Animación para principiantes
Por dónde empezar?
Una de las preguntas más comunes que recibo (casi a diario) es:
“Quiero dedicarme a la animación. ¿Por dónde empiezo?”
En esta extensa guía intento abarcar (casi) todo lo que puedas necesitar saber sobre animación si quieres entrar en la industria de la animación.
Repasaré algunos de los conceptos básicos de la animación, vocabulario, principios, software, hardware, libros, cursos, así como algunas de las opciones para las personas que quieren entrar en la industria de la animación, pero se sienten abrumadas o intimidadas.
Repasaré qué es la animación, qué se necesita para hacer películas animadas (en 2D o 3D) e incluso cómo empezar a buscar trabajo en la industria.
Fácil de aprender, difícil de dominar.
Hoy en día es más fácil que nunca adentrarse en la animación.
El software es cada vez más barato (o incluso gratuito), y la mayoría de los ordenadores modernos pueden realizar las tareas de animación más sencillas (principalmente en 2D).
El problema es que, aunque cualquiera puede empezar a animar ahora mismo, dominar el arte de la animación requiere tiempo.
La buena noticia es...
No necesitas ser un animador del nivel de Disney para crear animaciones realmente geniales.
Puedes empezar con algo pequeño y sencillo, y poco a poco ir desarrollando tus habilidades y tu estilo propio. Ni siquiera necesitas saber dibujar bien.
Y también...
Hemos creado un curso completo dedicado a comprender los principios básicos de la animación, para que puedas dominar los fundamentos antes de adentrarte en este mundo. Es este, justo debajo.
Curso de Fundamentos de Animación
Aprende los principios básicos de la animación de personajes, incluyendo un repaso de los diferentes tipos de animación , vocabulario básico y los 12 principios fundamentales . Si estás empezando y quieres asegurarte de dominar los conceptos básicos, este curso es el mejor punto de partida.
¿Qué es la animación?
La animación es el arte de dar vida a objetos inanimados o a personajes ilustrados o generados en 3D.
Se crea proyectando imágenes en secuencia rápidamente, una tras otra, para crear la ilusión de vida.
Pero eso no es precisamente lo primero que uno se imagina al oír la palabra Animación , ¿verdad?
Eso son solo detalles técnicos...
Probablemente estés pensando en Disney , Pixar o Ghibli . Ya llegaremos a eso...
Lo más importante de todo esto es la palabra vida . Dar vida es la verdadera esencia del trabajo del animador. Y hay muchas maneras de hacerlo.
Podría ser mediante un dibujo.
Podría hacerse moviendo las estructuras de los personajes en un software 3D.
Podría ser con marionetas , figuras recortadas o figuras de Lego.
Entonces, ¿qué significa ser animador? mean?
Antes de continuar, puedes ver este video donde explico las diferencias entre la animación en 2D y en 3D. Esto te dará una idea de lo que realmente hace un animador.
También podría darte una pista sobre qué dirección te gustaría tomar.
Vocabulario de animación
Ahora que hemos cubierto la idea básica de qué es la animación, es importante comprender el vocabulario y los términos especializados que se utilizan en la industria de la animación y la cinematografía.
Estos términos aparecerán con frecuencia, así que dediquemos unos minutos a repasarlos:
Cronograma
La línea de tiempo es la parte del software de animación que representa el progreso de la animación a lo largo del tiempo.
Dependiendo del software, podríamos usar la línea de tiempo para modificar la sincronización de la animación, así como la posición de los elementos.
Cuadros por segundo
La velocidad de fotogramas de una animación es la cantidad de imágenes individuales (o fotogramas) que se muestran en el lapso de un segundo. Es una configuración que se puede ajustar en el software de animación.
La animación se suele realizar a 24 fotogramas por segundo (FPS).
Trabajando en los números uno y dos.
"Trabajar a una o dos" es un término utilizado en la animación dibujada a mano.
Trabajar en uno mismo implicaría hacer un nuevo dibujo sobre cada fotograma de la animación.
Trabajar con dos fotogramas por segundo significa mantener cada dibujo durante dos fotogramas, por lo que un segundo de animación a 24 fotogramas por segundo serían solo 12 dibujos, no 24.
En la animación 2D, trabajar con dos fotogramas por segundo suele funcionar bien, e incluso hay casos en los que los dibujos pueden mantenerse durante más tiempo. En 3D, sin embargo, trabajar con un solo fotograma por segundo es lo habitual.
Planos y escenas
Normalmente, en la realización de películas de acción real, el término " toma " se refiere a las imágenes entre los cambios de cámara, mientras que una escena es el conjunto de tomas y diálogos que tienen lugar en un lugar determinado durante un período de tiempo continuo.
En animación, sin embargo, solemos usar los términos «escena» y «plano» indistintamente. Cuando hablamos de una escena o un plano, nos referimos a una secuencia continua de animación entre los cambios de cámara.
Fotogramas clave | Desgloses | Intermedios
Los fotogramas clave, los desgloses y los fotogramas intermedios son términos importantes, pero significan cosas ligeramente diferentes dependiendo del tipo de animación.
En la animación tradicional, los fotogramas clave (o simplemente fotogramas clave) son las poses principales que definen la escena. Los fotogramas intermedios se intercalan entre los fotogramas clave y definen el movimiento entre ellos. Los fotogramas intermedios son todos aquellos que sirven para suavizar el movimiento.
En 3D, un fotograma clave es cualquier posición en la línea de tiempo donde el animador ha definido la posición del personaje. Los fotogramas intermedios son todos aquellos que el ordenador interpreta o genera automáticamente para mover al personaje de un fotograma clave a otro.
fotogramas clave
Averías
Intermedios
Imágenes tomadas de El kit de supervivencia del animador / Richard Williams
Sincronización | Espaciamiento | Flexibilización
El momento oportuno, el espaciado y la flexibilización son términos estrechamente relacionados.
El tiempo se refiere al número total de fotogramas que se utilizarán para un movimiento. El espaciado es la cantidad de cambio que se produce entre cada fotograma. Disminuir el espaciado hace que un objeto parezca más lento, mientras que aumentarlo hace que parezca más rápido.
En la animación digital, el suavizado es la forma en que se controla el espaciado, generalmente a través de un gráfico de movimiento en la línea de tiempo.
Desollado de Cebolla
Al animar, es muy útil poder ver más de un fotograma a la vez.
En la animación tradicional, esto se logra colocando varios dibujos sobre una mesa de luz , pero en los programas de animación modernos suele haber una función llamada "piel de cebolla". Esta función permite ver representaciones semitransparentes de los fotogramas anteriores o posteriores al fotograma actual en el que se está trabajando.
composición
La composición es el proceso de unir todas las piezas individuales de una escena para crear el resultado visual final.
Es posible que tengas un fondo, varios personajes y algunos escenarios, todos desarrollados por separado. La composición es el proceso mediante el cual todas esas piezas se combinan para formar una sola escena.
Los 12 principios de la animación
La base de cualquier formación en animación son los 12 principios de la animación.
Los doce principios eran un conjunto de conceptos fundamentales desarrollados en la década de 1930 por los animadores de los estudios Walt Disney durante su transición de los cortometrajes a los largometrajes. Fue un proceso gradual de descubrimiento y perfeccionamiento, a medida que los animadores buscaban elevar su trabajo a un nuevo nivel de excelencia.
Estos 12 principios fueron recopilados por primera vez por los legendarios animadores Frank Thomas y Ollie Johnston en 1981 en su libro La ilusión de la vida.
Crear la ilusión de vida es la esencia de estos principios. Nos ayudan a crear personajes que parecen tener peso, personalidad y que existen en un mundo real con leyes físicas reales en juego.
Aunque fueron desarrolladas por animadores 2D, siguen siendo aplicables a la animación 3D y a cualquier otro tipo de animación.
1. Aplastar y estirar
Los términos compresión y estiramiento describen cómo un objeto cambia de forma en respuesta a las fuerzas que actúan sobre él.
El aplastamiento se produce cuando un objeto se comprime por el impacto de una fuerza opuesta. El estiramiento se produce cuando un objeto se distiende al ser sometido a una fuerza o al moverse rápidamente.
2. Anticipación
La anticipación es un movimiento menor que precede a uno mayor e indica que el movimiento mayor está a punto de ocurrir.
3. Puesta en escena
La puesta en escena consiste en presentar una toma de forma que el contenido de la misma quede lo más claro posible y la función narrativa de la misma sea lo más potente posible.
4. De frente vs. De pose a pose
La animación directa y la animación pose a pose son enfoques diferentes para animar.
El enfoque directo consiste en crear cada fotograma en secuencia, de principio a fin. El enfoque pose a pose consiste en crear primero las poses clave para cada acción y luego completar las poses intermedias.
5. Seguimiento y acciones superpuestas
La acción de seguimiento y superposición se refiere a la tendencia de diferentes partes de un cuerpo a moverse a diferentes velocidades.
Esto incluye el concepto de resistencia , que se produce cuando una parte del cuerpo se queda rezagada al inicio de un movimiento.
6. Entrar despacio y salir despacio
La aceleración y desaceleración graduales se refieren a la tendencia de los objetos a acelerar (y luego desacelerar ) progresivamente al moverse de una posición a otra.
A estos procesos a veces se les denomina transición gradual y transición gradual , o simplemente suavizado.
7. Arcos
El principio de los arcos surge de la observación de que los seres vivos no se mueven en línea recta, sino que realizan movimientos curvos.
Crear arcos elegantes y definidos suele realzar la animación y revelar el nivel de experiencia del animador.
8. Acción secundaria
La acción secundaria se refiere a movimientos (o gestos) más pequeños que apoyan las acciones primarias de un personaje.
Estas acciones hacen que la toma sea más nítida al enfatizar la actitud o la motivación detrás del movimiento.
9. Sincronización
La sincronización consiste en controlar la velocidad de una acción mediante el número de fotogramas utilizados para representarla.
Es uno de los principios más fundamentales de los 12 y se necesitan años para dominarlo.
10. Exageración
La exageración consiste en representar un tema de una manera más intensa o extrema , en lugar de estrictamente realista, con el fin de llevar la animación más allá.
11. Dibujo sólido
El dibujo sólido consiste en posicionar a los personajes de manera que se cree una sensación de volumen , peso y equilibrio.
Dibujar para animación requiere ser capaz de dibujar los personajes desde cualquier ángulo o pose, teniendo en cuenta la tridimensionalidad.
12. Recurso
El término "atractivo" es amplio y abarca cualquier cualidad del diseño de un personaje que lo haga intrínsecamente interesante de ver.
Esto incluye el diseño del personaje, así como la forma en que se anima.
Para un análisis más profundo de los 12 principios...
Le sugerimos que consulte nuestro curso de Fundamentos de Animación.
Este curso abarca los principios básicos de la animación de personajes y profundiza en cada uno de los 12 principios de la animación , así como en los flujos de trabajo y técnicas básicas. Si estás empezando y quieres asegurarte de dominar los fundamentos, este curso es el mejor punto de partida.
Tipos de Animación
Existen muchos tipos diferentes de animación, algunos de los cuales probablemente ya conozcas, así que hagamos un breve repaso de los distintos tipos de animación y cuáles son sus diferencias y similitudes.
Animación 3D
Toy Story 4 | Estudios de Animación Pixar
La animación 3D, también conocida como CGI (imágenes generadas por ordenador), es el tipo de animación más popular en los largometrajes actualmente, y también se ha vuelto común en la televisión y los cortometrajes.
Este es también el mismo tipo de animación que se utiliza para crear personajes digitales para películas de acción real y animaciones para videojuegos.
Un animador utiliza una marioneta digital (llamada esqueleto de personaje ) para posicionar al personaje y, a continuación, utiliza un sistema de trayectorias de movimiento (o splines) para definir el movimiento del personaje entre esas poses.
El ordenador procede a interpolar los fotogramas de la animación entre los fotogramas clave. A continuación, el animador ajusta estos fotogramas hasta quedar satisfecho con la animación.
La animación 3D es un proceso técnicamente complejo que a menudo requiere la participación de muchos especialistas diferentes para modelar el personaje, configurarlo con huesos y controles, animarlo y, finalmente, texturizarlo e iluminarlo para el resultado final.
Animación 2D dibujada a mano
El libro de la selva | Producción de Walt Disney
El primer tipo de animación 2D podría denominarse animación tradicional o animación cel-shading. Prefiero el término animación dibujada a mano, ya que define su aspecto más importante: el hecho de que se dibuja a mano.
Este es el tipo de animación clásica con la que probablemente estés más familiarizado. Antiguamente, los animadores dibujaban los personajes fotograma a fotograma, y luego esos dibujos se transferían a láminas de acetato transparente llamadas cels para pintarlas. De ahí proviene el término animación cel .
Durante la década de 1990, casi todos los estudios de animación dejaron de usar acetatos y comenzaron a escanear los dibujos para colorearlos digitalmente . Ahora, muchos animadores que dibujan a mano prescinden por completo del papel y dibujan directamente en la computadora utilizando una tableta o monitores Wacom Cintiq.
Así pues, la animación tradicional podía realizarse de forma totalmente analógica, totalmente digital o una combinación de ambas. Lo importante es que los animadores tradicionales siguen creando sus animaciones fotograma a fotograma, utilizando las mismas técnicas y principios que en aquellos tiempos del papel y las láminas de acetato.
Animación vectorial 2D
Rick y Morty | Adult Swim
Actualmente existen nuevas formas de crear animación 2D utilizando marionetas digitales 2D . Se trata de personajes 2D construidos con un sistema de huesos y controles que se pueden manipular de forma similar a un esqueleto de personaje 3D.
La diferencia entre los personajes 2D con esqueleto y los personajes dibujados a mano puede ser un tanto difusa. Programas como Toon Boom Harmony y Adobe Animate CC permiten combinar a la perfección la animación dibujada a mano con técnicas de marionetas 2D, a veces incluso dentro del mismo personaje.
Un personaje puede tener huesos que permitan al animador colocarlo en diferentes poses, pero también otras partes que se animan a mano.
Animación Stop Motion
Kubo y las dos cuerdas | Laika
La animación stop motion tiene varias variantes, pero todas implican la manipulación de objetos del mundo real . Estos objetos se mueven ligeramente y se fotografían fotograma a fotograma. Al mostrarse en secuencia, estos fotogramas crean la ilusión de movimiento.
En las producciones de stop motion de alta gama, como las creadas por Laika (Coraline, Kubu y las dos cuerdas mágicas), se filma una marioneta especialmente preparada sobre un escenario en miniatura.
La animación con plastilina es una técnica similar. En ella se utilizan personajes maleables, aunque generalmente están hechos de una sustancia llamada plastilina, no de arcilla propiamente dicha.
También puedes hacer animación stop motion con figuritas y objetos normales, como todas esas fantásticas animaciones de Lego que puedes encontrar en YouTube.
Otra variante de la animación stop motion es la animación con recortes de papel . En este estilo, los personajes se construyen con figuras de papel. Estas pueden unirse por las articulaciones para formar una figura articulada, o bien, las piezas pueden colocarse en su lugar para poder intercambiarlas. Luego, se mueven y se fotografían fotograma a fotograma, como si fueran marionetas de stop motion. Así es como se animó originalmente South Park .
Otro tipo poco común de animación stop motion se llama pixelación . En la pixelación, se utilizan personas reales en lugar de marionetas.
Todos estos tipos de animación stop motion comparten una característica importante:
Todas las tomas deben filmarse de frente, lo que significa comenzar en el fotograma uno y filmar cada fotograma uno tras otro, hasta el final de la escena.
Si se comete un error en un fotograma, es muy difícil corregirlo sin tener que empezar de nuevo. No se puede simplemente redibujar ese fotograma como en la animación 2D. Esto hace que este tipo de animación sea particularmente compleja y requiera mucha paciencia.
Animación de gráficos en movimiento
Gráficos en movimiento
La última gran categoría de animación son los gráficos en movimiento. Los gráficos en movimiento se centran en crear presentaciones dinámicas e interesantes de logotipos de texto en movimiento e ilustraciones básicas.
Los gráficos en movimiento pueden ser tanto en 2D como en 3D , y los encontrarás en todas partes: en anuncios, vídeos explicativos, eventos deportivos, informativos y otras producciones televisivas.
La animación de personajes propiamente dicha suele estar fuera del ámbito de los gráficos en movimiento, pero muchos de los principios básicos de la animación también se aplican a los gráficos en movimiento.
Para obtener una visión más detallada de los 5 tipos de animación , consulta nuestra guía completa sobre los 5 tipos de animación, que incluye la historia detallada de cada tipo y las mejores escuelas, software y cursos.
El proceso de animación
Ahora que entendemos los conceptos básicos de lo que es la animación, repasemos el flujo de trabajo para crear animaciones.
Primero, repasaré los pasos básicos del proceso de creación de películas de animación (todos los elementos necesarios para crear una película animada) y luego desglosaré el proceso de animación de una toma de principio a fin.
¿Cuáles son los pasos para hacer una película de animación?
1. historia
La primera (y probablemente la más importante) parte de hacer cualquier película es una buena historia.
Si no tienes una buena historia desde el principio, por muy bien que se vea tu película, la gente no la disfrutará. La historia es lo primero. Asegúrate de que sea buena y funcione antes de seguir adelante.
En la animación, la historia suele evolucionar y cambiar durante la producción, ya que no estás limitado a las tomas que conseguiste en el set, por lo que cuanto más trabajo dediques al desarrollo de tu historia , más reducirás el tiempo perdido durante la producción.
2. Guión
Una vez que la idea para la historia está lista para plasmarse en palabras , el siguiente paso es escribir el guion.
Es importante plasmar la idea en palabras lo antes posible, para que podamos detectar cualquier problema con la historia antes de pasar a la producción.
3. Arte conceptual
Una vez que el guion está listo, a menudo se crean bocetos conceptuales para establecer el estilo visual de la película.
Es un paso muy divertido, y es la primera oportunidad que tenemos de ver partes de la película cobrar vida en el papel. Se trata de explorar y experimentar.
4. Guión gráfico
El siguiente paso es crear un guion gráfico, que probablemente sea uno de los pasos más importantes para desarrollar la película.
El storyboard te permite ver tu película en su conjunto e identificar problemas de historia y ritmo. Además, te proporciona una herramienta que puedes mostrar a otras personas para obtener su opinión. La mayoría de la gente reacciona mejor a un storyboard que a un guion.
Una vez que estamos satisfechos con los storyboards, pasamos a crear un animatic.
5. Animación
Un animatic es la versión cinematográfica de tu storyboard.
Si un storyboard es como un cómic, entonces un animatic es como una película.
Importamos todos los storyboards a un programa de edición y los editamos con la sincronización correcta, añadimos música y efectos de sonido temporales (lo justo para transmitir los diferentes momentos de la historia) y, cuando terminamos, tenemos la primera versión de nuestra película lista para ver.
Por muy útil que sea un storyboard, un animatic nos da una primera idea de cómo será nuestra película.
6. Creación de activos
En este punto, dependiendo del medio de animación que prefieras, crearemos los diferentes elementos gráficos para nuestra película.
Para la animación 3D, crearemos los modelos de los personajes, entornos, escenarios y objetos. Utilizaremos el arte conceptual y las hojas de modelos como referencia. Estos modelos deberán ser articulados con un esqueleto 3D con controles para poder animarlos en nuestra escena.
Para la animación 2D, dibujaremos el fondo, finalizaremos las hojas de diseño de personajes y, si es necesario, configuraremos los personajes en nuestro software de animación 2D.
Para la animación stop-motion, construiremos nuestros decorados, nuestras marionetas, los accesorios y las diferentes prendas de vestir necesarias para la película.
7. Previs
Antes de empezar a animar nuestras escenas, hay otro paso importante para asegurarnos de que la historia funcione, y es crear una previsualización.
La previsualización es la siguiente etapa del animatic, esta vez utilizando modelos 3D.
Configuramos las tomas en el programa 3D, con los ángulos de cámara y el movimiento finales, y creamos una animación muy básica para los personajes, lo justo para transmitir la acción que se supone que deben realizar.
Luego, llevamos todas estas tomas al programa de edición, tal como hicimos con el animatic, y ahora tenemos una versión de previsualización de nuestra película, con los modelos 3D y el movimiento de cámara correctos.
Dado que la animación requiere mucho tiempo, esta es la última oportunidad que tenemos para realizar cambios importantes en la trama de nuestra película. Sería un gran desperdicio tener que modificar el guion después de la fase de animación.
8. Animación
¡Por fin estamos listos para la animación!
Aquí es donde finalmente le damos vida a la película. Los personajes empiezan a moverse y podemos ver cómo el alma del film cobra vida ante nuestros ojos.
Es algo asombroso de ver, pero también lleva mucho tiempo. Si se hace mal, puede arruinar nuestra película. Una mala animación es como una mala actuación: aunque el guion y la historia sean sólidos, la gente no se dará cuenta si la interpretación es deficiente.
Más adelante en esta sección profundizaremos en los 6 pasos de la animación.
9. Texturizado | Iluminación | Renderizado
Este paso se aplica principalmente a la animación 3D, aunque la animación 2D pasa por pasos de postproducción similares, y la animación stop-motion también dedica mucho tiempo a la composición y a la aplicación de efectos diversos a sus tomas.
En 3D, los modelos necesitan ser texturizados, lo que implica crear diferentes materiales asignados a las distintas partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso algunos para piel y cabello.
A continuación, iluminamos las tomas con luces virtuales, replicando lo más fielmente posible cómo funciona la luz en la vida real.
Una vez que nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado, que consiste en que la computadora calcula todos los datos de nuestras escenas y crea imágenes fijas a partir de ellos.
A continuación, llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects, extraemos los datos necesarios de las imágenes y las combinamos para crear nuestras imágenes finales.
10: Edición | Corrección de color
Una vez que nuestras imágenes están compuestas y listas, las volvemos a importar a nuestro programa de edición y reemplazamos las tomas de previsualización con las nuevas tomas compuestas, del mismo modo que reemplazamos las tomas del animatic con la previsualización.
Ahora podemos ver por primera vez nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición, pero aún no está del todo terminada. Necesitamos hacer algunas correcciones de color y etalonaje.
La corrección de color consiste en manipular los colores de cada toma para que coincidan con la anterior o posterior. Nos aseguramos de que ninguna toma tenga zonas demasiado blancas o demasiado negras, logrando así una reproducción cromática uniforme y precisa en toda la película.
Luego, realizamos la corrección de color de nuestra película, que es la parte más divertida y creativa, en la que intentamos crear un estilo visual para toda la película y darle una apariencia distintiva.
11. Música | Diseño de sonido
Lo ideal es que hayamos trabajado con un músico desde el primer día de producción, asegurándonos de que la música se ajuste a lo que intentábamos lograr con la película y de que la película funcione con la música.
La música no es algo que simplemente añadimos al final, por lo que prefiero tenerla presente durante toda la producción para que se convierta en parte integral de la historia.
A continuación, el diseñador de sonido finaliza todos los efectos de sonido de la película, como los efectos de sonido ambientales y las voces, además de masterizar y mezclar el audio final de la película.
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Los 6 pasos de la animación
Ya hemos hablado del flujo de trabajo en la producción de películas de animación; ahora veamos los pasos concretos de la animación de personajes.
Aquí están los 6 pasos de la animación:
- Vídeo de referencia para la grabación
- Posicionamiento clave
- de amargo
- estriado
- alisando
- Añadiendo vida
Paso 1: Grabación del vídeo de referencia
Este es un paso muy importante y a menudo pasado por alto . Es curioso cómo la gente cree saber exactamente cómo son ciertas acciones y cuánto tiempo requieren, pero al final se equivocan.
Las acciones físicas son algo que debes analizar antes de animar, especialmente si eres principiante.
¿Tienes alguna foto de un tipo lanzando una pelota de béisbol? Busca en YouTube videos de lanzadores lanzando pelotas.
No des por sentado que sabes cómo es una acción solo porque la hayas visto antes.
Observar una acción desde la perspectiva de un animador es completamente diferente a observarla desde la perspectiva de un espectador.
Paso 2: Posar
Tras tomar una fotografía de referencia, llega el momento de crear las poses clave de la toma.
Estas poses se denominan poses clave porque son las más importantes de la toma. Son las que transmiten la historia que cuenta la escena. Debemos asegurarnos de que estas poses sean correctas , ya que partiremos de ellas para el resto del proceso.
Paso 3: Bloqueo
Una vez que estamos satisfechos con nuestras poses clave, comenzamos a desglosar el movimiento de una pose a la siguiente añadiendo poses intermedias (también conocidas como poses de transición o de separación). Estas son las poses que conectan las poses clave.
Seguimos añadiendo más poses hasta que el movimiento se vea lo mejor posible, sin salir del modo escalonado (el modo escalonado es cuando no se permite la interpolación entre poses, lo que da como resultado un movimiento muy entrecortado/bloqueado).
Paso 4: Enderezado
Splining es un término de animación 3D. Es el proceso mediante el cual se convierte la interpolación de las claves de escalonadas a splines.
En otras palabras, haces que el ordenador conecte el movimiento entre cada una de tus poses, y eso hace que el movimiento parezca más fluido.
El problema es que el ordenador no interpola muy bien. Solo trabaja con los datos que tiene. Por eso, cuanto mejor sea el bloqueo, mejor se verá la versión interpolada.
Paso 5: Refinamiento y compensación
Ahora que todas nuestras claves están en modo spline, debemos trabajar en ellas. Hemos perfeccionado las curvas de animación y nos aseguramos de que el movimiento sea fluido.
También es buena idea espaciar algunas de las acciones para que no parezca tan brusco , como si el personaje estuviera realizando todo el movimiento a la vez.
Al final de este paso, tu toma debería verse bastante sólida y casi terminada.
Paso 6: Añadir vida
Este paso es muy divertido.
Ya hemos terminado con el trabajo pesado de la animación, y es hora de añadir pequeñas imperfecciones que den vida al personaje.
Tal vez un parpadeo extra o un leve movimiento de la boca de vez en cuando. La diferencia entre los dos últimos pasos es pequeña, pero podría marcar la diferencia entre una buena animación y una animación excelente.
Software de animación
Después de "¿Por dónde empiezo?", el tema sobre el que más me preguntan es probablemente el software. Todo el mundo quiere saber sobre herramientas.
¿Es Maya? ¿After Effects? ¿Flash?
Aquí te mostramos un desglose de nuestras opciones al elegir un software de animación según el tipo de animación:
Software de animación 3D
Esta es una guía para principiantes, por lo que el software 3D puede resultar avanzado para algunos de ustedes, pero creo que es importante familiarizarse con las opciones disponibles para que sepan qué utiliza la industria y qué deberían considerar si planean dedicarse profesionalmente a esto.
Dicho todo esto, Blender es un programa gratuito, así que puedes empezar a usarlo y experimentar con él (con la ayuda de nuestro curso de Blender ), y Maya ofrece una licencia educativa gratuita, así que si estás aprendiendo, podrás empezar sin invertir dinero todavía.
Autodesk Maya
El estándar de la industria para la animación por computadora. Si quieres dedicarte a la animación profesionalmente, este es el programa en el que debes concentrarte. Software de animación, modelado, simulación y renderizado 3D con un conjunto de herramientas potente e integrado. Úsalo para animación, entornos, gráficos en movimiento, realidad virtual y creación de personajes.
Precio: 195 $/mes | Gratis para estudiantes
Batidora de vaso - Blender
Blender, un programa 3D gratuito y de código abierto, ofrece una amplia gama de funciones para modelado, texturizado, iluminación, animación y postproducción de vídeo en un solo paquete. Gracias a su arquitectura abierta, Blender proporciona interoperabilidad multiplataforma, extensibilidad, un tamaño increíblemente reducido y un flujo de trabajo totalmente integrado.
Precio: Gratis
Cine 4D
Cinema 4D es el mejor amigo de los artistas de motion graphics . Es un programa 3D para usuarios de After Effects. Es muy intuitivo y funciona directamente con After Effects sin necesidad de renderizar previamente. No sería mi primera opción para producciones cinematográficas 3D profesionales, ya que está diseñado desde cero pensando en motion graphics, pero es un programa increíblemente versátil.
Precio: $59.99/mes
Software de animación 2D
La animación 2D es un excelente punto de partida para tu aventura en el mundo de la animación. La mayoría de los programas que se mencionan a continuación son económicos y relativamente fáciles de aprender.
Animate CC y After Effects son excelentes opciones para experimentar con la animación 2D, ya sea dibujando a mano o creando marionetas. Character Animator no requiere ningún dibujo y utiliza tu rostro como motor de la animación. Si buscas un nivel profesional, Toon Boom Harmony y TVPaint serán tus mejores opciones.
Animate CC (anteriormente Flash)
Probablemente el software de animación 2D más popular del mercado. Animate cuenta con una larga trayectoria en la creación de animaciones, que se remonta a los inicios de la publicación de vídeos en internet. Su interfaz intuitiva y su precio relativamente económico lo convierten en una excelente opción para quienes se inician en la animación 2D.
Lee: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animación)
Precio: $20.99/mes
Toon Boom Harmony
Harmony es un software 2D avanzado, ideal tanto para animación fotograma a fotograma como para animación basada en rigs. Cuenta con sistemas de rigging avanzados, efectos y herramientas de cámara . Es vectorial, pero la versión más avanzada también ofrece la opción de dibujo de mapa de bits.
Lee: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animación)
Precio: $24/mes
TVPintura
TVPaint, un software de animación francés, es el programa de animación 2D todo en uno que necesitas. Es sin duda más robusto y complejo que Photoshop, pero también mucho más caro. Este software está dirigido a animadores y estudios profesionales.
Precio: 500 € (250 € para estudiantes)
Animador de personajes
Un programa de animación novedoso con una particularidad interesante. En lugar de animar de la forma tradicional, Character Animator utiliza tu cámara web y micrófono para animar automáticamente un personaje prediseñado en tiempo real, casi como si fuera captura de movimiento . Esta es una excelente opción para principiantes, ya que requiere muy poca experiencia en animación.
Precio: $20.99/mes
Despues de los efectos
Una opción interesante para la animación 2D. After Effects ofrece un gran control al crear esqueletos para animación 2D mediante la herramienta de marioneta y diferentes expresiones. Es una buena opción si ya te sientes cómodo con el entorno de Adobe.
Precio: $20.99/mes
Software de animación stop-motion
La técnica de stop-motion es la forma en que muchos jóvenes aspirantes a animadores obtienen su primera experiencia en animación , utilizando figuras de acción, Legos o incluso arcilla.
Aquí presentamos dos opciones muy diferentes. Una está dirigida a principiantes que se inician en la animación, y la otra es un software de animación de nivel profesional diseñado para llevar tu trabajo al siguiente nivel.
Dragonframe
Dragonframe es el estándar de la industria para la animación stop-motion y se utilizó en películas como Kubo y las dos cuerdas mágicas y Shaun la oveja.
Si planeas crear un video de stop motion profesional, Dragonframe es la mejor herramienta. Su completo software se puede usar con diversos accesorios, como un dispositivo para controlar la cámara, las luces e incluso el enfoque.
Precio: $295
Stop Motion Studio
Stop Motion Studio es una aplicación básica de animación stop motion para todos los dispositivos y plataformas. Se conecta a cualquier cámara digital, teléfono o tableta para crear vídeos stop motion increíbles de forma sencilla y fácil. Es una excelente opción si estás empezando.
Precio: $4.99 (iOS/Android) | $9.99 (Mac/Windows)
Hardware de animación
El hardware es cada vez más barato y el software es más eficiente. La mayoría de los programas de animación se pueden ejecutar en la mayoría de los ordenadores modernos, y las tabletas gráficas son cada vez más asequibles.
Aquí tenéis una breve lista de lo que recomendamos a animadores de todos los niveles:
Uno de Wacom
La opción perfecta para principiantes.
Esta tableta Wacom de nivel básico es la forma más económica de iniciarse en el uso de una tableta gráfica. Te permitirá crear animaciones dibujadas a mano con un presupuesto ajustado y también beneficiará a los animadores 3D, ya que la tableta suele ser más fácil de usar que el ratón en un programa 3D.
Precio: $59-$69
Wacom Intuos Pro
Llevándolo al siguiente nivel.
Si necesitas más espacio para dibujar o si usas una tableta para animación 3D, esta es la mejor opción en general . Verás estas tabletas en la mayoría de los estudios de producción, y es una opción popular entre los estudiantes de animación que quieren hacer un buen trabajo, pero no pueden permitirse las tabletas Cintiq de gama alta. Viene en 3 tamaños, siendo el mediano el más popular.
Precio: $230-$479
Wacom Cintiq Pro
Convertirme en profesional.
Para la producción de animación de alta gama , la Wacom Cintiq es la mejor opción. Básicamente, es un monitor gigante (de 13", 16", 24" o 32") sobre el que se puede dibujar directamente. Facilita el dibujo preciso y ofrece una respuesta mucho más rápida que una tableta convencional, pero su precio es considerablemente más elevado.
Precio: $649-$3299
Módulo
Lo bueno de usar programas 2D como Animate CC o incluso Toon Boom es que la mayoría de los ordenadores modernos son capaces de ejecutarlos sin problemas.
Cuando te adentras en el 3D, las cosas pueden complicarse, pero no tiene por qué ser así. Si estás renderizando mundos enormes con configuraciones de iluminación complejas, necesitarás un ordenador potente con una tarjeta gráfica cara , pero hay otras opciones:
- Puedes hacer la mayor parte de la composición en Nuke como Lo hice para LIFT UP.
- Puedes usar una granja de renderizado como lo hicimos por De buen gusto.
Libros de animación
Existen diversos argumentos para determinar cuál es el mejor libro para aprender animación, pero aquí te presentamos algunos que te ayudarán a aprender y perfeccionar tus habilidades, independientemente del tipo de animador que quieras ser.
El kit de supervivencia del animador Richard Williams
Este libro es la biblia del animador . Cubre exhaustivamente los fundamentos del espaciado, el ritmo, las caminatas, las carreras, el peso, la anticipación, la superposición de acciones, las tomas, el desfase, los diálogos, la animación animal y mucho más. No en vano se le llama "Kit de supervivencia".
Este libro te enseñará TODO LO QUE NECESITAS SABER para comenzar tu formación como animador.
Animación de dibujos animados / Preston Blair
Publicado originalmente en 1994, Cartoon Animation (también conocido como "The Preston Blair Book") ha sido una fuente de referencia increíble para crear animación al estilo de los dibujos animados.
Con este libro aprenderás a desarrollar un personaje de dibujos animados, crear movimientos dinámicos y animar diálogos con acción.
La ilusión de la vida Frank Thomas y Ollie Johnston
Este libro comenzó como una guía de animación y se convirtió en un estudio detallado de la evolución de la animación , tanto dentro de los estudios Disney como en el mundo de la animación en general.
Escrito por dos de los nueve ancianos que definieron el estilo de animación de Disney, este libro guía al lector a través de todos los pasos del descubrimiento y la investigación de los mejores métodos de animación.
Preparando tus disparos / Viñedo Jeremy
Un libro excelente para comprender los conceptos básicos de la composición de planos y el movimiento de cámara, lo que permite mejorar la narración de historias y la realización cinematográfica.
Este libro es ideal tanto para cineastas principiantes como para aquellos con experiencia que buscan excelentes referencias de planos.
Cursos de animación
Bloop Animation es, ante todo, una plataforma de aprendizaje de animación con cursos de vídeo de alta calidad. Algunos se centran en software (como Maya o Animate CC), mientras que otros enseñan habilidades específicas (como fundamentos de animación o storyboarding).
Los cursos en línea se han vuelto increíblemente populares en los últimos años, y ahora cuentan con una alta calidad de producción y son una alternativa muy eficaz a las escuelas tradicionales.
¿Por qué?
Es más barato. Mucho más barato.
Las escuelas de arte son increíblemente caras. Gastar entre 20 y 40 dólares al año (lo más probable es que te endeudes) es una decisión importantísima, y cada vez vale menos la pena.
Los cursos en línea , incluso los más caros, solo cuestan unos cientos de dólares (quizás unos miles si se trata de un programa de certificación en línea que dura varios meses). Esto no se acerca ni de lejos al costo de una escuela de arte tradicional. Esto los hace mucho más accesibles para una amplia gama de artistas que antes tenían que renunciar a sus sueños o endeudarse enormemente.
Es una excelente prueba de manejo.
¿Quizás la animación no sea lo tuyo? ¿No sería genial descubrirlo antes de gastar decenas de miles de dólares y valiosos años de tu vida?
Hacer un curso de animación en línea es una forma económica y eficaz de comprobar si te interesa. Descubre si te gusta. Siempre puedes decidir estudiar una carrera después, pero esta es una excelente manera de investigar y asegurarte de que este camino es el adecuado para ti.
En realidad no necesitas un título universitario.
Una de las ventajas de trabajar en una industria creativa como la animación es que tu trabajo tiene más peso que cualquier título en tu currículum . Si tu demo reel es bueno, te contratarán. A nadie le importará a qué universidad no fuiste.
Puedes tomarlos mientras trabajas
Una gran ventaja de los cursos en línea es que puedes tomarlos en tu tiempo libre.
Si estás en transición desde otra profesión y trabajas a tiempo completo, puedes tomar estos cursos los fines de semana, por las tardes y durante la hora del almuerzo.
Puedes personalizar tu propio camino de aprendizaje.
Una de las cosas fantásticas de la educación en línea es que puedes combinar fuentes de diferentes lugares.
En una escuela tradicional, debes ceñirte al programa (generalmente de 3 a 4 años) y a menudo cursar muchas asignaturas que no te interesan o que no contribuyen a tu desarrollo personal. Con los cursos en línea, puedes diseñar tu propio itinerario de aprendizaje.
Sí, nuestros cursos incluyen una ruta de aprendizaje estructurada, pero solo contiene los conocimientos imprescindibles para animar, y nada más. Además, siempre puedes saltarte una lección si no te resulta relevante.
Es una excelente manera de maximizar tu educación.
Los cursos en línea pueden beneficiarte MIENTRAS eres estudiante de un programa tradicional.
Cuando estudiaba arte, buscaba constantemente tutoriales en línea (los cursos en línea no eran tan populares en aquel entonces, pero aún existían algunos) y veía todo lo que caía en mis manos.
Hacer eso mientras estudiaba realmente impulsó mis habilidades y me motivó a esforzarme más y mejorar. La escuela solo te puede llevar hasta cierto punto y te guiará en la dirección correcta, pero depende de ti esforzarte al máximo para dominar tu oficio.
Aquí está la lista completa de nuestros cursos en vídeo:
Video cursos
Cómo entrar en la industria de la animación
¿Y cuál es el siguiente paso? ¿Qué pasa si quieres dedicarte profesionalmente a la animación?
¿Cómo se consigue entrar en este sector?
Los animadores generalmente necesitan 3 cosas para conseguir un trabajo en la industria:
- A reanudar.
- A sólido Demo reel.
- A sitio web de cartera con tu propio dominio. Nada de eso. john.wordpress.com Mierda. Mira esto Excelentes plantillas de WordPress para hacer tu vida mas facil
Para muchas profesiones, tener un buen currículum o carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y los profesionales de efectos visuales, lo fundamental es el vídeo de presentación.
A lo largo de los años, he creado muchos demos y he visto decenas de demos de otros artistas. Antes de enviar tu demo a varios estudios, te ruego que leas nuestra guía para crear demos . He recopilado muchísima información sobre cómo crear un demo reel de animación efectivo que te ayude a conseguir trabajo. ¡No te lo pierdas!
Ya tengo un vídeo de presentación. ¿Y ahora qué?
Como no te conozco personalmente, te daré el mejor consejo que creo que beneficiaría a la mayoría de la gente: La mejor manera de hacerse notar es crear cosas.
Tener una licenciatura en animación o un diploma de una escuela en línea sin duda ayudará, pero no garantiza un trabajo después de graduarse.
¿Sabes lo que hice al día siguiente de graduarme?
Continué animando para mi demo. Y eso fue lo que hice todos los días hasta que conseguí mi primer trabajo como freelance . Después del trabajo, seguí practicando más tomas para estar listo cuando terminara el proyecto freelance.
Tienes que seguir creando. Siempre.
Siempre hay tiempo suficiente para trabajar en tu demo reel, especialmente durante el primer año de tu carrera en animación. Al añadir material a tu reel, asegúrate de seguir nuestras Pautas para Demo Reel para no perder el tiempo.
Si sigues creando cosas y compartiéndolas con el mundo, a la vez que te presentas constantemente a estudios, con el tiempo te darás a conocer y te contratarán.
Trayectorias profesionales para animadores
Cine/Televisión
La trayectoria profesional más obvia (aunque no la más fácil) es trabajar en películas y programas de televisión (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network, etc.).
Aunque la idea más común de lo que hace un animador es animar personajes como Wall-E o el perro de Up, gran parte del trabajo de animación en esta industria también se realiza en efectos visuales y animación mecánica para películas de acción real. Casi todas las películas de acción real con muchos efectos especiales utilizan animadores en mayor o menor medida.
La mayor parte del trabajo en la industria del cine y la televisión se realiza en California, y entrar en los grandes estudios puede llevar años de solicitudes antes de lograrlo.
Comerciales
Trabajar en comerciales requiere habilidades diferentes a las del cine y la televisión. Si bien es posible que también se animen personajes, el ritmo de producción es mucho más rápido y se espera que se realicen tareas más diversas en lugar de especializarse en una sola área.
Además, el trabajo comercial suele consistir en gráficos en movimiento en lugar de animación de personajes. Por lo tanto, si ese es tu camino profesional, es más importante saber usar After Effects o Cinema 4D.
Puede que animar anuncios publicitarios no sea para lo que te hiciste animador, pero aun así puede ser muy divertido, hay mucho más trabajo por hacer y la ubicación casi no es un problema, ya que la mayoría de las grandes ciudades tienen empresas de producción que realizan trabajos comerciales en mayor o menor medida.
Previsualización (Previz)
Un campo menos conocido para los animadores es el trabajo de previsualización. Los animadores de previsualización crean una previsualización de la pieza (anuncio, película, etc.) animando figuras temporales en un entorno simulado para que el director pueda hacerse una idea de sus tomas y composición.
Te sorprenderá la cantidad de estudios y productoras que utilizan la previsualización, y algunas empresas se dedican exclusivamente a crear previsualizaciones para producciones específicas.
Con el enorme auge del uso de la previsualización en publicidad, televisión y cine, los animadores de previsualización pueden encontrar trabajo en multitud de campos y lugares, aunque como aspirante a animador puede que no tengas la oportunidad de mostrar tu mejor trabajo (ya que la animación debe hacerse rápidamente y la calidad no es un factor determinante) y tu trabajo no será visto por el público.
Videojuegos
La industria de los videojuegos es enorme y ofrece muchísimas oportunidades laborales para los animadores. El trabajo en sí es muy variado, desde la captura de movimiento hasta la animación completa de personajes, pasando por la creación de ciclos de animación que se repiten a lo largo del juego.
Si has jugado a algún juego de Blizzard o visto alguna de las secuencias cinemáticas de Final Fantasy, sabrás que los videojuegos han producido algunas de las mejores animaciones y han impulsado la tecnología tanto como el cine. Trabajar en esta industria puede ser muy divertido, ya que emplea a animadores tanto en 3D como en 2D y ofrece una gran variedad de trabajo.
Motion Graphics
Ya mencioné los gráficos en movimiento cuando escribí sobre mi trabajo en comerciales, pero los artistas de gráficos en movimiento trabajan en una variedad mucho más amplia de proyectos. Desde videos explicativos hasta proyecciones de eventos y demostraciones de interfaces de software.
La vida en el mundo de los gráficos en movimiento suele ser la de un profesional independiente, que salta de un proyecto a otro, utilizando principalmente After Effects (a veces en combinación con Cinema4D).
Independiente
Un nuevo tipo de animador en auge es el animador independiente. Suelen usar YouTube como su plataforma principal y se ganan la vida a través de anuncios, patrocinios y venta de productos. Cada vez aparecen más animadores de este tipo .
Otros cineastas de animación pueden recurrir al micromecenazgo para financiar sus películas, o conseguir que los estudios financien sus filmes con un presupuesto independiente.
Director
A diferencia de la mayoría de los trabajos, no existe un camino claro para convertirse en director.
Ir a la escuela de cine no garantiza un trabajo como director después, y rara vez hay ofertas de empleo para "Director" en internet. Algunos lo consiguen a los 21 años, y otros pasan toda su vida intentándolo sin éxito.
Lo mismo ocurre con ser director de animación . Algunos empiezan como animadores, otros como artistas de storyboard (creación de guiones gráficos) y otros pasan del cine de acción real sin haber animado nunca un solo día en su vida.
¿Cómo se llega a ser director de animación?
Directores de animación como Andrew Stanton, Richard Williams y John Lasseter fueron animadores antes de convertirse en directores, y probablemente sea la forma más común de hacerlo, ya que los animadores están muy involucrados en el aspecto narrativo de la película.
Entonces, el camino sería:
- Consigue un trabajo en un gran estudio como Disney.
- Ir ascendiendo hasta convertirte en director.
Pero, por supuesto, no es tan sencillo.
Primero, trabajarás como animador junior durante muchos años, y probablemente te llevará casi una década llegar a un punto en el que alguien siquiera considere la posibilidad de convertirte en director. E incluso entonces, las probabilidades son prácticamente nulas.
Para mí, el camino de trabajar como uno más entre cientos de animadores durante 10 años, solo por la posibilidad de ser notado, no parece un camino muy seguro.
En cambio, lo que hice fue crear un pequeño cubo y una pequeña bola, e hice mi propia película . Y luego hice otra . Y probablemente seguiré haciéndolo.
¿Y saben qué? Me convertí en director. Nadie me dio oficialmente la licencia de director, simplemente hice películas. Y esa es la única certeza que puedo tener sobre cómo convertirse en director: empezar a hacer películas.
Vale, entonces necesito hacer mis propias películas, ¿y ahora qué?
Si vas a optar por la dirección cinematográfica y quieres hacer tus propias películas, te sugiero empezar con cortometrajes . Hacer un largometraje es una meta que puede llevar mucho tiempo alcanzar, y no es un objetivo realista para la animación si estás empezando.
En cuanto al tema que deberían tratar tus películas, sugiero que te ciñas a personajes y escenarios muy sencillos, y que te centres en una buena historia.
Cuando empecé a trabajar en Lift Up , la historia surgió de mis limitaciones como modelador. Por eso, la película trata sobre un cubo y una pelota. Si quieres saber más detalles, consulta nuestra guía completa para crear un cortometraje de animación. Es gratis.
Concéntrese en las habilidades para contar historias.
Las habilidades de un buen director se basan principalmente en saber contar historias, además de comprender el ritmo, la composición y la actuación. Todas estas son habilidades que un buen animador también debería tener, así que si vienes del mundo de la animación, te resultará más fácil.
Céntrate en demostrar estas habilidades en tu cortometraje, mostrando composiciones interesantes y una cinematografía cuidada. Esto es lo que la gente busca en un director. No se trata de efectos visuales sofisticados ni de modelado complejo, sino de contar buenas historias.
Recuerda: nadie puede convertirte en director. Tienes que ser tú quien lo decida.
Herramientas y recursos
Introducción a la animación
- Los 5 tipos de animación: Esta guía desglosa los cinco tipos de animación disponibles y lo que necesitas para empezar a animar. El mejor software, las mejores escuelas y mucho más.
- Las mejores escuelas de animación: Una selección de las mejores escuelas de animación del mundo.
- Estudios de animación: Una guía detallada de los mejores estudios de producción de películas de animación.
- Software de animación: ¿Cuál deberías usar? Un desglose de las opciones que tienes cuando Elegir tu software de animación.
- Por qué no necesitas saber dibujar para ser animador 3D: ¡Ya no tienes excusas!
- Cambio a una tableta Wacom para animación 3D: Cómo dar el salto a la animación 3D utilizando una tableta en lugar de un ratón.
- Comienza a animar ahora con menos de 100 dólares: En este artículo te muestro cómo puedes empezar a animar como un profesional con menos de 100 dólares.
Cómo hacer una película de animación
- Cómo se hizo Tasteful: Todos los pasos necesarios para realizar la película, de principio a fin, explicados de la forma más sencilla posible.
- Cómo se hizo LIFT UP: Todos los vídeos que documentan la realización de LIFT UP, reunidos en un solo lugar.
Construyendo su cartera
- Cómo crear un vídeo de demostración de animación: la guía completa. Para muchas profesiones, tener un buen currículum o carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y los profesionales de efectos visuales, esto es aún más importante. Todo gira en torno al vídeo de presentación.
- Iluminación y renderizado de tu demo reel de animación: Un videotutorial que explica la configuración básica de iluminación y renderizado para que tu vídeo de presentación destaque.
- Creación de un sitio web de portafolio: Nuestra guía paso a paso para crear un sitio web de portafolio profesional desde cero.
- Cómo instalar un tema de WordPress para tu sitio web de portafolio: Guía paso a paso para instalar un tema de WordPress.
- Mejores temas de portafolio para WordPress: Tener tu propio sitio web para mostrar tu trabajo es extremadamente importante. Una de las formas más fáciles de configurar un sitio web de portafolio es utilizando Temas de WordPress.
- ¿Por qué hacer una segunda película? Si ya has hecho una película, aquí te explicamos por qué deberías empezar a trabajar en la siguiente.
Rigs
- El equipo de pelota definitivo de Bloop: Un modelo 3D gratuito y escalable de pelota que rebota, con funciones de compresión y estiramiento, para Maya.
- Los mejores rigs gratuitos para Maya: El uso de rigs gratuitos es excelente para ejercicios de animación o para agregar tomas a tu reel.
Inspiración
- Lo que hice después de graduarme: Mi historia de graduación y todo sobre cómo me elegí a mí misma.
- 5 razones por las que no serás animador: Si necesitas un pequeño empujón, lee esto.
- Lo que Ratatouille y Monsters University me enseñaron sobre ser artista: Un artículo que invita a la reflexión sobre las lecciones aprendidas de dos grandes películas de Pixar.
- Los mejores documentales de animación: Las películas más educativas e inspiradoras sobre la industria de la animación y su gente.
Nuestros cortometrajes
¿Qué sigue?
Ahora que has terminado de leer esta (muy) larga guía, depende de ti.
Se acabaron las excusas. ¡Crea algo increíble! Ya sabes por dónde empezar.
- Morr Meroz
