una pieza continua específica de animación entre los cortes de cámara.

Keyframes | Averías | Entretenimiento

Los marcos clave, los desgloses y los intermedios son términos importantes, pero significan cosas ligeramente diferentes ddependiendo del tipo de animación.

En la animación dibujada a mano, los fotogramas clave (o simplemente las teclas) son las principales poses importantes que definen la escena. Las averías se producen entre teclas y definen el movimiento de una tecla a otra. Los intermedios son todos los cuadros que se interponen para suavizar el movimiento.

En 3D, un fotograma clave es cualquier posición en la línea de tiempo donde el animador ha definido la posición del personaje. En medio están todos los fotogramas que el ordenador interpreta o genera automáticamente para mover el personaje de una tecla a otra.

Marcos clave

Desgloses

Entrevistas

Las imágenes tomadas de El kit de supervivencia del animador / Richard Williams

Tiempo | Espacio | Facilidad

El tiempo, el espaciamiento y la relajación son términos estrechamente relacionados.

El tiempo significa el número total de fotogramas que se usarán para un movimiento. El espaciado es la cantidad de cambio que se produce entre cada cuadro. Disminuir el espaciado, hace que un objeto sea más lento, mientras que aumentar el espaciado hace que se vea más rápido.

En la animación digital, la relajación es la forma en que se controla el espaciado, por lo general a través de un gráfico de movimiento en la línea de tiempo.

Pelado de cebolla

Al animar, es muy útil poder ver más de un cuadro a la vez.

En la animación en papel esto se hace teniendo múltiples dibujos en una mesa de luz, pero en los programas de animación modernos a menudo hay un rasgo llamado "pelado de cebolla". Permite ver representaciones semitransparentes de los cuadros detrás o delante del cuadro actual en el que se está trabajando.

Composición

La composición es el proceso de juntar todas las piezas individuales de una escena para crear el resultado visual final.

Puede que tengas un fondo, varios personajes y algún escenario que se desarrolle por separado. La composición es la forma en que todas esas piezas se unen en una sola escena.

Los 12 principios de la animación

La base de cualquier educación en animación son los 12 principios de la animación.

Los 12 principios eran un conjunto de conceptos básicos que fueron desarrollados en los años 30 por los animadores de los estudios de Walt Disney mientras hacían la transición de hacer cortos a largometrajes. Fue un proceso gradual de descubrimiento y refinamiento mientras los animadores trataban de llevar su trabajo a un nuevo nivel más alto.

Estos 12 principios fueron recopilados por primera vez por los legendarios animadores Frank Thomas y Ollie Johnston en 1981 en su libro La ilusión de la vida.

Crear la ilusión de vida es de lo que tratan los principios. Nos ayudan a crear personajes que parecen tener peso, personalidad, y que existen en un mundo real con la física real en acción.

Aunque fueron desarrollados por animadores 2D, todavía se aplican al 3D y a cualquier otro tipo de animación.

1. Calabaza y Estiramiento

El aplastamiento y el estiramiento describen cómo un objeto cambia de forma en respuesta a las fuerzas que actúan sobre él.

El aplastamiento es cuando el objeto es comprimido por el impacto de una fuerza opuesta. Estiramiento es cuando un objeto es distendido por algo que tira de él, o por moverse rápidamente.

2. Anticipación

La anticipación es un movimiento más pequeño que precede a uno mayor, y señala que el movimiento mayor está a punto de ocurrir.

3. Puesta en escena

La puesta en escena es la presentación de una toma de manera que el contenido de la misma sea lo más claro posible, y la función narrativa de la toma lo más fuerte posible.

4. Recto vs. Pose-a-posición

La recta y la postura son diferentes enfoques de la animación.

La rectitud significa crear cada nuevo cuadro en secuencia desde el principio hasta el final. Pose-a-posición significa crear primero las poses clave para cada acción, y luego rellenar las poses intermedias.

5. 5. Acción de seguimiento y superposición

La acción de seguimiento y superposición se refiere a la tendencia de las diferentes partes de un cuerpo a moverse a diferentes velocidades.

Esto incluye el concepto de arrastre, que es cuando una parte del cuerpo se queda atrás cuando comienza un movimiento.

6. Lento en la entrada y lento en la salida

La lentitud y la desaceleración se refieren a la tendencia de los objetos a acelerarse gradualmente (y luego desacelerarse) al pasar de una posición a otra.

A veces se les llama facilidad de entrada y salida, o simplemente facilitación.

7. Arcos

El principio de los arcos proviene de la observación de que los seres vivos no se mueven en líneas rectas, sino en movimientos curvos.

La creación de arcos elegantes y claros a menudo eleva la animación y revela el nivel de experiencia del animador.

8. Acción secundaria

La acción secundaria se refiere a los movimientos (o gestos) más pequeños que apoyan las acciones primarias de un personaje.

Estas acciones hacen que el disparo sea más claro al enfatizar la actitud o motivación detrás del movimiento.

9. Cronología

El tiempo es el control de la velocidad de una acción a través del número de fotogramas utilizados para representarla.

Es uno de los más fundamentales de los 12 principios y toma años dominarlo.

10. Exageración

Exagerar significa representar un tema de manera más elevada o más extrema, en lugar de ser estrictamente realista, con el fin de empujar su animación más allá.

11. Dibujo sólido

El dibujo sólido significa posar los personajes de forma que se cree una sensación de volumen, peso y equilibrio.

El dibujo para la animación requiere ser capaz de dibujar los personajes desde cualquier ángulo o pose, con la tridimensionalidad en mente.

12. Llamamiento

Apelación es un término amplio para cualquier cualidad del diseño de un personaje que los hace inherentemente convincentes para mirar.

Esto incluye el diseño del personaje, así como la forma en que el personaje es animado.

Para una mirada más profunda a los 12 principios...

Sugerimos revisar nuestro Fundamentos de la animación curso.

Cubre los principios básicos de la animación de personajes, y profundiza en cada uno de los 12 principios de la animación, así como en los flujos de trabajo básicos de la animación y las técnicas. Si estás empezando y quieres asegurarte de que tus fundamentos están cubiertos, este curso es el mejor lugar para empezar.

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Tipos de animación

Hay muchos tipos diferentes de animación, algunos de los cuales probablemente ya estés familiarizado, así que hagamos un rápido resumen de los diferentes tipos de animación y cuáles son las diferencias y similitudes.


Animación 3D

Toy Story 4 | Pixar Animation Studios

El 3D, también conocido como CGI (imágenes generadas por ordenador), es el tipo de animación más popular para los largometrajes actualmente, y también se ha convertido en algo común en la televisión y en los cortometrajes.

Este es también el mismo tipo de animación que se utiliza para crear personajes digitales para películas de acción y animación para videojuegos.

Un animador utiliza una marioneta digital (llamada "character rig") para posicionar el personaje, y luego utiliza un sistema de trayectorias de movimiento (o "splines") para definir el movimiento del personaje entre esas poses.

La computadora procede a interpolar los cuadros de la animación entre los cuadros clave. El animador entonces refina estos cuadros hasta que están satisfechos con la animación.

La animación 3D es un proceso técnicamente intensivo, que a menudo involucra a muchos especialistas separados para modelar el personaje, aparejarlo con huesos y controles, animarlo y luego texturizarlo e iluminarlo para el resultado final.


Animación 2D dibujada a mano

El Libro de la Selva | Producción de Walt Disney

El primer tipo de animación 2D podría llamarse animación tradicional o animación celular. Prefiero el término animación dibujada a mano porque eso define su aspecto más importante: el hecho de que se dibuja a mano.

Este es el tipo clásico de animación con el que probablemente estés más familiarizado. En los viejos tiempos, los animadores dibujaban los personajes cuadro por cuadro, y luego esos dibujos se transferían a hojas de acetato claro llamadas cels para pintar. De ahí viene el término animación celular.

Durante los años 90 casi todos los estudios de animación dejaron de usar celulares y comenzaron a escanear dibujos en la computadora para colorearlos digitalmente, y ahora muchos animadores dibujados a mano saltan el papel por completo y dibujan directamente en la computadora usando un tableta o Los monitores Wacom Cintiq.

Así que la animación dibujada a mano podría hacerse totalmente analógica o totalmente digital, o alguna mezcla de las dos. Lo importante es que los animadores dibujados a mano todavía crean su animación cuadro por cuadro usando las mismas técnicas y principios que en los viejos tiempos del papel y los cels.


Animación vectorial 2D

Rick y Morty | Adult Swim

Hoy en día hay nuevas formas de crear animación 2D usando un títere digital 2D. Se trata de personajes 2D que se construyen con un sistema de huesos y controles que pueden ser manipulados de forma similar a un rig de personajes 3D.

La diferencia entre los personajes manipulados en 2D y los dibujados a mano puede ser un poco borrosa. Los programas como Toon Boom Harmony y Adobe Animate CC te permiten mezclar y combinar perfectamente la animación dibujada a mano con técnicas de títeres 2D, a veces incluso dentro del mismo personaje.

Un personaje puede tener huesos que permitan al animador posarlo, pero también tener otras partes que se animan a mano.


Animación Stop Motion

Kubo y las dos cuerdas | Laika

La detención del movimiento tiene varias variantes, pero todas implican la manipulación de objetos del mundo real. Estos objetos se mueven ligeramente, y se fotografían un cuadro a la vez. Cuando se muestran en secuencia, estos cuadros crean la ilusión de movimiento.

En un stop motion de gama alta, como los creados por Laika (Coraline, Kubu y las Dos Cuerdas), se rueda una marioneta especialmente equipada en un escenario en miniatura.

La arcilla es una técnica similar. En ella se utilizan caracteres maleables, aunque generalmente están hechos de una sustancia llamada plastilina, no de arcilla propiamente dicha.

También puedes hacer stop motion con figuras regulares, y objetos, como todas esas grandes animaciones de Lego que puedes encontrar en YouTube.

Otra variación del stop motion es la animación de recortes de papel. En este estilo, los personajes se construyen con formas de papel. Se pueden fijar en las uniones para hacer una figura posable, o se pueden colocar piezas en su lugar para que puedan ser intercambiadas. Luego se mueven y se fotografían cuadro por cuadro, como una marioneta de stop motion. Así es como South Park fue animado originalmente.

Otro tipo raro de movimiento de parada se llama pixelación. En la pixelación, se utilizan personas reales en lugar de títeres.

Todos estos tipos de movimiento de parada comparten una característica importante:

Todos tienen que ser filmados directamente, lo que significa comenzar en el primer cuadro y filmar cada cuadro uno tras otro, hasta el final de la escena.

Si se comete un error en un cuadro, es muy difícil arreglarlo sin tener que empezar de nuevo. No puedes redibujar ese cuadro como en una animación 2D. Esto hace que este tipo de animación sea particularmente intenso y requiere mucha paciencia.


Animación Motion Graphics

Gráficos en movimiento

La última gran categoría de animación son los gráficos en movimiento. Los gráficos en movimiento se centran en hacer presentaciones dinámicas e interesantes de logotipos de texto en movimiento e ilustraciones básicas.

Los gráficos en movimiento pueden ser tanto 2D como 3D, y los encontrarás por todas partes en anuncios, vídeos explicativos, eventos deportivos, noticias y otras producciones televisivas.

La animación adecuada de los personajes está generalmente fuera del alcance de los gráficos en movimiento, pero muchos de los principios básicos de animación se aplican también a los gráficos en movimiento.


Para una mirada más profunda a los 5 tipos de animación, mira nuestra guía completa sobre los 5 tipos de animación, incluyendo la historia detallada de cada tipo, y las mejores escuelas, software y cursos.

El proceso de animación

Ahora que entendemos los conceptos básicos de lo que es la animación, repasemos el flujo de trabajo de la creación de la animación.

Primero, cubriré los pasos básicos del proceso de creación de una película de animación (todas las partes móviles que se necesitan para crear una película animada), y luego desglosaré el proceso de animación real de una toma de principio a fin.

Entonces, ¿cuáles son los pasos para hacer una película animada?

1. Historia

La primera (y probablemente la más importante) parte de hacer cualquier película es una buena historia.

Si no consigues tu historia desde el principio, entonces no importa lo bien que se vea tu película, la gente no disfrutará viéndola. La historia es lo primero. Asegúrate de que es buena y que funciona antes de seguir adelante.

En la animación, la historia a menudo evoluciona y cambia durante la producción, ya que no estás restringido a las tomas que tienes en el set, así que cuanto más trabajo pongas en el desarrollo de tu historia, más reducirás el tiempo perdido durante la producción.

2. Guión

Una vez que la idea de la historia está lista para ser puesta en palabras, el siguiente paso es escribir el guión.

Es importante transferir la idea a las palabras tan pronto como sea posible, para que podamos detectar cualquier problema con la historia antes de entrar en producción.

3. Arte conceptual

Una vez que el guión está listo, el arte conceptual se crea a menudo para establecer el estilo visual de la película.

Es un paso muy divertido, y es la primera oportunidad que tenemos de ver partes de la película cobrar vida en el papel. Se trata de explorar y probar cosas.

4. Storyboard

Lo siguiente es crear un guión gráfico, que es probablemente uno de los pasos más importantes para entender la película.

El Storyboarding te permite ver tu película como un todo y detectar los problemas de la historia y el ritmo. Hacer uno también te proporciona algo que puedes mostrar a otras personas para que te den su opinión. La mayoría de la gente reacciona mejor a un guión gráfico que a un guión.

Una vez que estemos contentos con los tableros, pasamos a crear un animatic.

5. Animatic

Un animatic es la versión cinematográfica de tu guión gráfico.

Si el storyboard es como un cómic, entonces un animatic es como una película.

Llevamos todos los tableros a un programa de edición y los editamos con el tiempo correcto, añadimos algo de música y efectos de sonido temporales (lo suficiente para transmitir los diferentes ritmos de la historia), y cuando terminamos tenemos la primera versión de nuestra película lista para ver.

Por muy bueno que sea un storyboard, un animatic nos da un primer vistazo a cómo será nuestra película.

6. Creación de activos

En este punto, dependiendo del medio de animación que elija, crearemos los diferentes activos para nuestra película.

Para la animación en 3D crearemos los modelos de los personajes, los ambientes, los decorados y el atrezzo. Usaremos el arte conceptual y las hojas de modelo como nuestra referencia. Estos modelos tendrán que ser manipulados con un esqueleto 3D con controles, para que podamos animarlos en nuestra escena.

Para la animación 2D dibujaremos el fondo, finalizaremos las hojas de diseño de los personajes, y si es necesario - aparejaremos los personajes en nuestro software de animación 2D.

Para la animación en stop-motion construiremos nuestros sets, nuestras marionetas, el atrezzo y las diferentes piezas de ropa necesarias para la película.

7. Previsión

Antes de entrar en la animación de nuestras escenas, hay otro paso importante para asegurarse de que la historia funciona, y es crear una previsualización.

Un previs es la próxima encarnación de lo animático, esta vez usando modelos 3D.

Preparamos nuestras tomas en el programa 3D, con los ángulos de cámara y el movimiento finales, y creamos una animación muy básica para los personajes, lo suficiente para transmitir la acción que se supone que están haciendo.

Luego llevamos todas estas tomas al programa de edición, como hicimos con el animatic, y ahora tenemos una versión previz de nuestra película, con los modelos 3D correctos y el movimiento de la cámara.

porque la animación lleva mucho tiempo, esta es la última oportunidad que tenemos para hacer cualquier cambio serio en la historia de nuestra película. Sería un gran desperdicio si tuviéramos que hacer cambios en la historia después de la fase de animación.

8. Animación

¡Finalmente estamos listos para la animación!

Aquí es donde finalmente le damos vida a la película. Los personajes empiezan a moverse, y podemos ver el alma de la película cobrar vida delante de nosotros.

Es algo increíble de ver, pero también lleva mucho tiempo. Si se hace incorrectamente, puede arruinar nuestra película. Una mala animación es como una mala actuación: Incluso si la escritura y la historia son sólidas, la gente no se dará cuenta si la entrega está mal.

Profundizaremos en los 6 pasos de la animación más adelante en esta sección.

9. Texturizado | Iluminación | Renderizado

Este paso se aplica sobre todo a la animación 3D, aunque la animación 2D pasa por pasos de postproducción similares a éste, y la animación stop-motion pasa mucho tiempo haciendo composición y efectos varios encima de sus tomas también.

En 3D, los modelos necesitan ser texturizados, lo que significa crear diferentes materiales asignados a las diferentes partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso algunos para la piel y el cabello.

Luego iluminamos las tomas con luces virtuales, replicando lo más fielmente posible cómo funciona la luz en la vida real.

Luego, cuando nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado, que es el ordenador calculando todos los datos de nuestras escenas, y creando imágenes fijas a partir de ellos.

Luego llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects, extraemos los datos necesarios de las imágenes, y los combinamos para crear nuestras imágenes finales.

10: Edición | Corrección de color

Una vez que nuestras imágenes están compuestas y listas, las traemos de vuelta a nuestro programa de edición y reemplazamos nuestras tomas previas con nuestras nuevas tomas compuestas, al igual que reemplazamos las tomas animadas con las previas.

Ahora podemos ver nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición por primera vez, pero, no está realmente terminada todavía. Necesitamos hacer algo de corrección de color y graduación.

La corrección de color es el proceso de manipular los colores de cada toma individual para que coincida con la que viene antes / después de ella. También nos aseguramos de que cada toma no tenga partes que sean demasiado blancas o demasiado negras, trabajando básicamente para que obtengamos un color consistente y correcto en toda la película.

Luego clasificamos nuestra película, que es la parte más divertida y creativa, en la que intentamos crear un estilo visual para toda la película, y darle un aspecto distinto.

11. Música | Diseño de sonido

Lo ideal sería trabajar con un músico desde el primer día de la producción, asegurándonos de que la música encaja con lo que tratamos de hacer con la película, y asegurándonos de que la película funciona con la música.

La música no suele ser algo que simplemente se abofetea al final, así que prefiero tenerla conmigo durante toda la producción para que se convierta en una parte integral de la historia.

El diseñador de sonido entonces finaliza todos los efectos de sonido de la película como la locura, el ambiente y las voces, así como la masterización y la mezcla en el audio final de la película.


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Los 6 pasos de la animación

Hemos hablado sobre el flujo de trabajo de la línea de producción de películas de animación, ahora vamos a ir a los pasos reales de la animación de personajes.

Aquí están los 6 pasos de la animación:

  1. Grabación del vídeo de referencia
  2. Posando la llave
  3. Bloqueo
  4. Splining
  5. Suavizar
  6. Añadiendo vida

Paso 1: Rodaje Video de referencia

Este es un paso muy importante y pasado por alto. Es extraño cómo la gente cree saber cómo son ciertas acciones y cuánto tiempo tardan, pero terminan equivocándose.

Las acciones físicas son algo que debes analizar antes de animar, especialmente si eres un principiante.

¿Tienes una foto de un tipo lanzando una pelota de béisbol? Busca en YouTube videos de lanzadores lanzando pelotas.

No asumas que sabes cómo es una acción sólo porque la hayas visto antes.

Mirar una acción como animador es completamente diferente a mirarla como espectador.

Paso 2: Posar

Después de disparar una referencia, es hora de crear las poses clave del disparo.

Estas poses se llaman poses clave porque son las poses más importantes de la toma. Estas son las poses que transmiten la historia de la toma. Tenemos que asegurarnos de hacer bien esas poses, porque vamos a construir sobre ellas para el resto del proceso.

Paso 3: Bloqueo

Una vez que estamos contentos con nuestras poses clave, empezamos a descomponer el movimiento de cada pose a la siguiente añadiendo "entre medias" (también conocidas como poses de descomposición o poses de paso). Estas son las poses que conectan las poses clave.

Seguimos añadiendo más poses hasta que el movimiento se ve tan bien como podría, mientras seguimos en modo escalonado (el modo escalonado es cuando no se permite la interpolación entre las poses, lo que resulta en un movimiento muy entrecortado/bloqueado).

Paso 4: Estrías

Splining es un término de animación 3D. Es el proceso en el que conviertes la interpolación de las teclas de paso a spline.

En otras palabras - haces que el ordenador conecte el movimiento entre cada una de tus poses, y eso hace que el movimiento parezca más suave.

El problema es que el ordenador no hace un buen trabajo de interpolación. Sólo funciona con lo que tiene. Por eso, cuanto mejor sea el bloqueo, mejor se verá la versión estriada.

Paso 5: Refinado y compensación

Ahora que todas nuestras llaves están en modo spline, tenemos que trabajar en ellas. Hemos refinado las curvas de animación y nos aseguramos de que el movimiento se vea suave.

También es una buena idea compensar algunas de las acciones para que no parezca tan "parar y empezar", como si el personaje hiciera todo el movimiento a la vez.

Al final de este paso tu toma debería parecer bastante sólida y casi terminada.

Paso 6: Añadir vida

Este paso es muy divertido.

Ya hemos terminado con el gruñido trabajo de animación, y es hora de añadir pequeñas imperfecciones que dan vida al personaje.

Tal vez un parpadeo extra o un tic de la boca aquí y allá. La diferencia entre los dos últimos pasos es pequeña, pero podría marcar la diferencia entre una buena animación y una gran animación.

Software de animación

Después de "Por dónde empiezo", el tema que más me preguntan es probablemente el software. Todo el mundo quiere saber sobre las herramientas.

¿Es Maya? ¿Después de los efectos? ¿Flash?

Aquí está un desglose de nuestras opciones a la hora de elegir un software de animación basado en el tipo de animación:


Software de animación 3D

Esta es una guía para principiantes, por lo que el software 3D puede ser avanzado para algunos de ustedes, pero creo que es importante estar familiarizado con lo que hay ahí fuera para que sepan lo que utiliza la industria y lo que deberían considerar perseguir si planean hacer de esto su carrera.

Habiendo dicho todo eso, Blender es un programa gratuito, así que eres bienvenido a saltar y jugar con él (con la ayuda de nuestro Curso de mezclado...), y Maya ofrece una licencia educativa gratuita, así que si estás aprendiendo podrás empezar sin invertir nada de dinero todavía.

Autodesk Maya

El estándar de la industria de la animación por ordenador. Si quieres hacer animación profesionalmente, este es el programa en el que debes centrarte. Software de animación 3D, modelado, simulación y renderizado con un conjunto de herramientas integradas y poderosas. Úsalo para animación, ambientes, gráficos en movimiento, realidad virtual y creación de personajes.

Precio: $195/mes. Gratis para los estudiantes.

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Blender

Un programa gratuito, de código abierto, en 3D, Blender proporciona un amplio espectro de modelado, textura, iluminación, animación y post-procesamiento de video en un solo paquete. A través de su arquitectura abierta, Blender proporciona interoperabilidad entre plataformas, extensibilidad, una huella increíblemente pequeña, y un flujo de trabajo estrechamente integrado.

El precio: Gratis

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Cine 4D

Cinema 4D es el mejor amigo de un artista de gráficos en movimiento. Es un programa 3D para el usuario de After Effects. Muy intuitivo, y trabaja directamente con After Effects sin necesidad de renderizar primero. No sería mi primera elección para una producción seria de cine en 3D, ya que está diseñado desde el principio con los gráficos en movimiento en mente, pero es un programa increíblemente versátil.

Precio: $59.99/Mes

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Software de animación 2D

La animación 2D es un gran lugar para comenzar tu viaje de animación. La mayoría de los programas de abajo son baratos y relativamente fáciles de aprender.

Animate CC y After Effects son grandes opciones para jugar con la animación 2D tanto en forma de dibujo a mano como creando marionetas, mientras que Character Animator no requiere ningún dibujo en absoluto, y utiliza tu cara como conductor de la animación. Y si quieres ser profesional, Toon Boom Harmony y TVPaint serán tus mejores opciones.

Animate CC (Anteriormente Flash)

Probablemente el software de animación 2D más popular que existe. La animación tiene un largo linaje de creación de animaciones, que se remonta a los primeros días de la publicación de videos en Internet. Su interfaz intuitiva y su precio relativamente barato lo convierten en una gran elección para iniciarse en la animación 2D.

Lee: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animación)

Precio: $20.99/Mes

Más información...


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Toon Boom Harmony

Harmony es un software 2D más avanzado, ideal tanto para la animación cuadro a cuadro como para la animación basada en el rig. Tiene avanzados sistemas de rigging, efectos y herramientas de cámara. Está basado en vectores, pero la versión más avanzada también tiene la opción de dibujo de mapa de bits.

Lee: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animación)

Precio: 24 dólares al mes

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TVPaint

Un software de animación francés, TVPaint es el software de animación 2D todo en uno que necesitarás. Es definitivamente más robusto y complejo que Photoshop, pero también es mucho más caro. Este software es para animadores profesionales y estudios.

Precio: 500 euros (250 euros para los estudiantes)

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Animador de personajes

Un nuevo programa de animación con un interesante giro. En lugar de animar a la manera tradicional, Character Animator te utiliza tu cámara web y el micrófono para animar automáticamente un personaje pre-construido en tiempo real, casi como una captura de movimiento. Esta es una gran opción para los principiantes ya que requiere la menor cantidad de experiencia en animación.

Precio: $20.99/Mes

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Después de los efectos

Una opción interesante para la animación 2D. Los after effects te dan un gran control cuando creando plataformas para 2D usando la herramienta de títeres y diferentes expresiones. Es una buena elección si ya te sientes cómodo con el entorno de Adobe.

Precio: $20.99/Mes

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Software Stop-Motion

El stop-motion es la forma en que muchos jóvenes aspirantes a animadores consiguen su primera experiencia de animación, utilizando figuras de acción, legos o incluso arcilla.

Hemos enumerado dos opciones muy diferentes aquí. Una dirigida a los principiantes que prueban la animación por primera vez, y la otra es un software de animación de nivel profesional dirigido a llevar su trabajo al siguiente nivel.

Dragonframe

Dragonframe es el estándar de la industria para la animación stop-motion, y fue usado en películas como Kubo y las Dos Cuerdas y Shaun la Oveja.

Si estás planeando hacer un video profesional de stop motion, Dragonframe es la mejor herramienta para el trabajo. Su completo software puede utilizarse con muchos accesorios diferentes, como un dispositivo que controla la cámara, las luces e incluso el enfoque.

Precio: 295 dólares.

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Stop Motion Studio

Stop Motion Studio es una aplicación básica de stop-motion para todos los dispositivos y plataformas que se conectan a cualquier cámara digital, teléfono o tableta para crear estupendos vídeos de stop-motion con sencillez y facilidad. Es una gran elección si estás empezando.

Precio: $4.99 (iOs/Androide) | $9.99 (Mac/Windows)

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Hardware de animación

El hardware es cada vez más barato, y el software es cada vez más eficiente. Puedes ejecutar la mayoría de los programas de animación en la mayoría de las computadoras modernas, y las tabletas de dibujo se están volviendo muy asequibles.

Aquí hay una pequeña lista de lo que recomendamos para los animadores de todos los niveles:

Uno de Wacom

La elección perfecta para los principiantes.

Esta tableta Wacom de nivel introductorio es la forma más barata de entrar en usando una tableta. Esto le permite hacer animación a mano con un presupuesto, y beneficiará también a los animadores 3D, ya que la tableta es a menudo más fácil de usar que un ratón en un programa 3D.

Precio: $59-$69


Wacom Intuos Pro

Llevándolo al siguiente nivel.

Si necesitas más dibujos de bienes raíces, o si estás usando una tableta para animación 3D, esta es la mejor opción para el trabajo. Verás estas tabletas en la mayoría de los estudios de producción, y es una opción popular para los estudiantes de animación que quieren hacer un buen trabajo, pero no pueden permitirse las tabletas Cintiq de alta gama. Viene en 3 tamaños, siendo el más popular el mediano.

Precio: $230-$479


Wacom Cintiq Pro

Se hace profesional.

Para la producción de animación de alta gama, el Wacom Cintiq es la elección definitiva. Básicamente es un monitor gigante (13", 16", 24" o 32") al que puedes recurrir directamente. Hace que el dibujo preciso sea mucho más fácil y más sensible que una tableta normal, pero tiene un costo mucho mayor.

Precio: $649-$3299


Computadora

Lo bueno de usar programas 2D como Animate CC o incluso Toon Boom, es que la mayoría de los ordenadores modernos son capaces de ejecutarlos perfectamente.

Cuando te metes en el 3D, las cosas pueden ponerse difíciles, pero no tienen por qué. Si estás renderizando mundos masivos con complicadas configuraciones de iluminación, necesitarás un ordenador potente con un una tarjeta gráfica muy carapero hay otras opciones:

Imagen

Libros de animación

Se podrían dar diferentes argumentos para determinar cuál es el mejor libro para aprender animación, pero aquí hay algunos que te ayudarán a aprender y perfeccionar tus habilidades, independientemente del tipo de animador que quieras ser.

El kit de supervivencia del animador / Richard Williams

Este libro es la biblia de un animador. Cubre a fondo los fundamentos del espaciado, el tiempo, los paseos, las carreras, el peso, la anticipación, la acción solapada, las tomas, el tambaleo, el diálogo, la animación animal y mucho más. No se llama "Kit de supervivencia" por nada.

Este libro te enseñará TODO lo que necesitas saber para comenzar tu entrenamiento como animador.


Cartoon Animation / Preston Blair

Lanzado originalmente en 1994, Cartoon Animation (también conocido como "The Preston Blair Book"), ha sido una asombrosa fuente de referencia para la creación de animación al estilo de los dibujos animados.

Con este libro aprenderás a desarrollar un personaje de dibujos animados, a crear movimientos dinámicos y a animar el diálogo con la acción.


La ilusión de la vida / Frank Thomas y Ollie Johnston

Este libro comenzó como una guía de animación y se convirtió en un estudio detallado de la progresión de la animación, tanto en los estudios de Disney como en el mundo de la animación en general.

Escrito por dos de los nueve ancianos que definió el estilo de animación de Disney, este libro lleva al lector a través de todos los pasos de descubrimiento e investigación de la los mejores métodos de animación.


Preparando tus tomas / Jeremy Vineyard

Un gran libro para obtener una comprensión básica de la composición de la toma y el movimiento de la cámara para una mejor narración y realización de la película.

Este libro es genial para los cineastas novatos y para los experimentados que buscan referencias de grandes tomas.

Cursos de animación

Bloop Animation es ante todo una plataforma de aprendizaje de animación con cursos de vídeo de primera calidad. Algunos se centran en el software (como Maya o Animate CC) mientras que otros te enseñan habilidades específicas (como fundamentos de animación o storyboarding).

Los cursos en línea se han vuelto increíblemente populares en los últimos años, y ahora son altamente producidos, y una alternativa muy efectiva a las escuelas tradicionales.

¿Por qué?

Es más barato. Mucho más barato.

Las escuelas de arte son increíblemente caras. Gastar 20-40 mil dólares al año (lo más probable es que se endeude) es una decisión enorme, y cada vez tiene menos valor.

Cursos en líneaincluso los más caros, sólo te costará unos pocos cientos de dólares (tal vez unos pocos miles si estás haciendo un programa de certificado en línea que toma varios meses). Eso no se acerca a lo que cuesta una universidad de arte tradicional. Esto lo hace mucho más accesible para una amplia gama de artistas que en el pasado tendrían que renunciar a sus sueños, o pedir prestado un montón de dinero.

Es una gran prueba de manejo

¿Quizás la animación no es para ti? ¿No sería genial averiguarlo antes de gastar decenas de miles de dólares + preciosos años de tu vida?

Tomar un curso de animación en línea es una forma barata y eficiente de comprobar si estás preparado para la tarea. Mira si te gusta. Siempre puedes decidir seguir una carrera después del hecho, pero es una gran manera de hacer tu investigación y asegurarte de que seguir este camino es lo correcto para ti.

No necesitas un título de todos modos.

Uno de los beneficios de trabajar en una industria creativa como la de la animación es que tu trabajo habla más fuerte que cualquier credencial en tu currículum. Si tu demo reel es bueno - serás contratado. A nadie le importará a qué escuela no fuiste.

Puedes tomarlas mientras trabajas

Lo bueno de los cursos en línea es que puedes tomarlos en tu tiempo libre.

Si estás en transición de una profesión diferente y trabajas a tiempo completo, puedes tomar estos cursos los fines de semana, por las noches y en los descansos para el almuerzo.

Puedes personalizar tu propio camino de aprendizaje

Una de las cosas impresionantes de la educación en línea es que puedes combinar fuentes de diferentes lugares.

En una escuela tradicional tienes que apegarte al programa (normalmente 3-4 años) y a menudo tomas muchos cursos no tienes ningún interés en...o que no contribuyen realmente a tu camino de crecimiento personal. Con los cursos en línea, puedes construir tu propio camino de aprendizaje.

Sí, nuestros cursos incluyen un camino construido para que lo sigas, pero sólo está hecho de cosas que NECESITAS saber para animar, y nada más. Además, siempre puedes saltarte una lección que te parezca irrelevante.

Es una gran manera de maximizar tu educación

Los cursos en línea pueden beneficiarte MIENTRAS que seas un estudiante en un programa tradicional.

Cuando iba a la escuela de arte, buscaba constantemente tutoriales en línea (los cursos en línea no eran tan populares en ese entonces, pero todavía había algunos) y miraba todo lo que podía conseguir.

Haciendo eso en la escuela realmente empujó mis habilidades y me motivó a trabajar más duro y mejorar. La escuela sólo puede llevarte hasta cierto punto, y te guiará en la dirección correcta, pero depende de ti asegurarte de que te esfuerzas por dominar tu oficio.

Aquí está la lista completa de nuestros cursos en vídeo:

Cursos de software


Animación de Blender

Un curso completo de animación de personajes con el programa 3D GRATUITO Blender.

Detalles del curso

Animar CC Animación

Aprende a hacer animaciones geniales para YouTube, o animaciones 2D cuadro a cuadro para uso comercial.

Detalles del curso

Animación de After Effects

Un curso paso a paso de animación de personajes con After Effects.

Detalles del curso

Animación Maya

Aprende a animar con el líder de la industria de la animación y los efectos visuales.

Detalles del curso

Animación de Toon Boom Harmony

Un curso completo de animación 2D de alta gama con Toon Boom Harmony.

Detalles del curso

Animación de TVPaint

Aprenda a animar con el líder de la industria en animación 2D cuadro por cuadro.

Detalles del curso

Animación Moho

Aprende a hacer animación 2D con el software profesional todo en uno Moho.

Detalles del curso

Animación de personajes

Aprende a animar en tiempo real, usando tu propia cara. No se requieren habilidades de animación.

Detalles del curso

Animación Stop-Motion

Un curso completo de animación stop motion con el software líder de la industria, Dragonframe.

Detalles del curso

Pase de acceso total

Obtenga acceso de por vida a toda nuestra biblioteca de cursos con una sola compra.

Obtenga acceso total

Cursos de habilidades


Fundamentos de la animación

Aprende los principios fundamentales de la animación de personajes.

Detalles del curso

Fundamentos del Storyboarding

Aprenda los fundamentos de la creación de guiones gráficos profesionales para cualquier proyecto.

Detalles del curso

Haciendo una novela gráfica

Un curso paso a paso para crear y publicar novelas gráficas y cómics.

Detalles del curso

Hacer una película de animación

Un curso gratuito para hacer cortometrajes de animación de principio a fin.

Detalles del curso

Animación de la figura del palo

Una clase magistral de Animador vs. Animación el creador Alan Becker, el animador más popular de YouTube.

Detalles del curso

Animación Stop-Motion

Un curso completo de animación stop motion con el software líder de la industria, Dragonframe.

Detalles del curso

Enseñanza de la animación

Un curso completo para profesores y padres interesados en la enseñanza de la animación.

Detalles del curso

Pase de acceso total

Obtenga acceso de por vida a toda nuestra biblioteca de cursos con una sola compra.

Obtenga acceso total

Entrando en la industria de la animación

Entonces, ¿cómo das el siguiente paso? ¿Y si quieres hacer de la animación tu carrera?

¿Cómo metes el pie en la puerta?

Los animadores generalmente necesitan 3 cosas para conseguir un trabajo en la industria:

  1. Un currículum.
  2. A un sólido carrete de demostración.
  3. A sitio web de la cartera con tu propio dominio. No de esa basura de john.wordpress.com. Mira estos grandes plantillas de Wordpress para hacer tu vida más fácil.

Para muchas profesiones, tener un buen currículum o una carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y la gente de efectos visuales todo se trata del demo reel.

A lo largo de los años he hecho muchas bobinas de demostración para mí, y he visto docenas de bobinas de otras personas. Antes de que empieces a enviar tu carrete a un montón de estudios, te lo ruego, lea nuestra guía de demostración.... He recopilado mucha información sobre cómo crear un efectivo demo reel de animación que realmente te contrate. No te lo saltes.

Así que tengo un carrete de demostración. ¿Y ahora qué?

Como no te conozco personalmente, te daré el mejor consejo que creo que beneficiaría a la mayoría de la gente: La mejor manera de hacerse notar es crear cosas.

Tener un BFA en animación o un diploma de una escuela en línea definitivamente ayudará, pero no garantizará un trabajo después de la graduación.

¿Sabes lo que hice el día después de la graduación?

Continué animando para mi carrete. Y eso es lo que hice todos los días hasta que conseguí mi primer trabajo independiente. Y después del trabajo seguí trabajando en más tomas así que estaré listo para cuando el proyecto de freelance termine.

Tienes que seguir haciendo. Siempre.

Siempre hay tiempo suficiente para trabajar en tu carrete, especialmente en el primer año de tu carrera de animación. Cuando agregues cosas a tu carrete, asegúrate de seguir nuestro Directrices del carrete de demostración para que no pierdas el tiempo.

Si tú... seguir creando cosas y poniéndolos ahí fuera, mientras que constantemente se aplican a los estudios, con el tiempo se hará notar, y contratados.


Trayectoria profesional de los animadores

Cine / TV

La carrera profesional más obvia (aunque no la más fácil) es trabajar en películas y programas de televisión (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network etc.)

Aunque la percepción más común de lo que hace un "animador" es animar personajes como Wall-E o el perro en Up, mucho del trabajo de animación en esta industria ocurre en VFX y la animación mecánica en las películas de acción real también. Casi todas las películas de acción real que se ven utilizan animadores hasta cierto punto.

La mayor parte del trabajo en el cine y la televisión se realiza en California, y entrar en los grandes estudios puede llevar años de solicitud antes de entrar en la puerta.

Anuncios publicitarios

Trabajar en comerciales requiere un conjunto de habilidades diferentes a las del cine y la televisión. Aunque todavía puedas estar animando personajes, la línea de tiempo de la producción es mucho más rápida, y se espera que hagas más tareas diferentes en lugar de especializarte.

Además, =el trabajo comercial a menudo será de gráficos de movimiento en lugar de animación de personajes. Eso significa que conocer After Effects y/o Cinema4D es más relevante si ese es tu camino.

Puede que la animación en los anuncios no sea lo que usted fue a hacer y a animar, pero aún así puede ser muy divertido, y hay mucho más trabajo por hacer, y las localizaciones son casi un asunto sin importancia, ya que la mayoría de las grandes ciudades tienen compañías de producción que producen trabajos comerciales hasta cierto punto.

Previsualización (Previz)

Un campo menos conocido para los animadores es el trabajo previo. Los animadores de Previz crean una pre-visualización de la pieza (comercial, película, etc...) animando figuras temporales en un ambiente simulado para permitir al director tener una idea de sus tomas y composición.

Se sorprenderá de la cantidad de estudios y casas de producción que utilizan el previs, y algunas empresas se dedican a crear sólo previs para diferentes producciones.

Con el crecimiento masivo del uso de previz tanto en publicidad, televisión y cine, los animadores de previz pueden conseguir trabajo en una multitud de campos y lugares, aunque como aspirante a animador puede que no consigas hacer tu mejor trabajo (ya que la animación tiene que hacerse rápidamente y la calidad no es un factor importante) y tu trabajo no será visto realmente por una audiencia.

Videojuegos

La industria de los videojuegos es masiva y hay mucho trabajo para los animadores en ella. El trabajo en sí mismo varía enormemente desde la captura de movimiento a la animación completa de personajes, hasta la creación de ciclos de animación que se repiten a lo largo del juego.

Si has jugado un juego de Blizzard, o visto algunas de las piezas cinematográficas de los juegos de Final Fantasy, sabes que los videojuegos produjeron algunas de las más grandes piezas de animación, e impulsaron la tecnología tanto como las películas. Trabajar en esta industria puede ser muy divertido, y emplea animadores tanto en 3D como en 2D y ofrece una gran variedad de trabajo.

Gráficos de movimiento

He mencionado los gráficos en movimiento cuando escribí sobre el trabajo en los anuncios, pero los artistas de gráficos en movimiento trabajan en una variedad mucho más amplia de proyectos. Desde videos explicativos a proyecciones de eventos y demostraciones de software de interfaz de usuario.

La vida de los motion graphics es a menudo la vida o un freelance, saltando de un proyecto a otro, usando sobre todo After Effects (a veces en combinación con Cinema4D)

Independiente

Un nuevo tipo de animador en ascenso es el animador independiente. Utilizan principalmente YouTube como su plataforma principal y se ganan la vida a través de anuncios, patrocinios y mercancías, y mineral y más de estos animadores emerger todo el tiempo.

Otros cineastas de animación pueden utilizar la financiación colectiva para financiar sus películas, o conseguir que los estudios financien sus películas con un presupuesto independiente.

Director

A diferencia de la mayoría de los trabajos, no hay un camino claro para convertirse en director.

Va a escuela de cine no garantiza un trabajo de dirección después, y rara vez hay una vacante de trabajo bajo "Director" en línea. Algunas personas llegan a los 21 años, y otras pasan toda su vida intentándolo y nunca lo consiguen.

Lo mismo ocurre con el director de animación. Algunos empiezan como animadores, otros como artistas de historias (storyboarding) y algunos pasan a la acción en vivo, sin haber animado ni un solo día en su vida.

¿Cómo se convierte uno en director de animación?

Directores de animación como Andrew Stanton, Richard Williams y John Lasseter fueron animadores antes de convertirse en directores, y es probablemente la forma más común de hacerlo, ya que los animadores están muy involucrados en el aspecto narrativo de la película.

Así que el camino sería:

  1. Ser contratado en un gran estudio como Disney.
  2. Subiendo de rango hasta que te conviertas en director.

Pero, por supuesto, no es tan simple.

Primero, trabajarás como animador junior durante muchos años, y probablemente te llevará casi una década llegar a un lugar en el que alguien incluso consideraría convertirte en director. E incluso entonces, las posibilidades son casi nulas.

Para mí, el camino de trabajar como uno de los cientos de otros animadores durante 10 años, sólo por la posibilidad de tal vez ser notado, no parece un camino muy seguro.

Lo que hice en su lugar, fue crear un pequeño cubo y una pequeña bola, e hice mi propia película. Y luego hice otro. Y probablemente seguiré adelante.

Así que, ¿adivina qué? Me convertí en director. Nadie me dio oficialmente la licencia de director, sólo hice películas. Y t...Esa es la única cosa segura que puedo decirte sobre cómo ser un director, empezar a hacer películas.

Bien, entonces necesito hacer mis propias películas, ¿ahora qué?

Si vas a elegir el camino del director para hacer tus propias películas, te sugiero que empieces con cortos.... Hacer un largometraje es un objetivo que puede tardar mucho tiempo en alcanzarse, y no es un objetivo realista para la animación si estás empezando.

En cuanto a lo que sus películas deberían ser, sugiero que se mantengan los personajes/entornos súper sencillos, y se centren en un buena historia.

Cuando empecé a trabajar en Lift Up, la historia en sí misma provenía de mis limitaciones de no tener buenas habilidades de modelaje. Por eso la película trata de un cubo y una pelota. Si quieres leer más sobre ello en detalle, lee nuestra guía completa por hacer un corto animado. Es gratis.

Concéntrese en las habilidades para contar historias

Las habilidades de ser un buen director son sobre todo ser un buen narrador, así como entender el ritmo, la composición y la actuación. Todas estas son habilidades que un buen animador también debería tener, así que si vienes de la animación podría ser más fácil para ti.

Concéntrate en mostrar estas habilidades en tu corto, mostrando composiciones y cinematografía interesantes. Esto es lo que la gente busca en un director. No renders elegantes o modelos complejos, sino una buena narración.

Recuerda, nadie puede hacerte director. Tiene que venir de ti.


Herramientas y recursos

Empezando con la animación

Cómo hacer una película de animación

Construyendo su cartera

Rigs

Inspiración

Nuestros cortometrajes



¿Qué sigue?

Ahora que ha terminado de leer esta (muy) larga guía, depende de usted.

No más excusas. Ve a hacer algo impresionante. Ya sabes por dónde empezar.

- Morr Meroz