Animación para principiantes

¿Por dónde empiezo?

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Una de las preguntas más comunes que recibo (casi a diario) es:

"Quiero entrar en la animación. ¿Por dónde empiezo?"

En esta guía masiva intento cubrir (casi) todo lo que podrías necesitar saber sobre la animación si estás tratando de entrar en la industria de la animación.

Cubriré algunos de los conceptos básicos de la animación, vocabulario, principios, software, hardware, libros, cursos, así como algunas de las opciones para la gente que quiere entrar en la industria de la animación, pero se siente abrumada o intimidada.

Repasaré lo que es la animación, lo que se necesita para hacer películas animadas (2D o 3D), e incluso cómo empezar a buscar un trabajo en la industria.

Fácil de aprender, difícil de dominar

Hoy es más fácil que nunca entrar en la animación.

El software es cada vez más barato (o incluso gratuito), y la mayoría de los ordenadores modernos pueden manejar las tareas de animación más simples (en su mayoría 2D).

Elproblema es que, aunque cualquiera puede empezar a animar ahora mismo, el arte de la animación requiere tiempo para dominarlo.

La buena noticia es...

No necesitas ser un animador de Disney para crear animaciones realmente geniales.

Puedes empezar con algo pequeño y sencillo e ir desarrollando poco a poco tus habilidades y tu estilo único. Ni siquiera necesitas saber dibujar bien.

Y también...

Construimos un curso entero dedicado a la comprensión de los principios básicos de la animación, para que puedas cubrir tus fundamentos antes de saltar a la animación. Es este, justo debajo.

Curso de Fundamentos de la Animación

Aprende los principios básicos de la animación de personajes, incluyendo un estudio de los diferentes tipos de animación, el vocabulario básico y los 12 principios de la animación. Si estás empezando y quieres asegurarte de que los fundamentos están cubiertos - este curso es el mejor lugar para empezar.

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¿Qué es la animación?

La animación es el arte de dar vida a objetos inanimados o a personajes ilustrados o generados en 3D.

Se crea proyectando rápidamente imágenes secuenciadas, una tras otra, para crear la ilusión de vida.

Pero eso no es lo primero que uno se imagina cuando oye la palabra Animación¿no es así?

Eso son cosas técnicas...

Probablemente esté pensando en Disney, Pixar o Ghibli. Ya llegaremos a eso...

La parte más importante de todo esto es la palabra vida. Dar vida es la verdadera esencia del trabajo del animador. Y hay muchas formas de hacerlo.

Puede ser por medio de un dibujo.

Podría ser moviendo los rigs de los personajes en un software 3D.

Puede ser con marionetas, personajes recortados o figuras de lego.

¿Qué significa ser un animador significa?

Antes de lanzarnos, puedes ver este vídeo en el que explico las diferencias entre animar en 2D y en 3D. Esto te dará una idea de lo que realmente hace un animador.

También puede darte una pista sobre la dirección que quieres seguir.

Vocabulario de animación

Ahora que hemos cubierto la idea básica de lo que es la animación, es importante entender el vocabulario y los términos especializados que se utilizan en la industria de la animación y el cine .

Estos términos aparecerán a menudo, así que vamos a dedicar unos minutos a repasarlos:

Cronología

La línea de tiempo es la parte del software de animación que representa el progreso de la animación en el tiempo.

Dependiendo del software, podemos utilizar la línea de tiempo para realizar cambios en el tiempo de la animación, así como en la posición de los elementos.

Velocidad de fotogramas

La velocidad de los fotogramas de una animación es el número de imágenes individuales (o fotogramas) que se muestran durante un segundo. Es una configuración que puedes ajustar en el software de animación.

La animación suele realizarse en 24 cuadros por segundo (FPS).

Trabajando en uno y dos

Trabajar en uno o dos es un término usado en la animación a mano.

Trabajar en uno de ellos significaría hacer un nuevo dibujo sobre cada fotograma de la animación.

Trabajar de dos en dos significa mantener cada dibujo durante dos fotogramas, por lo que un segundo de animación a 24 fotogramas por segundo sólo serían 12 dibujos, no 24.

En la animación 2D, trabajar con dos se ve bien en la mayoría de los casos, e incluso hay casos en los que los dibujos se pueden mantener más tiempo. En 3D, sin embargo, trabajar en uno es el estándar.

Tomas y escenas

Normalmente, en el cine de acción real, el término"plano" se refiere a las imágenes entre los montajes de cámara, mientras que una escena es el conjunto de planos y diálogos que tienen lugar en un lugar concreto durante un bloque de tiempo continuo.

En la animación, sin embargo, solemos utilizar los términos "escena" y "plano" indistintamente. Cuando hablamos de una escena/plano, solemos referirnos a una pieza específica de animación continua entre cortes de cámara.

Fotogramas clave | Desgloses | Intermedios

Los fotogramas clave, los desgloses y los intermedios son términos importantes, pero tienen un significado ligeramente diferente según el tipo de animación.ndependientemente del tipo de animación.

En la animación dibujada a mano, los fotogramas clave (o simplemente claves) son las principales poses importantes que definen la escena. Los despieces se encuentran entre las claves y definen el movimiento de una clave a otra. Los intermedios son todos los fotogramas que aparecen entre ellos para suavizar el movimiento.

En 3D, un fotograma clave es cualquier posición en la línea de tiempo en la que el animador ha definido la posición del personaje. Los intermedios son todos los fotogramas que el ordenador interpreta o genera automáticamente para mover al personaje de una tecla a otra.

Cuadros clave

Desgloses

Entrevistas

Imágenes tomadas de The Animator's Survival Kit / Richard Williams

Tiempo | Espacios | Facilidad

El tiempo, el espaciamiento y la relajación son términos estrechamente relacionados.

Latemporización es el número total de fotogramas que se utilizarán para un movimiento. El espaciado es la cantidad de cambio que se produce entre cada fotograma. Disminuir el espaciado, hace que un objeto sea más lento, mientras que aumentar el espaciado hace que parezca más rápido.

En la animación digital, el easing es la forma de controlar el espaciado, normalmente a través de un gráfico de movimiento en la línea de tiempo.

Pelado de cebollas

Al animar, es muy útil poder ver más de un cuadro a la vez.

En la animación en papel esto se hace teniendo múltiples dibujos en una mesa de luz, pero en los programas de animación modernos suele haber una función llamada onion skinning. Te permite ver representaciones semitransparentes de los fotogramas anteriores o posteriores al fotograma en el que estás trabajando.

Composición

La composición es el proceso de unir todas las piezas individuales de una escena para crear el resultado visual final.

Puede que tengas un fondo, varios personajes y algún escenario que se desarrolle por separado. La composición es la forma en que todas esas piezas se unen en una sola escena.

Los 12 principios de la animación

La base de cualquier formación en animación son los 12 principios de la animación.

Los 12 principios son un conjunto de conceptos básicos desarrollados en los años 30 por los animadores de los estudios Walt Disney en su transición de los cortometrajes a los largometrajes. Fue un proceso gradual de descubrimiento y perfeccionamiento a medida que los animadores intentaban llevar su trabajo a un nuevo nivel superior.

Estos 12 principios fueron recopilados por primera vez por los legendarios animadores Frank Thomas y Ollie Johnston en 1981 en su libro La ilusión de vivir.

Crear la ilusión de vida es de lo que tratan los principios. Nos ayudan a crear personajes que parecen tener peso, personalidad, y que existen en un mundo real con la física real en acción.

Aunque fueron desarrolladas por animadores de 2D, siguen siendo válidas para el 3D y cualquier otro tipo de animación.

1. Squash & Stretch

El aplastado y el estirado describen cómo un objeto cambia de forma en respuesta a las fuerzas que actúan sobre él.

Elaplastamiento se produce cuando el objeto se comprime por el impacto de una fuerza contraria. El estiramiento es cuando un objeto se distiende por algo que tira de él, o por un movimiento rápido.

2. Anticipación

La anticipación es un movimiento más pequeño que precede a uno mayor, y señala que el movimiento mayor está a punto de ocurrir.

3. Puesta en escena

La puesta en escena es la presentación de una toma de manera que el contenido de la misma sea lo más claro posible, y la función narrativa de la toma lo más fuerte posible.

4. En línea recta vs. Postura a Postura

Animación recta y la postura son diferentes enfoques de la animación.

En línea recta significa crear cada nuevo fotograma en secuencia de principio a fin. Pose-to-pose significa crear primero las poses clave de cada acción y luego rellenar las poses intermedias.

5. Seguimiento y superposición de acciones

La acción de seguimiento y superposición se refiere a la tendencia de las diferentes partes de un cuerpo a moverse a diferentes velocidades.

Esto incluye el concepto de arrastre, que es cuando una parte del cuerpo se queda atrás cuando se inicia un movimiento.

6. Entrada y salida lenta

La entrada y salida lenta se refiere a la tendencia de los objetos a acelerar gradualmente (y luego desacelerar) cuando se mueven de una posición a otra.

A veces se denominan "ease-in" y " ease-out", o simplemente "easing".

7. Arcos

El principio de los arcos proviene de la observación de que los seres vivos no se mueven en línea recta, sino en movimientos curvos.

La creación de arcos elegantes y claros a menudo eleva la animación y revela el nivel de experiencia del animador.

8. Acción secundaria

La acción secundaria se refiere a movimientos menores (o gestos) que apoyan las acciones primarias de un personaje.

Estas acciones hacen que la toma sea más clara al enfatizar la actitud o la motivación detrás del movimiento.

9. Cronometraje

La temporización es el control de la velocidad de una acción mediante el número de fotogramas utilizados para representarla.

Es uno de los más fundamentales de los 12 principios y lleva años dominarlo.

10. Exageración

La exageración consiste en representar un tema de forma exagerada o más extrema, en lugar de estrictamente realista, para llevar su animación más lejos.

11. Dibujo sólido

Dibujar con solidez significa plantear los personajes de manera que se cree una sensación de volumen, peso y equilibrio.

El dibujo para la animación requiere ser capaz de dibujar los personajes desde cualquier ángulo o pose, con la tridimensionalidad en mente.

12. Recurso de casación

El atractivo es un término amplio que se refiere a cualquier cualidad del diseño de un personaje que lo hace intrínsecamente atractivo.

Esto incluye el diseño del personaje, así como la forma en que el personaje es animado.

Para profundizar en los 12 principios...

Le sugerimos que consulte nuestro Fundamentos de la animación curso.

Cubre los principios básicos de la animación de personajes, y profundiza en cada uno de los 12 principios de la animación, así como en los flujos de trabajo y técnicas básicas de animación. Si estás empezando y quieres asegurarte de que los fundamentos están cubiertos, este curso es el mejor lugar para empezar.

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Tipos de animación

Hay muchos tipos diferentes de animación, algunos de los cuales probablemente ya conozcas, así que vamos a hacer un rápido repaso de los diferentes tipos de animación y cuáles son las diferencias y similitudes.


Animación 3D

Toy Story 4 | Pixar Animation Studios

El 3D, también conocido como CGI (computer generated imagery), es el tipo de animación más popular en la actualidad para los largometrajes, y se ha convertido en algo habitual también en la televisión y los cortometrajes.

También es el mismo tipo de animación que se utiliza para crear personajes digitales para las películas de acción real y la animación para los videojuegos.

Un animador utiliza una marioneta digital (llamada rig de personaje) para posicionar al personaje, y luego utiliza un sistema de trayectorias de movimiento (o splines) para definir el movimiento del personaje entre esas poses.

La computadora procede a interpolar los cuadros de la animación entre los cuadros clave. El animador entonces refina estos cuadros hasta que están satisfechos con la animación.

La animación 3D es un proceso técnicamente intensivo, que a menudo involucra a muchos especialistas separados para modelar el personaje, aparejarlo con huesos y controles, animarlo y luego texturizarlo e iluminarlo para el resultado final.


Animación 2D dibujada a mano

El Libro de la Selva | Producción de Walt Disney

El primer tipo de animación 2D podría llamarse animación tradicional o animación celular. Prefiero el término animación dibujada a mano porque eso define su aspecto más importante: el hecho de que se dibuja a mano.

Este es el tipo clásico de animación con el que probablemente estés más familiarizado. Antiguamente, los animadores dibujaban los personajes fotograma a fotograma, y luego esos dibujos se transferían a hojas de acetato transparentes llamadas celdas para pintarlas. De ahí viene el término de animación en celdas.

A lo largo de la década de los 90, casi todos los estudios de animación dejaron de utilizar carretes y empezaron a escanear los dibujos en el ordenador para colorearlos digitalmente, y ahora muchos animadores que dibujan a mano se saltan el papel por completo y dibujan directamente en el ordenador utilizando una tableta o monitores Wacom Cintiq.

Así que la animación dibujada a mano puede hacerse de forma totalmente analógica o totalmente digital, o una mezcla de ambas. Lo importante es que los animadores dibujados a mano siguen creando su animación cuadro a cuadro utilizando las mismas técnicas y principios que en los viejos tiempos del papel y los fotogramas.


Animación vectorial 2D

Rick y Morty | Adult Swim

Hoy en día existen nuevas formas de crear animación en 2D utilizando una marioneta digital en 2D. Se trata de personajes 2D que se construyen con un sistema de huesos y controles que se pueden manipular de forma similar a un rig de personaje 3D.

La diferencia entre los personajes 2D rigged y los dibujados a mano puede ser un poco borrosa. Programas como Toon Boom Harmony y Adobe Animate CC permiten mezclar y combinar sin problemas la animación dibujada a mano con las técnicas de marionetas 2D, a veces incluso dentro del mismo personaje.

Un personaje puede tener huesos que permitan al animador posarlo, pero también tener otras partes que se animan a mano.


Animación Stop Motion

Kubo y las dos cuerdas | Laika

El stop motion tiene varias variantes, pero todas implican la manipulación de objetos del mundo real. Estos objetos se mueven ligeramente y se fotografían un fotograma cada vez. Cuando se muestran en secuencia, estos fotogramas crean la ilusión de movimiento.

En las películas de stop motion de mayor calidad, como las creadas por Laika (Coraline, Kubu y las dos cuerdas), se rueda una marioneta especialmente preparada en un escenario en miniatura.

La plastilina es una técnica similar. En ella se utilizan personajes maleables, aunque generalmente están hechos de una sustancia llamada plastilina, no de arcilla real.

También puedes hacer stop motion con figuras y objetos normales, como todas esas estupendas animaciones de Lego que puedes encontrar en YouTube.

Otra variante del stop motion es la animación con recortes de papel. En este estilo, los personajes se construyen con formas de papel. Se pueden unir con alfileres en las articulaciones para hacer una figura posable, o se pueden colocar piezas para que se puedan intercambiar. A continuación, se mueven y se fotografían fotograma a fotograma, como una marioneta en stop motion. Así es como se animó originalmente South Park.

Otro tipo raro de stop motion es el llamado pixelación. En la pixelación se utilizan personas reales en lugar de marionetas.

Todos estos tipos de stop motion comparten una característica importante:

Todos tienen que ser filmados directamente, lo que significa comenzar en el primer cuadro y filmar cada cuadro uno tras otro, hasta el final de la escena.

Si se comete un error en un fotograma, es muy difícil arreglarlo sin tener que empezar de nuevo. No se puede volver a dibujar ese fotograma como en la animación 2D. Esto hace que este tipo de animación sea especialmente intenso y requiere una gran cantidad de paciencia.


Animación de gráficos en movimiento

Gráficos en movimiento

La última gran categoría de la animación son los gráficos en movimiento. Los gráficos en movimiento se centran en hacer presentaciones dinámicas e interesantes de logotipos de texto en movimiento e ilustraciones básicas.

Los gráficos en movimiento pueden ser tanto en 2D como en 3D, y los encontrarás por todas partes en anuncios, vídeos explicativos, eventos deportivos, noticias y otras producciones televisivas.

La animación adecuada de los personajes está generalmente fuera del alcance de los gráficos en movimiento, pero muchos de los principios básicos de animación se aplican también a los gráficos en movimiento.


Para conocer más a fondo los 5 tipos de animación, consulta nuestra guía completa sobre los 5 tipos de animación, incluyendo la historia detallada de cada tipo, y las mejores escuelas, software y cursos.

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El proceso de animación

Ahora que entendemos los conceptos básicos de lo que es la animación, vamos a repasar el flujo de trabajo para crear una animación.

En primer lugar, voy a cubrir los pasos básicos de la producción de películas de animación (todas las partes móviles que se necesitan para crear una película de animación), y luego voy a desglosar el proceso de animación de una toma de principio a fin.

Entonces, ¿cuáles son los pasos para hacer una película animada?

1. Historia

La primera parte (y probablemente la más importante) de la realización de cualquier película es una buena historia.

Si no consigues que la historia funcione desde el principio, por muy buena que sea tu película, la gente no disfrutará viéndola. La historia es lo primero. Asegúrate de que es buena y de que funciona antes de seguir adelante.

En la animación, la historia suele evolucionar y cambiar durante la producción, ya que no te limitas a las tomas que tienes en el plató, así que cuanto más trabajes en el desarrollo de tu historia, más reducirás el tiempo perdido durante la producción.

2. Guión

Una vez que la idea de la historia está lista para ponerla en palabras, el siguiente paso es escribir el guión.

Es importante trasladar la idea a palabras lo antes posible, para que podamos detectar cualquier problema con la historia antes de entrar en producción.

3. Concepto de arte

Una vez que el guión está listo, se suele crear un arte conceptual para establecer el estilo visual de la película.

Es un paso muy divertido, y es la primera oportunidad que tenemos de ver partes de la película cobrar vida en el papel. Se trata de explorar y probar cosas.

4. Storyboard

Lo siguiente es la creación de un guión gráfico, que es probablemente uno de los pasos más importantes en la concepción de la película.

Los guiones gráficos te permiten ver tu película como un todo y detectar problemas de historia y ritmo. Además, te proporciona algo que puedes mostrar a otras personas para que te den su opinión. La mayoría de la gente reacciona mejor a un guión gráfico que a un guión.

Una vez que estemos contentos con los tableros, pasamos a crear un animatic.

5. Animatic

Un animatic es la versión cinematográfica de tu storyboard.

Si el storyboard es como un cómic, el animatic es como una película.

Llevamos todos los tableros a un programa de edición y los editamos con el tiempo correcto, añadimos algo de música y efectos de sonido temporales (lo suficiente para transmitir los diferentes ritmos de la historia), y cuando terminamos tenemos la primera versión de nuestra película lista para ver.

Por muy bueno que sea un storyboard, un animatic nos da una primera visión de cómo va a ser nuestra película.

6. Creación de activos

En este punto, dependiendo del medio de animación que elija, crearemos los diferentes activos para nuestra película.

Para la animación en 3D crearemos los modelos de los personajes, los ambientes, los decorados y el atrezzo. Usaremos el arte conceptual y las hojas de modelo como nuestra referencia. Estos modelos tendrán que ser manipulados con un esqueleto 3D con controles, para que podamos animarlos en nuestra escena.

Para la animación 2D dibujaremos el fondo, finalizaremos las hojas de diseño de los personajes, y si es necesario - aparejaremos los personajes en nuestro software de animación 2D.

Para la animación en stop-motion construiremos nuestros sets, nuestras marionetas, el atrezzo y las diferentes piezas de ropa necesarias para la película.

7. Previs

Antes de entrar en la animación de nuestras escenas, hay otro paso importante para asegurarse de que la historia funciona, y es crear una previsualización.

Un previs es la siguiente encarnación del animatic, esta vez utilizando modelos 3D.

Preparamos nuestras tomas en el programa 3D, con los ángulos de cámara y el movimiento finales, y creamos una animación muy básica para los personajes, lo suficiente para transmitir la acción que se supone que están haciendo.

Luego llevamos todas estas tomas al programa de edición, como hicimos con el animatic, y ahora tenemos una versión previa de nuestra película, con los modelos 3D correctos y el movimiento de la cámara.

porque la animación lleva mucho tiempo, esta es la última oportunidad que tenemos para hacer cualquier cambio serio en la historia de nuestra película. Sería un gran desperdicio si tuviéramos que hacer cambios en la historia después de la fase de animación.

8. Animación

¡Finalmente estamos listos para la animación!

Aquí es donde finalmente le damos vida a la película. Los personajes empiezan a moverse, y podemos ver el alma de la película cobrar vida delante de nosotros.

Es algo increíble de ver, pero también lleva mucho tiempo. Si se hace incorrectamente, puede arruinar nuestra película. Una mala animación es como una mala actuación: Incluso si la escritura y la historia son sólidas, la gente no se dará cuenta si la entrega está mal.

Profundizaremos en los 6 pasos de la animación más adelante en esta sección.

9. Texturas | Iluminación | Renderizado

Este paso se aplica sobre todo a la animación 3D, aunque la animación 2D pasa por pasos de postproducción similares a este, y la animación stop-motion pasa mucho tiempo haciendo composición y efectos varios encima de sus tomas también.

En 3D, los modelos necesitan ser texturizados, lo que significa crear diferentes materiales asignados a las diferentes partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso algunos para la piel y el cabello.

Luego iluminamos las tomas con luces virtuales, replicando lo más fielmente posible cómo funciona la luz en la vida real.

Luego, cuando nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado, que es el ordenador calculando todos los datos de nuestras escenas, y creando imágenes fijas a partir de ellos.

Luego llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects, extraemos los datos necesarios de las imágenes, y los combinamos para crear nuestras imágenes finales.

10: Edición | Corrección del color

Una vez que nuestras imágenes están compuestas y listas, las traemos de vuelta a nuestro programa de edición y reemplazamos nuestras tomas previas con nuestras nuevas tomas compuestas, al igual que reemplazamos las tomas animadas con las vistas previas.

Ahora podemos ver nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición por primera vez, pero, no está realmente terminada todavía. Necesitamos hacer algo de corrección de color y graduación.

La corrección de color es el proceso de manipular los colores de cada toma individual para que coincida con la que viene antes / después de ella. También nos aseguramos de que cada toma no tenga partes que sean demasiado blancas o demasiado negras, trabajando básicamente para que obtengamos un color consistente y correcto en toda la película.

Luego clasificamos nuestra película, que es la parte más divertida y creativa, en la que intentamos crear un estilo visual para toda la película, y darle un aspecto distinto.

11. Música | Diseño de sonido

Lo ideal sería trabajar con un músico desde el primer día de la producción, asegurándonos de que la música encaja con lo que tratamos de hacer con la película, y asegurándonos de que la película funciona con la música.

La música no suele ser algo que simplemente se abofetea al final, así que prefiero tenerla conmigo durante toda la producción para que se convierta en una parte integral de la historia.

El diseñador de sonido entonces finaliza todos los efectos de sonido de la película como la locura, el ambiente y las voces, así como la masterización y la mezcla en el audio final de la película.


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Los 6 pasos de la animación

Hemos hablado sobre el flujo de trabajo de la línea de producción de películas de animación, ahora vamos a ir a los pasos reales de la animación de personajes.

Aquí están los 6 pasos de la animación:

  1. Grabación del vídeo de referencia
  2. Posar la clave
  3. Bloqueo
  4. Splining
  5. Suavizar
  6. Añadir vida

Paso 1: Rodaje Video de referencia

Este es un paso muy importante y que se pasa por alto. Es extraño que la gente crea saber cómo son ciertas acciones y cuánto tiempo llevan, pero acaba equivocándose.

Las acciones físicas son algo que debes analizar antes de animar, especialmente si eres principiante.

¿Tienes una foto de un tipo lanzando una pelota de béisbol? Busca en YouTube videos de lanzadores lanzando pelotas.

No des por sentado que sabes cómo es una acción sólo porque la hayas visto antes.

Mirar una acción como animador es completamente diferente a mirarla como espectador.

Paso 2: Posar

Después de fotografiar una referencia, es el momento de crear las poses clave de la toma.

Estas poses se denominan poses clave porque son las más importantes de la toma. Son las poses que transmiten la historia de la toma. Tenemos que asegurarnos de hacer bien esas poses, porque nos basaremos en ellas para el resto del proceso.

Paso 3: Bloqueo

Una vez que estamos satisfechos con nuestras posturas clave, empezamos a desglosar el movimiento de cada postura a la siguiente añadiendo "posturas intermedias " (también conocidas como posturas de ruptura o posturas de paso). Son las posturas que conectan las posturas clave.

Seguimos añadiendo más poses hasta que el movimiento se vea lo mejor posible, sin dejar de estar en modo escal onado (el modo escalonado es cuando no se permite la interpolación entre poses, lo que resulta en un movimiento muy entrecortado/bloqueado).

Paso 4: Estrías

Splining es un término de animación 3D. Es el proceso en el que se convierte la interpolación de las claves de escalonado a spline.

En otras palabras, haces que el ordenador conecte el movimiento entre cada una de tus poses, y eso hace que el movimiento parezca más suave.

El problema es que la computadora no hace un buen trabajo de interpolación. Sólo funciona con lo que tiene. Por eso, cuanto mejor sea el bloqueo, mejor se verá la versión estriada.

Paso 5: Refinado y compensación

Ahora que todas nuestras claves están en modo spline, tenemos que trabajar en ellas. Hemos refinado las curvas de animación y nos aseguramos de que el movimiento se vea suave.

También es una buena idea compensar algunas de las acciones para que no parezca tan "parada y arranque", como si el personaje estuviera haciendo todo el movimiento a la vez.

Al final de este paso tu toma debería parecer bastante sólida y casi terminada.

Paso 6: Añadir vida

Este paso es muy divertido.

Ya hemos terminado con el trabajo de animación, y es hora de añadir pequeñas imperfecciones que den vida al personaje.

Tal vez un parpadeo adicional o un movimiento de la boca aquí y allá. La diferencia entre los dos últimos pasos es pequeña, pero podría marcar la diferencia entre una buena animación y una gran animación.

Software de animación

Después de "Por dónde empiezo", el tema que más me preguntan es probablemente el software. Todo el mundo quiere saber sobre las herramientas.

¿Es Maya? ¿Después de los efectos? ¿Flash?

A continuación, desglosamos nuestras opciones a la hora de elegir un software de animación en función del tipo de animación:


Software de animación 3D

Esta es una guía para principiantes, por lo que el software 3D puede ser avanzado para algunos de ustedes, pero creo que es importante estar familiarizado con lo que hay ahí fuera para que sepas lo que utiliza la industria y lo que deberías considerar si planeas hacer de esto tu carrera.

Dicho todo esto, Blender es un programa gratuito, así que eres bienvenido a entrar y jugar con él (con la ayuda de nuestro curso de Blender), y Maya ofrece una licencia educativa gratuita, así que si estás aprendiendo podrás empezar sin invertir dinero todavía.

Autodesk Maya

El estándar de la industria de la animación por computadora. Si quieres hacer animación profesionalmente, este es el programa en el que debes centrarte. Software de animación 3D, modelado, simulación y renderizado con un conjunto de herramientas integradas y poderosas. Úsalo para animación, ambientes, gráficos en movimiento, realidad virtual y creación de personajes.

Precio: 195 $/mes | Gratis para estudiantes

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Blender

Un programa gratuito, de código abierto, en 3D, Blender proporciona un amplio espectro de modelado, textura, iluminación, animación y post-procesamiento de video en un solo paquete. A través de su arquitectura abierta, Blender proporciona interoperabilidad entre plataformas, extensibilidad, una huella increíblemente pequeña, y un flujo de trabajo estrechamente integrado.

Precio: Gratis

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Cine 4D

Cinema 4D es el mejor amigo del artista de gráficos en movimiento. Es un programa 3D para el usuario de After Effects. Es muy intuitivo y funciona directamente con After Effects sin necesidad de renderizar primero. Esto no sería mi primera opción para la producción de películas en 3D en serio, ya que está diseñado desde el principio con gráficos en movimiento en mente, pero es un programa increíblemente versátil.

Precio: 59,99 $/mes

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Software de animación 2D

La animación 2D es un buen punto de partida para empezar a animar. La mayoría de los programas que aparecen a continuación son baratos y relativamente fáciles de aprender.

Animate CC y After Effects son excelentes opciones para jugar con la animación en 2D tanto en forma de dibujo a mano como creando marionetas, mientras que Character Animator no requiere ningún tipo de dibujo y utiliza tu cara como conductor de la animación. Y si quieres ser profesional, Toon Boom Harmony y TVPaint serán tus mejores opciones.

Animate CC (Anteriormente Flash)

Probablemente el software de animación 2D más popular que existe. Animate tiene una larga trayectoria en la creación de animaciones, que se remonta a los primeros días de la publicación de vídeos en Internet. Su interfaz intuitiva y su precio relativamente bajo lo convierten en una gran opción para iniciarse en la animación 2D.

Leer: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)

Precio: 20,99 $/mes

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Toon Boom Harmony

Harmony es un software 2D más avanzado, ideal tanto para la animación fotograma a fotograma como para la animación basada en el rigging. Cuenta con sistemas avanzados de rigging, efectos y herramientas de cámara. Está basado en vectores, pero la versión más avanzada también tiene la opción de dibujar en mapa de bits.

Leer: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)

Precio: 24 $/mes

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TVPaint

TVPaint, un software de animación francés, es el software de animación 2D todo en uno que necesitarás. Es definitivamente más robusto y complejo que Photoshop, pero también es mucho más caro. Este software es para animadores y estudios profesionales.

Precio: 500 euros (250 euros para estudiantes)

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Animador de personajes

Un programa de animación más reciente con un giro interesante. En lugar de animar de la manera tradicional, Character Animator utiliza tu cámara web y tu micrófono para animar automáticamente un personaje pre-construido en tiempo real, casi como la captura de movimiento. Esta es una gran opción para los principiantes, ya que requiere la menor cantidad de experiencia en animación.

Precio: 20,99 $/mes

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After Effects

Una opción interesante para la animación en 2D. After effects te da un gran control a la hora de crear rigs para 2D utilizando la herramienta de marionetas y diferentes expresiones. Es una buena opción si ya te sientes cómodo con el entorno de Adobe.

Precio: 20,99 $/mes

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Software Stop-Motion

El stop-motion es la forma en que muchos jóvenes aspirantes a animadores obtienen su primera experiencia de animación, utilizando figuras de acción, legos o incluso arcilla.

Aquí tenemos dos opciones muy diferentes. Una de ellas está dirigida a los principiantes que prueban la animación por primera vez, y la otra es un software de animación de nivel profesional destinado a llevar su trabajo al siguiente nivel.

Dragonframe

Dragonframe es el estándar de la industria para la animación stop-motion, y se utilizó en películas como Kubo y las dos cuerdas y La oveja Shaun.

Si estás pensando en hacer un vídeo profesional en stop motion, Dragonframe es la mejor herramienta para el trabajo. Su completo software se puede utilizar con muchos accesorios diferentes, como un dispositivo que controla la cámara, las luces e incluso el enfoque de tiro.

Precio: 295 dólares

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Stop Motion Studio

Stop Motion Studio es una aplicación básica de stop-motion para todos los dispositivos y plataformas que se conectan a cualquier cámara digital, teléfono o tableta para crear estupendos vídeos de stop-motion con sencillez y facilidad. Es una gran elección si estás empezando.

Precio: $4.99 (iOs/Android) | $9.99 (Mac/Windows)

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Hardware de animación

El hardware es cada vez más barato, y el software es cada vez más eficiente. Puedes ejecutar la mayoría de los programas de animación en la mayoría de las computadoras modernas, y las tabletas de dibujo se están volviendo muy asequibles.

He aquí una breve lista de lo que recomendamos a los animadores de todos los niveles:

Uno de Wacom

La elección perfecta para los principiantes.

Esta tableta Wacom de nivel inicial es la forma más barata de iniciarse en el uso de una tableta. Te permite hacer animación dibujada a mano con un presupuesto reducido, y también beneficiará a los animadores 3D, ya que la tableta suele ser más fácil de usar que un ratón en un programa 3D.

Precio: $59-$69


Wacom Intuos Pro

Llevarla al siguiente nivel.

Si necesitas más espacio para dibujar, o si vas a utilizar una tableta para la animación 3D, ésta es la mejor opción para el trabajo. Verás estas tabletas en la mayoría de los estudios de producción, y es una opción popular para los estudiantes de animación que quieren hacer un buen trabajo, pero no pueden permitirse las tabletas Cintiq de gama alta. Está disponible en tres tamaños, siendo el mediano el más popular.

Precio: $230-$479


Wacom Cintiq Pro

Se hace profesional.

Para la producción de animación de alto nivel, la Wacom Cintiq es la mejor opción. Se trata básicamente de un monitor gigante (13", 16", 24" o 32") sobre el que puedes dibujar directamente. Hace que el dibujo preciso sea mucho más fácil y sensible que una tableta normal, pero tiene un coste mucho mayor.

Precio: $649-$3299


Computadora

Lo bueno de utilizar programas 2D como Animate CC o incluso Toon Boom, es que la mayoría de los ordenadores modernos son capaces de ejecutarlos sin problemas.

Cuando te adentras en el 3D, las cosas pueden complicarse, pero no tienen por qué hacerlo. Si vas a renderizar mundos enormes con complicadas configuraciones de iluminación, necesitarás un ordenador potente con una tarjeta gráfica cara, pero hay otras opciones:

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Libros de animación

Se podrían esgrimir diferentes argumentos sobre cuál es el mejor libro para aprender animación, pero aquí hay algunos que te ayudarán a aprender y perfeccionar tus habilidades, independientemente del tipo de animador que quieras ser.

El kit de supervivencia del animador / Richard Williams

Este libro es la biblia del animador. Abarca a fondo los fundamentos del espaciado, el tiempo, los paseos, las carreras, el peso, la anticipación, la acción superpuesta, las tomas, el escalonamiento, el diálogo, la animación de animales y mucho más. Por algo se llama "Kit de supervivencia".

Este libro le enseñará TODO LO QUE NECESITA SABER para comenzar su formación como animador.


Animación de dibujos animados / Preston Blair

Publicado originalmente en 1994, Cartoon Animation (también conocido como "El libro de Preston Blair"), ha sido una increíble fuente de referencia para crear animación de estilo cartoon.

Con este libro aprenderás a desarrollar un personaje de dibujos animados, a crear movimientos dinámicos y a animar el diálogo con la acción.


La ilusión de la vida / Frank Thomas y Ollie Johnston

Este libro comenzó como una guía de animación y se convirtió en un estudio detallado de la progresión de la animación, tanto dentro de los estudios Disney como en el mundo de la animación en general.

Escrito por dos de los nueve ancianos que definió el estilo de animación de Disney, este libro lleva al lector a través de todos los pasos de descubrimiento e investigación de la los mejores métodos de animación.


Preparar las tomas / Jeremy Vineyard

Un gran libro para obtener una comprensión básica de la composición de la toma y el movimiento de la cámara para una mejor narración y realización de la película.

Este libro es genial para los cineastas novatos y para los experimentados que buscan referencias de grandes tomas.

Cursos de animación

Bloop Animation es, ante todo, una plataforma de aprendizaje de animación con cursos de vídeo premium. Algunos se centran en el software (como Maya o Animate CC) mientras que otros te enseñan habilidades específicas (como fundamentos de animación o storyboard).

Los cursos en línea se han vuelto increíblemente populares en los últimos años, y son ahora muy producidos, y una alternativa muy eficaz a las escuelas tradicionales.

¿Por qué?

Es más barato. Mucho más barato.

Las escuelas de arte son increíblemente caras. Gastar entre 20 y 40 mil dólares al año (lo más probable es que te endeudes) es una decisión enorme, y cada vez tiene menos valor.

Loscursos en línea, incluso los más caros, sólo te costarán unos cientos de dólares (quizá unos miles si haces un programa de certificación en línea que dura varios meses). Eso no es ni de lejos lo que cuesta una universidad de arte tradicional. Esto hace que sea mucho más accesible para una amplia gama de artistas que en el pasado habrían tenido que renunciar a sus sueños o pedir un montón de dinero prestado.

Es una gran prueba de manejo

¿Quizás la animación no es para ti? ¿No sería genial averiguarlo antes de gastar decenas de miles de dólares + preciosos años de tu vida?

Hacer un curso de animación online es una forma barata y eficaz de comprobar si estás preparado para la tarea. Ver si te gusta. Siempre puedes decidir seguir una carrera después, pero esta es una buena manera de investigar y asegurarte de que seguir este camino es lo mejor para ti.

No necesitas un título de todos modos.

Una de las ventajas de trabajar en una industria creativa como la de la animación es que tu trabajo habla más fuerte que cualquier credencial en tu currículum. Si tu demo reel es bueno, te contratarán. A nadie le importará a qué escuela no fuiste.

Puedes tomarlas mientras trabajas

Lo mejor de los cursos online es que puedes hacerlos en tu tiempo libre.

Si estás en transición de una profesión diferente y trabajas a tiempo completo, puedes tomar estos cursos los fines de semana, por las noches y en los descansos para el almuerzo.

Puedes personalizar tu propio camino de aprendizaje

Una de las cosas impresionantes de la educación en línea es que puedes combinar fuentes de diferentes lugares.

En una escuela tradicional tienes que seguir el programa (normalmente de 3 a 4 años) y a menudo tomas un montón de cursos que no te interesan o que no contribuyen realmente a tu camino de crecimiento personal. Con los cursos online, puedes construir tu propio camino de aprendizaje.

Sí, nuestros cursos incluyen una ruta construida para que la sigas, pero sólo está hecha de cosas que NECESITAS saber para animar, y nada más. Además, siempre puedes saltarte una lección si la encuentras irrelevante.

Es una gran manera de maximizar tu educación

Los cursos en línea pueden beneficiarte mientras eres un estudiante de un programa tradicional.

Cuando iba a la escuela de arte, buscaba constantemente tutoriales en línea (los cursos en línea no eran tan populares en ese entonces, pero todavía había algunos) y miraba todo lo que podía conseguir.

Hacer eso mientras estaba en la escuela realmente impulsó mis habilidades y me motivó a trabajar más duro y mejorar. La escuela solo puede llevarte hasta cierto punto, y te guiará en la dirección correcta, pero depende de ti asegurarte de que te esfuerzas por dominar tu oficio.

Aquí está la lista completa de nuestros cursos en vídeo:

Cursos en video


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Entrar a la industria de la animación

Entonces, ¿cómo dar el siguiente paso? ¿Y si quieres hacer de la animación tu carrera?

¿Cómo se consigue entrar en el mercado?

Los animadores generalmente necesitan 3 cosas para conseguir un trabajo en la industria:

  1. Un currículum.
  2. Un sólido rollo de demostración.
  3. A sitio web de la cartera con su propio dominio. Nada de esa mierda de juan.wordpress.com. Echa un vistazo a estas magníficas plantillas de Wordpress para hacerte la vida más fácil.

Para muchas profesiones, tener un buen currículum o una carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y la gente de efectos visuales, todo gira en torno a la bobina de demostración.

A lo largo de los años he hecho muchas bobinas de demostración para mí y he visto docenas de bobinas de otras personas. Antes de que empieces a enviar tu carrete a un montón de estudios, te ruego que leas nuestra guía de carretes de demostración. He recopilado un montón de información sobre cómo crear una demo de animación efectiva que te haga ser contratado. No te la saltes.

Así que tengo un carrete de demostración. ¿Y ahora qué?

Como no te conozco personalmente, te daré el mejor consejo que creo que beneficiaría a la mayoría de la gente: La mejor manera de hacerse notar es crear cosas.

Tener una licenciatura en animación o un diploma de una escuela en línea será sin duda una ayuda, pero no garantizará un trabajo después de la graduación.

¿Sabes lo que hice el día después de la graduación?

Continué animando para mi carrete. Y eso es lo que hice todos los días hasta que conseguí mi primer trabajo como freelance. Y luego, después del trabajo, seguí trabajando en más tomas para estar listo para cuando terminara el proyecto freelance.

Tienes que seguir intentando. Siempre.

Siempre hay tiempo suficiente para trabajar en tu reel, especialmente en el primer año de tu carrera de animación. Cuando añadas cosas a tu carrete, asegúrate de seguir nuestras Directrices para carretes de demostración para no perder el tiempo.

Si tú... sigues creando cosas y poniéndolos ahí fuera, mientras que constantemente se aplican a los estudios, con el tiempo te harás notar, y serás contratado.


Trayectoria profesional de los animadores

Cine / TV

La carrera profesional más obvia (aunque no la más fácil) es trabajar en películas y programas de televisión (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network etc.)

Aunque la percepción más común de lo que hace un "animador" es animar personajes como Wall-E o el perro en Up, mucho del trabajo de animación en esta industria ocurre en VFX y la animación mecánica en las películas de acción real también. Casi todas las películas de acción real que se ven utilizan animadores hasta cierto punto.

La mayor parte del trabajo en el cine y la televisión se realiza en California, y entrar en los grandes estudios puede llevar años de solicitud antes de entrar en la puerta.

Comerciales

Trabajar en comerciales requiere un conjunto de habilidades diferentes a las del cine y la televisión. Aunque todavía puedas estar animando personajes, la línea de tiempo de la producción es mucho más rápida, y se espera que hagas más tareas diferentes en lugar de especializarte.

Además, =el trabajo comercial a menudo será de gráficos de movimiento en lugar de animación de personajes. Eso significa que conocer After Effects y/o Cinema4D es más relevante si ese es tu camino.

Puede que la animación en los anuncios no sea la razón por la cuál comenzaste a animar, pero aún así puede ser muy divertido, y hay mucho más trabajo por hacer, y las localizaciones son casi un asunto sin importancia, ya que la mayoría de las grandes ciudades tienen compañías de producción que producen trabajos comerciales hasta cierto punto.

Previsualización (Previz)

Un campo menos conocido para los animadores es el trabajo previo. Los animadores de vistas previas crean una pre-visualización de la pieza (comercial, película, etc...) animando figuras temporales en un ambiente simulado para permitir al director tener una idea de sus tomas y composición.

Te sorprenderá la cantidad de estudios y casas de producción que utilizan la vista previa, y algunas empresas se dedican a crear solo vistas previas para diferentes producciones.

Con el crecimiento masivo del uso de vista previa tanto en publicidad, televisión y cine, los animadores de vista previa pueden conseguir trabajo en una multitud de campos y lugares, aunque como aspirante a animador puede que no consigas hacer tu mejor trabajo (ya que la animación tiene que hacerse rápidamente y la calidad no es un factor importante) y tu trabajo no será visto realmente por una audiencia.

Videojuegos

La industria de los videojuegos es masiva y hay mucho trabajo para los animadores en ella. El trabajo en sí mismo varía enormemente desde la captura de movimiento a la animación completa de personajes, hasta la creación de ciclos de animación que se repiten a lo largo del juego.

Si has jugado un juego de Blizzard, o visto algunas de las piezas cinematográficas de los juegos de Final Fantasy, sabes que los videojuegos produjeron algunas de las más grandes piezas de animación, e impulsaron la tecnología tanto como las películas. Trabajar en esta industria puede ser muy divertido, y emplea animadores tanto en 3D como en 2D y ofrece una gran variedad de trabajo.

Gráficos de movimiento

He mencionado los gráficos en movimiento cuando escribí sobre el trabajo en los anuncios, pero los artistas de gráficos en movimiento trabajan en una variedad mucho más amplia de proyectos. Desde videos explicativos a proyecciones de eventos y demostraciones de software de interfaz de usuario.

La vida de los motion graphics es a menudo la vida o un freelance, saltando de un proyecto a otro, usando sobre todo After Effects (a veces en combinación con Cinema4D)

Independiente

Un nuevo tipo de animador en alza es el animador independiente. En su mayoría utilizan YouTube como plataforma principal y se ganan la vida con anuncios, patrocinios y productos, y cada vez aparecen más animadores de este tipo.

Otros cineastas de animación pueden utilizar la financiación colectiva para financiar sus películas, o conseguir que los estudios financien sus películas con un presupuesto independiente.

Director

A diferencia de la mayoría de los trabajos, no hay un camino claro para convertirse en director.

Ir a la escuela de cine no garantiza un trabajo de dirección después, y rara vez hay una vacante de "Director" en Internet. Algunos lo consiguen a los 21 años, y otros se pasan toda la vida intentándolo y nunca lo consiguen.

Lo mismo ocurre con los directores de animación. Algunos empiezan como animadores, otros como artistas de la historia (storyboarding) y otros pasan de la acción real, sin haber animado ni un solo día en su vida.

¿Cómo se convierte uno en director de animación?

Directores de animación como Andrew Stanton, Richard Williams y John Lasseter fueron animadores antes de convertirse en directores, y es probablemente la forma más común de hacerlo, ya que los animadores están muy involucrados en el aspecto narrativo de la película.

Así que el camino sería:

  1. Ser contratado en un gran estudio como Disney.
  2. Subiendo de rango hasta que te conviertas en director.

Pero, por supuesto, no es tan simple.

Primero, trabajarás como animador junior durante muchos años, y probablemente te llevará casi una década llegar a un lugar en el que alguien incluso consideraría convertirte en director e incluso entonces, las posibilidades son casi nulas.

Para mí, el camino de trabajar como uno de los cientos de otros animadores durante 10 años, solo por la posibilidad de tal vez ser notado, no parece un camino muy seguro.

Lo que hice en su lugar, fue crear un pequeño cubo y una pequeña bola, e hice mi propia película. Y luego hice otra. Y probablemente seguiré.

Así que, ¿adivina qué? Me convertí en director. Nadie me dio oficialmente la licencia de director, sólo hice películas. Y eso es lo únicoe trata de la única cosa segura que puedo decirte sobre cómo convertirte en director: empieza a hacer películas.

Bien, entonces necesito hacer mis propias películas, ¿ahora qué?

Si vas a elegir el camino del director para hacer tus propias películas, te sugiero que empieces con cortometrajes. Hacer un largometraje es un objetivo que puede llevar mucho tiempo alcanzar, y no es una meta realista para la animación si estás empezando.

En cuanto a lo que deben ser tus películas, sugiero que te mantengas en personajes/entornos súper sencillos, y que te centres en una buena historia.

Cuando empecé a trabajar en Lift Up, la propia historia surgió de mis limitaciones por no tener buenas habilidades de modelado. Por eso la película trata de un cubo y una pelota. Si quieres saber más en detalle, lee nuestra guía completa para hacer un corto de animación. Es gratis.

Concéntrate en las habilidades para contar historias

Las habilidades de ser un buen director son sobre todo ser un buen narrador, así como entender el ritmo, la composición y la actuación. Todas estas son habilidades que un buen animador también debería tener, así que si vienes de la animación podría ser más fácil para ti.

Concéntrate en mostrar estas habilidades en tu corto, mostrando composiciones y cinematografía interesantes. Esto es lo que la gente busca en un director. No renders elegantes o modelos complejos, sino una buena narración.

Recuerda, nadie puede hacerte director. Tiene que venir de ti.


Herramientas y recursos

Empezando con la animación

Cómo hacer una película de animación

  • La realización de Tasteful: Todos los pasos de la realización de la película, de principio a fin, explicados de la forma más sencilla posible,
  • El rodaje de LIFT UP: Todos los vídeos que documentan la realización de LIFT UP en un solo lugar.

Construir tu cartera

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Inspiración

Nuestros cortometrajes



¿Qué sigue?

Ahora que has terminado de leer esta (muy) larga guía, depende de ti.

No hay más excusas. Ve a hacer algo impresionante. Ya sabes por dónde empezar.

- Morr Meroz