Animation pour débutants
Où dois-je commencer?
L'une des questions les plus fréquentes qu'on me pose (presque quotidiennement) est :
« Je veux me lancer dans l'animation. Par où commencer ? »
Dans ce guide exhaustif, j'essaie de couvrir (presque) tout ce que vous pourriez avoir besoin de savoir sur l'animation si vous êtes J'essaie d'intégrer l'industrie de l'animation.
Je vais aborder certains concepts de base de l'animation : vocabulaire, principes, logiciels, matériel, livres, cours, ainsi que certaines options pour les personnes qui souhaitent intégrer l'industrie de l'animation, mais qui se sentent dépassées ou intimidées.
Je vais vous expliquer ce qu'est l'animation, ce qu'il faut pour réaliser des films d'animation (2D ou 3D), et même comment commencer à chercher un emploi dans ce secteur.
Facile à apprendre, difficile à maîtriser
Il est plus facile que jamais de se lancer dans l'animation aujourd'hui.
Les logiciels deviennent moins chers (voire gratuits), et la plupart des ordinateurs modernes peuvent gérer les tâches d'animation les plus simples (principalement en 2D).
Le hic, c'est que Bien que n'importe qui puisse commencer à animer dès maintenant, l'art de l'animation demande encore du temps pour être maîtrisé.
La bonne nouvelle, c'est que...
Pas besoin d'être un animateur du calibre de Disney pour créer des animations vraiment géniales.
Vous pouvez commencer petit et simple et développez progressivement vos compétences et votre style unique. Vous n'avez même pas besoin de savoir bien dessiner.
Et aussi...
Nous avons construit un cours complet Ce document est consacré à la compréhension des principes fondamentaux de l'animation, afin que vous puissiez maîtriser les bases avant de vous lancer. Il se trouve juste en dessous.
Cours de base en animation
Apprenez les principes fondamentaux de l'animation de personnages, y compris un aperçu des différentes techniques. types d'animation, basique ainsi que, 12 principes de l'animationSi vous débutez et souhaitez vous assurer de maîtriser les bases, ce cours est le point de départ idéal.
Qu'est-ce que l'animation ?
L'animation est l'art de donner la vie à des objets autrement inanimés, ou à des personnages illustrés / générés en 3D.
Elle est créée en projetant rapidement des images séquentielles, l'une après l'autre, pour créer l'illusion de la vie.
Mais ce n'est pas vraiment la première chose à laquelle on pense quand on entend ce mot. AnimationN'est-ce pas ?
Ce ne sont que des détails techniques...
Vous pensez probablement à Disney, Pixar, GhibliNous y arriverons...
L'élément le plus important dans tout cela, c'est le mot. lifeDonner vie, voilà la véritable essence du métier d'animateur. Et il existe de nombreuses façons d'y parvenir.
Cela pourrait être par dessin.
Cela pourrait se faire en déménageant squelettes de personnages sur un logiciel 3D.
Cela pourrait être avec marionnettes, découpe personnages, ou figurines Lego.
Alors, qu'est-ce qu'être animateur ? signifier?
Avant de commencer, vous pouvez regarder cette vidéo où j'explique les différences entre l'animation 2D et 3D. Cela vous donnera une idée de… ce que fait réellement un animateur.
Cela pourrait également vous donner une indication sur la direction que vous pourriez souhaiter suivre.
Vocabulaire de l'animation
Maintenant que nous avons abordé l'idée de base de ce qu'est l'animation, il est important de comprendre… vocabulaire et termes spécialisés utilisés dans l'animation et la réalisation de films .
Ces termes reviendront souvent, alors prenons quelques minutes pour les passer en revue :
Forum
La chronologie est la partie du logiciel d'animation qui représente la évolution de l'animation au fil du temps.
Selon le logiciel, nous pourrions utiliser la chronologie pour apporter des modifications à la timing de l'animation, ainsi que de position des éléments.
Fréquence d'images
La fréquence d'images d'une animation correspond au nombre d'images individuelles (ou images) affichées en l'espace d'une seconde. Il s'agit d'un paramètre que vous pouvez ajuster dans le logiciel d'animation.
L'animation est généralement réalisée en 24 images par seconde (FPS).
Je travaille sur les unités et les paires.
« Travailler sur des unités ou des paires » est une expression utilisée dans l'animation dessinée à la main.
Travailler sur son Cela impliquerait de réaliser un nouveau dessin pour chaque image de l'animation.
Travailler par deux Cela signifie conserver chaque dessin pendant deux images, donc une seconde d'animation à 24 images par seconde ne correspondrait qu'à 12 dessins, et non à 24.
En animation 2D, travailler à l'aide d'un curseur à la fois est généralement acceptable, et il arrive même que les dessins puissent être maintenus plus longtemps. En 3D, en revanche, travailler à l'aide d'un curseur à la fois est la norme.
Plans et scènes
Normalement, dans le cinéma en prises de vues réelles, le terme «coup« » fait référence aux images entre les modifications de la caméra, tandis que a scène Il s'agit de l'ensemble des plans et des dialogues qui se déroulent à un endroit précis pendant une période continue.
En animation, cependant, on utilise souvent les termes « scène » et « plan » de manière interchangeable. Lorsqu'on parle d'une scène/d'un plan, on fait souvent référence à une séquence d'animation continue spécifique entre les plans de caméra.
Images clés | Décompositions | Intervalles
Les images clés, les décompositions et les images intermédiaires sont des termes importants, mais ils ont des significations légèrement différentes.Cela dépend du type d'animation.
En animation dessinée à la main, images clés (ou simplement les clés) sont les poses principales qui définissent la scène. Pannes intervenir entre les touches et définir le mouvement d'une touche à l'autre. Entre-deux Ce sont toutes les images intermédiaires qui permettent de fluidifier le mouvement.
En 3D, un image clé Il s'agit de toute position sur la chronologie où l'animateur a défini la position du personnage. Entre-deux Ce sont toutes les images que l'ordinateur interprète ou génère automatiquement pour déplacer le caractère d'une touche à l'autre.
keyframes
Pannes
Entre-deux
Images tirées de Le kit de survie de l'animateur Richard Williams
Rythme | Espacement | Adoucissement
Le timing, l'espacement et l'interpolation sont des termes étroitement liés.
Timing désigne le nombre total d'images qui seront utilisées pour un mouvement. espacement Il s'agit de l'intervalle entre chaque image. Diminuer cet intervalle donne l'impression que l'objet se déplace plus lentement, tandis que l'augmenter donne l'impression qu'il se déplace plus vite.
En animation numérique, assouplissement C'est ainsi que l'espacement est contrôlé, généralement par le biais d'un graphique de mouvement sur la chronologie.
Pelure d'oignon
En animation, il est très utile de pouvoir visualiser plusieurs images simultanément.
Dans l'animation sur papier, cela se fait en ayant plusieurs dessins sur une même page. table lumineuseMais dans les logiciels d'animation modernes, il existe souvent une fonction appelée « pelure d'oignon ». Elle permet de visualiser des représentations semi-transparentes des images précédentes ou suivantes par rapport à l'image en cours d'exécution.
Composition
Le compositing est le processus qui consiste à assembler tous les éléments individuels d'une scène pour créer l'ensemble. rendu visuel final.
Vous pouvez avoir un arrière-plan, plusieurs personnages et des décors, tous développés séparément. Le compositing consiste à assembler tous ces éléments en une seule scène.
Les 12 principes de l'animation
Le fondement de toute formation en animation est le 12 principes de l'animation.
Les 12 principes constituaient un ensemble de concepts fondamentaux développés dans les années 1930 par des animateurs de Walt Disney Studios alors qu'ils passaient des courts métrages aux longs métrages. Ce fut un processus graduel de découverte et de perfectionnement, les animateurs s'efforçant de élever leur travail à un niveau supérieur.
Ces 12 principes ont été compilés pour la première fois par les animateurs légendaires Frank Thomas et Ollie Johnston en 1981 dans leur livre L'illusion de la vie.
Créer l'illusion de la vie, voilà l'essence même de ces principes. Ils nous aident à créer des personnages qui semblent avoir du poids, une personnalité, et qui évoluent dans un monde réel régi par les lois de la physique.
Bien qu'elles aient été développées par des animateurs 2D, elles s'appliquent toujours à la 3D et à tout autre type d'animation.
1. Écraser et étirer
L'écrasement et l'étirement décrivent comment un objet change de forme en réponse aux forces qui s'exercent sur lui.
Squash C'est lorsque l'objet est comprimé par l'impact d'une force opposée. Stretch C'est lorsqu'un objet est distendu par une force qui le tire, ou par un mouvement rapide.
2. Anticipation
L'anticipation est un mouvement mineur qui précède un mouvement majeur et signale que ce dernier est sur le point de se produire.
3. Mise en scène
La mise en scène est la présentation d'un plan de manière à mettre en valeur son contenu. clair autant que possible, et la fonction narrative du plan comme STRONG que possible.
4. En ligne droite vs. Position par position
L'animation directe et l'animation image par image sont deux approches différentes de l'animation.
Tout droit signifie créer chaque nouvelle image en séquence, du début à la fin. Pose à pose Cela consiste à créer d'abord les poses clés pour chaque action, puis à compléter les poses intermédiaires.
5. Suivi et actions superposées
Le terme « action en continuité » et « action superposée » désigne la tendance des différentes parties d'un corps à se déplacer à des vitesses différentes.
Cela inclut le concept de glisser, ce qui se produit lorsqu'une partie du corps est en retard au démarrage d'un mouvement.
6. Ralentissez à l'entrée et ralentissez à la sortie.
Les termes « lenteur d'entrée » et « lenteur de sortie » font référence à la tendance des objets à se dilater progressivement. accélérer (et alors ralentir) lors du passage d'une position à une autre.
On les appelle parfois début et se détendre, ou simplement assouplissement.
7. Arcs
Le principe des arcs provient de l'observation que les êtres vivants ne se déplacent pas en ligne droite, mais plutôt en arcs. mouvements courbes.
La création d'arcs gracieux et précis rehausse souvent l'animation et révèle le niveau d'expérience de l'animateur.
8. Action secondaire
L'action secondaire fait référence à mouvements plus petits (ou des gestes) qui soutenez les actions principales d'un personnage.
Ces actions rendent le plan plus net en mettant l'accent sur attitude or motivations derrière le mouvement.
9. Timing
Le timing contrôle le vitesse d'une action à travers le nombre d'images utilisées pour la représenter.
C'est l'un des les plus fondamentaux l'un des 12 principes et il faut des années pour le maîtriser.
10. Exagération
L'exagération consiste à présenter un sujet de manière exagérée. accrue ou plus extrême d'une manière différente du réalisme strict, afin de pousser votre animation plus loin.
11. Dessin solide
Un dessin solide consiste à positionner les personnages de manière à créer une impression de le volume, poids et équilibre.
Le dessin pour l'animation exige de pouvoir dessiner les personnages sous tous les angles et dans toutes les poses, en gardant à l'esprit la tridimensionnalité.
12. Appel
Le terme « attrait » désigne de manière générale toutes les qualités inhérentes à la conception d'un personnage qui le rendent intrinsèquement attachant. irrésistible regarder.
Cela inclut la conception du personnage, ainsi que la manière dont il est animé.
Pour un examen plus approfondi des 12 principes...
Nous vous suggérons de consulter notre Fondements de l'animation cours.
Il couvre les principes de base de l'animation de personnages et approfondit chacun des points suivants : 12 principes de l'animationainsi que les flux de travail et les techniques d'animation de base. Si vous débutez et souhaitez vous assurer de maîtriser les fondamentaux, ce cours est le point de départ idéal.
Types d'animations
Il existe de nombreux types d'animation, dont certains vous sont probablement déjà familiers. Passons donc rapidement en revue les différents types d'animation et leurs caractéristiques. différences et similitudes sont.
Animation 3D
Toy Story 4 | Studios d'animation Pixar
3D, également appelée CGI (images de synthèse) est le type d'animation le plus populaire pour longs métrages Actuellement, c'est devenu courant, aussi bien à la télévision que dans les courts métrages.
Il s'agit également du même type d'animation utilisé pour créer des personnages numériques pour action en direct films et animation pour jeux vidéo.
Un animateur utilise une marionnette numérique (appelée une marionnette numérique) rig de personnage) pour positionner le personnage, puis utiliser un système de trajectoires de mouvement (ou splines) pour définir le mouvement du personnage entre ces poses.
L'ordinateur procède ensuite à l'interpolation des images de l'animation entre les images clés. L'animateur affine ensuite ces images jusqu'à ce que l'animation lui convienne.
L'animation 3D est un processus techniquement complexe, qui implique souvent de nombreux spécialistes pour modéliser le personnage, le squeletter et le contrôler, l'animer, puis le texturer et l'éclairer pour le résultat final.
Animation 2D dessinée à la main
Le Livre de la Jungle | Production Walt Disney
Le premier type d'animation 2D pourrait être appelé animation traditionnelle ou animation sur celluloïd. Je préfère le terme « animation dessinée à la main » car il définit son aspect le plus important : le fait qu'elle soit dessinée à la main.
Il s'agit du type d'animation classique que vous connaissez probablement le mieux. Autrefois, les animateurs dessinaient les personnages image par image, puis ces dessins étaient transférés sur des feuilles d'acétate transparentes appelées celluloïds pour être peints. C'est de là que vient le terme animation cel vient de.
Dans les années 1990, presque tous les studios d'animation ont cessé d'utiliser les celluloïds et ont commencé à numériser les dessins sur ordinateur. colorisation numériqueet maintenant, de nombreux animateurs qui dessinent à la main abandonnent complètement le papier et dessinent directement sur ordinateur à l'aide d'un tablettes or Moniteurs Wacom Cintiq.
L'animation dessinée à la main peut donc être réalisée entièrement de manière analogique, entièrement numérique, ou un mélange des deux. L'important est que les animateurs qui dessinent à la main continuent de créer leurs animations. image par image en utilisant les mêmes techniques et principes qu'à l'époque du papier et des celluloïds.
Animation vectorielle 2D
Rick et Morty | Adult Swim
De nos jours, il existe de nouvelles façons de créer des animations 2D à l'aide d'un logiciel 2D. marionnette numériqueCe sont des personnages 2D construits avec un système d'os et de commandes qui peuvent être manipulés de manière similaire à un squelette de personnage 3D.
La différence entre les personnages 2D animés et les personnages dessinés à la main peut parfois être floue. Des programmes comme Harmonie du boom de Toon et Adobe Animate CC vous permet de mélanger et d'associer harmonieusement l'animation dessinée à la main avec des techniques de marionnettes 2D, parfois même au sein d'un même personnage.
Un personnage peut avoir une structure osseuse permettant à l'animateur de lui faire prendre des poses, mais aussi d'autres parties animées à la main.
Stop Motion Animation
Kubo et l'Armure magique | Laika
L'animation image par image comporte plusieurs variantes, mais elles impliquent toutes manipuler des objets du monde réelCes objets sont légèrement déplacés et photographiés image par image. Affichées en séquence, ces images créent… illusion de mouvement.
Dans les animations image par image haut de gamme, comme celles créées par Laika (Coraline, Kubu et l'Épée magique), une marionnette spécialement conçue est filmée sur un plateau miniature.
Réclamation Il s'agit d'une technique similaire. Elle utilise des personnages malléables, généralement fabriqués à partir d'une substance appelée plasticine, et non d'argile véritable.
Vous pouvez aussi réaliser de l'animation image par image avec des figurines et des objets ordinaires, comme tous ces superbes animations Lego vous pouvez le trouver sur YouTube.
Une autre variante de l'animation image par image est le papier découpe L'animation. Dans ce style, les personnages sont construits à partir de formes en papier. Elles peuvent être assemblées par des épingles aux articulations pour former une figurine articulée, ou bien des pièces peuvent être fixées de manière à pouvoir être interchangées. Elles sont ensuite déplacées et photographiées image par image, comme une marionnette en stop motion. Voilà comment parc du sud était à l'origine un dessin animé.
Un autre type rare d'animation image par image est appelé pixellisationDans la pixellisation, de vraies personnes sont utilisées à la place de marionnettes.
Tous ces types d'animation image par image partagent une caractéristique importante :
Elles doivent toutes être filmées de manière frontale, c'est-à-dire en commençant par la première image et en filmant chaque image l'une après l'autre, jusqu'à la fin de la scène.
Si une erreur se produit sur une image, il est très difficile de la corriger sans devoir tout recommencer. On ne peut pas simplement redessiner cette image comme en animation 2D. Cela rend ce type d'animation particulièrement intense et cela nécessite beaucoup de patience.
Animation graphique animée
Animation graphique
La dernière grande catégorie d'animation est celle des graphismes animés. Les graphismes animés se concentrent sur la création de Présentations dynamiques et intéressantes de logos textuels animés et d'illustrations simples.
Les animations graphiques peuvent être à la fois 2D et 3Det vous les trouverez partout : dans les publicités, les vidéos explicatives, les événements sportifs, les actualités et autres productions télévisées.
L'animation de personnages proprement dite ne relève généralement pas du domaine du motion design, mais bon nombre des principes fondamentaux de l'animation s'appliquent également au motion design.
Pour un examen plus approfondi du 5 types d'animation, Consultez notre guide complet sur les 5 types d'animation, y compris l'histoire détaillée de chaque type, et les meilleures écoles, logiciels et cours.
Le processus d'animation
Maintenant que nous comprenons les concepts de base de l'animation, passons en revue… Processus de création d'une animation.
Tout d'abord, je vais aborder les étapes de base de chaîne de production de films d'animation (tous les éléments nécessaires à la création d'un film d'animation), puis je détaillerai le processus de réalisation. animer un plan du début à la fin.
Quelles sont donc les étapes de la réalisation d'un film d'animation ?
1. Histoire
La première (et probablement la plus importante) étape de la réalisation d'un film est… belle histoire.
Si vous ne racontez pas correctement votre histoire dès le départ, alors Aussi beau soit votre film visuellement, les gens n'auront pas forcément plaisir à le regarder. L'histoire prime. Assurez-vous qu'elle soit bonne et qu'elle fonctionne avant de passer à la suite.
En animation, l'histoire évolue et change souvent au cours de la production, car on n'est pas limité aux plans tournés sur le plateau. Plus on investit de travail dans l'histoire, plus elle a de chances de s'améliorer. développer votre histoire, Plus vous réduire le temps perdu pendant la production.
2. Scénario
Une fois que l'idée de l'histoire est prête à exprimerL'étape suivante consiste à écrire le scénario.
Il est important de mettre l'idée par écrit dès que possible, afin que nous puissions repérer toute erreur. problèmes avec l'histoire avant de passer à la production.
3. Art conceptuel
Une fois le scénario prêt, des illustrations conceptuelles sont souvent créées pour établir le contexte. style visuel du film.
C'est une étape vraiment amusante, et c'est la première fois que nous voyons des éléments du film prendre vie sur papier. Tout est question de explorer et en essayant des choses.
4. Scénario
L'étape suivante consiste à créer un storyboard, ce qui est probablement l'une des étapes les plus importantes pour comprendre le film.
Le storyboard vous permet d'avoir une vision d'ensemble de votre film et de repérer les problèmes de scénario et de rythme. En créer un vous offre également un outil que vous pouvez montrer aux autres pour obtenir des retours. La plupart des gens réagissent mieux à un storyboard qu'à un scénario.
Une fois que nous sommes satisfaits des storyboards, nous passons à la création de l'animatique.
5. Animatique
Un animatique est un version du film de votre storyboard.
Si le storyboard est comme une bande dessinée, alors l'animatique est comme un film.
Nous importons tous les storyboards dans un logiciel de montage et les synchronisons correctement, ajoutons de la musique et des effets sonores temporaires (juste assez pour illustrer les différents moments clés de l'histoire), et une fois terminé, nous avons la première version de notre film prête à être visionnée.
Aussi utile qu'un storyboard puisse être, un animatique nous offre vraiment… un premier aperçu dans ce à quoi notre film va ressembler.
6. Création d'actifs
À ce stade, en fonction du support d'animation que vous aurez choisi, nous allons créer les différents éléments de notre film.
Pour l'animation 3D, nous créerons les modèles des personnages, des environnements, des décors et des accessoires. Nous utiliserons les illustrations conceptuelles et les feuilles de modèles comme référence. Ces modèles devront ensuite être articulés grâce à un squelette 3D doté de commandes, afin de pouvoir les animer dans notre scène.
Pour l'animation 2D, nous dessinerons le décor, finaliserons les fiches de conception des personnages et, si nécessaire, nous les animerons dans notre logiciel d'animation 2D.
Pour l'animation image par image, nous construirons nos décors, nos marionnettes, les accessoires et les différents vêtements nécessaires au film.
7. Prévision
Avant de nous lancer dans l'animation de nos scènes, il y a une autre étape importante pour garantir le bon fonctionnement de l'histoire : la création d'une prévisualisation.
Une prévisualisation est la version suivante de l'animatique, utilisant cette fois des modèles 3D.
Nous mettons en place nos plans dans le logiciel 3D, avec les angles de caméra et les mouvements définitifs, et créons une animation très basique pour les personnages, juste assez pour rendre compte de l'action qu'ils sont censés effectuer.
Nous importons ensuite toutes ces prises de vue dans le logiciel de montage, comme nous l'avions fait pour l'animatique, et nous obtenons ainsi une version de prévisualisation de notre film, avec les modèles 3D et les mouvements de caméra corrects.
L'animation étant un processus très long, c'est notre dernière chance d'apporter des modifications importantes à l'histoire de notre film. Ce serait un énorme gâchis de devoir la modifier après la phase d'animation.
8. Animations
Nous sommes enfin prêts pour l'animation !
C’est à ce moment précis que le film prend enfin vie. Les personnages commencent à bouger, et nous pouvons voir l’âme du film s’animer sous nos yeux.
C'est un spectacle magnifique, mais c'est aussi très long à réaliser. Mal exécutée, l'animation peut ruiner notre film. Une mauvaise animation, c'est comme un mauvais jeu d'acteur : même si le scénario et l'histoire sont excellents, le public ne s'en apercevra pas si l'interprétation est catastrophique.
Nous aborderons plus en détail les 6 étapes de l'animation plus loin dans cette section.
9. Texturage | Éclairage | Rendu
Cette étape concerne principalement l'animation 3D, bien que l'animation 2D passe par des étapes de post-production similaires, et que l'animation image par image consacre également beaucoup de temps au compositing et à l'ajout d'effets divers à ses plans.
En 3D, les modèles doivent être texturés, c'est-à-dire qu'il faut créer différents matériaux pour les différentes parties du modèle. Certains simulent le métal, d'autres le plastique, et même quelques-uns la peau et les cheveux.
Nous éclairons ensuite les prises de vue avec des lumières virtuelles, en reproduisant au plus près le fonctionnement de la lumière dans la réalité.
Une fois nos plans texturés et éclairés, nous lançons le processus de rendu, c'est-à-dire le calcul par l'ordinateur de toutes les données de nos scènes et la création d'images fixes à partir de celles-ci.
Nous importons ensuite ces images dans un logiciel de composition, comme Nuke ou After Effects, nous en extrayons les données nécessaires et nous les combinons pour créer nos images finales.
10 : Retouche | Correction des couleurs
Une fois nos images composées et prêtes, nous les réintégrons dans notre logiciel de montage et remplaçons nos plans de prévisualisation par nos nouveaux plans composés, tout comme nous avons remplacé les plans animatiques par les prévisualisations.
Nous pouvons maintenant visualiser notre film finalisé sur la timeline de montage pour la première fois, mais il n'est pas encore tout à fait terminé. Il nous reste à effectuer l'étalonnage et la correction des couleurs.
L'étalonnage des couleurs consiste à ajuster les couleurs de chaque plan pour qu'elles correspondent à celles du plan précédent ou suivant. Nous veillons également à ce qu'aucun plan ne présente de zones trop blanches ou trop noires, afin d'obtenir une colorimétrie homogène et correcte tout au long du film.
Ensuite, nous procédons à l'étalonnage du film, qui est la partie la plus amusante et créative, au cours de laquelle nous essayons de créer un style visuel pour l'ensemble du film et de lui donner un aspect distinctif.
11. Musique | Conception sonore
Idéalement, nous aurions travaillé avec un musicien dès le premier jour de la production, en veillant à ce que la musique corresponde à ce que nous voulions faire avec le film, et en nous assurant que le film fonctionne avec la musique.
La musique n'est généralement pas quelque chose que l'on ajoute simplement à la fin, et je préfère donc l'avoir avec moi tout au long de la production afin qu'elle devienne partie intégrante de l'histoire.
Le concepteur sonore finalise ensuite tous les effets sonores du film, tels que les bruitages, l'ambiance et les voix, ainsi que le mastering et le mixage de la bande son finale.
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Les 6 étapes de l'animation
Nous avons parlé du flux de travail du processus de production d'un film d'animation, passons maintenant aux étapes concrètes de l'animation des personnages.
Voici les 6 étapes de l'animation :
- Vidéo de référence pour le tournage
- Pose clé
- Blocage
- Cannelure
- Lissage
- Ajouter de la vie
Étape 1 : Vidéo de référence pour le tournage
C'est très important et négligé Étape par étape. C'est étrange comme les gens pensent vraiment savoir à quoi ressemblent certaines actions et combien de temps elles prennent, mais finissent par se tromper.
Les actions physiques sont quelque chose que vous besoin d'analyser avant de vous lancer dans l'animation, surtout si vous êtes débutant.
Vous avez une photo d'un homme lançant une balle de baseball ? Cherchez sur YouTube des vidéos de lanceurs en train de lancer des balles.
Ne présumez pas savoir à quoi ressemble une action simplement parce que vous l'avez déjà vue.
Considérer une action comme une animateur C'est complètement différent de le regarder en tant que spectateur.
Étape 2 : La pose
Après avoir pris une photo de référence, il est temps de créer le poses clés du tir.
Ces poses sont appelées poses clés car ce sont les plus importantes de la prise de vue. Ce sont elles qui racontent l'histoire de la photo. Nous devons nous assurer que… Réussissez ces poses, car nous allons nous appuyer sur ces éléments pour le reste du processus.
Étape 3 : Blocage
Une fois que nous sommes satisfaits de nos postures clés, nous commençons décomposition le passage de chaque pose à la suivante en ajoutant « entre-deux » (également connues sous le nom de poses de rupture ou poses de passage). Ce sont les postures qui relient les postures clés.
Nous continuons d'ajouter des poses jusqu'à ce que le mouvement soit le plus fluide possible, tout en restant dans les limites du mouvement. mode par paliers (Le mode par paliers est celui où l'interpolation entre les poses est désactivée, ce qui donne un mouvement très saccadé/par blocs).
Étape 4 : Arceaux
Le splining est un terme d'animation 3D. Il s'agit du processus de conversion de l'interpolation des clés à partir de a marché à spline.
En d'autres termes, vous faites en sorte que l'ordinateur relie les mouvements entre chacune de vos poses, et c'est ce qui crée le mouvement. paraître plus lisse.
Le problème, c'est que l'ordinateur n'est pas très performant en interpolation. Il travaille uniquement avec les données disponibles. C'est pourquoi plus le maillage est précis, meilleure sera la qualité de la version spline.
Étape 5 : Affinage et compensation
Maintenant que toutes nos clés sont en mode spline, il nous faut les peaufiner. Nous avons affiné les courbes d'animation et nous nous sommes assurés que le mouvement soit fluide.
C'est aussi une bonne idée de compenser certaines actions pour que ça ne paraisse pas si « stop et start », comme si le personnage effectuait tous les mouvements en même temps.
À la fin de cette étape, votre photo devrait être plutôt réussie et presque terminée.
Étape 6 : Ajouter de la vie
Cette étape est très amusante.
Nous avons déjà terminé le gros du travail d'animation, et il est temps d'ajouter petites imperfections qui donnent vie au personnage.
Peut-être un clignement d'œil supplémentaire ou un léger tressaillement des lèvres par-ci par-là. La différence entre les deux dernières étapes est minime, mais elle pourrait faire toute la différence. Bien animations et l' animation.
Logiciel d'animation
Après la question « Par où commencer ? », le sujet qui m'est le plus souvent posé est sans doute celui des logiciels. Tout le monde veut en savoir plus sur les outils.
Est-ce Maya ? After Effects ? Flash ?
Voici un aperçu de nos options lorsque choisir un logiciel d'animation en fonction du type d'animation :
Logiciel d'animation 3D
Ceci est un guide pour débutants, donc certains logiciels 3D seront peut-être trop avancés pour certains d'entre vous, mais je pense qu'il est important de se familiariser avec les outils existants pour savoir… ce que l'industrie utilise et ce que vous devriez envisager de faire si vous prévoyez d'en faire votre carrière.
Cela dit, Mixeur est un programme gratuit, alors n'hésitez pas à l'essayer et à vous amuser avec (avec l'aide de notre Cours de mélangeur), Et Maya Il propose une licence éducative gratuite, donc si vous êtes débutant, vous pourrez commencer sans investir d'argent pour le moment.
Autodesk Maya
La référence du secteur en animation 3D. Si vous souhaitez devenir animateur professionnel, c'est le logiciel qu'il vous faut. Logiciel d'animation, de modélisation, de simulation et de rendu 3D doté d'une suite d'outils intégrée et performante. Idéal pour l'animation, la création d'environnements, le motion design, la réalité virtuelle et la création de personnages.
Prix: 195 $/mois | Gratuit pour les étudiants
Mixeur
Blender est un logiciel 3D libre et gratuit offrant une gamme complète de fonctionnalités de modélisation, de texturage, d'éclairage, d'animation et de post-production vidéo. Grâce à son architecture ouverte, Blender garantit l'interopérabilité multiplateforme, l'extensibilité, une empreinte mémoire extrêmement réduite et un flux de travail parfaitement intégré.
Prix: Gratuit
Cinéma 4D
Cinema 4D est un le meilleur ami d'un artiste en motion designC'est un logiciel 3D pour les utilisateurs d'After Effects. Très intuitif, il fonctionne directement avec After Effects sans rendu préalable. Ce ne serait pas mon premier choix pour la production de films 3D professionnels, car il est conçu avant tout pour l'animation graphique, mais c'est un programme incroyablement polyvalent.
Prix: 59.99 $ / Mois
Logiciel d'animation 2D
L'animation 2D est un bon endroit pour commencer Votre parcours en animation. La plupart des logiciels ci-dessous sont peu coûteux et relativement faciles à apprendre.
Animer CC et After Effects sont d'excellents choix pour s'amuser avec l'animation 2D, que ce soit sous forme dessinée à la main ou en créant des marionnettes, tandis que Animateur de personnage ne nécessite aucun dessin et utilise votre visage comme élément moteur de l'animation. Et si vous souhaitez passer professionnel, Harmonie du boom de Toon et Peinture TV seront vos meilleures options.
Animate CC (anciennement Flash)
Probablement le logiciel d'animation 2D le plus populaire Animate est un logiciel de création d'animations de longue date, remontant aux débuts de la publication de vidéos sur Internet. Son interface intuitive et son prix abordable en font un excellent choix pour débuter en animation 2D.
Lire: Toon Boom Harmony contre Flash (Animate)
Prix: 20.99 $ / Mois
Harmonie du boom de Toon
Harmony est un logiciel 2D plus avancé, idéal pour l'animation image par image et l'animation par squelette. Il possède des fonctionnalités avancées. gréement Systèmes, les effets et appareil photo Il s'agit d'outils vectoriels, mais la version plus avancée offre également la possibilité de dessiner des images bitmap.
Lire: Toon Boom Harmony contre Flash (Animate)
Prix: 24 $ / Mois
Peinture TV
TVPaint est un logiciel d'animation français. Le logiciel d'animation 2D tout-en-un dont vous aurez besoin. Il est sans conteste plus performant et complexe que Photoshop, mais il est aussi beaucoup plus cher. Ce logiciel est destiné aux animateurs professionnels et aux studios.
Prix: 500 € (250 € pour les étudiants)
Animateur de personnage
Un nouveau logiciel d'animation avec une approche originale. Au lieu d'animer de manière traditionnelle, Character Animator utilise votre webcam et votre microphone pour… animation automatique un personnage pré-construit en temps réel, presque comme capture de mouvementC'est une excellente option pour les débutants car elle nécessite très peu d'expérience en animation.
Prix: 20.99 $ / Mois
After Effects
Un choix intéressant pour l'animation 2D. After Effects offre un contrôle exceptionnel. création de rigs pour la 2D en utilisant l'outil marionnette et différentes expressions. C'est un bon choix si vous êtes déjà à l'aise avec l'environnement Adobe.
Prix: 20.99 $ / Mois
Logiciel d'animation image par image
L'animation image par image est le moyen par lequel de nombreux jeunes animateurs en herbe font leurs premiers pas. première expérience d'animation, en utilisant des figurines, des Legos, ou même de l'argile.
Nous avons listé ici deux options très différentes. L'une vise à débutants qui s'essaient à l'animation pour la première fois, et l'autre est un de qualité professionnelle Logiciel d'animation conçu pour faire passer votre travail au niveau supérieur.
Cadre de dragon
Dragonframe est la norme industrielle pour l'animation image par image et a été utilisé sur des films tels que Kubo et les deux chaînes et Shaun le mouton.
Si vous envisagez de réaliser une vidéo professionnelle en stop motion, Dragonframe est le logiciel qu'il vous faut. L'outil idéal pour cette tâche. Son logiciel complet peut être utilisé avec de nombreux accessoires différents, tels qu'un dispositif permettant de contrôler la caméra, les lumières et même la mise au point.
Prix: $295
Studio Stop Motion
Stop Motion Studio est une application d'animation image par image idéale pour tous les appareils et plateformes. Elle se connecte à n'importe quel appareil photo numérique, téléphone ou tablette et permet de créer facilement et rapidement de superbes vidéos en stop motion. C'est un excellent choix pour les débutants.
Prix: 4.99 $ (iOS/Android) | 9.99 $ (Mac/Windows)
Matériel d'animation
Le matériel informatique devient moins cher et les logiciels plus performants. La plupart des logiciels d'animation fonctionnent sur la plupart des ordinateurs modernes et les tablettes graphiques sont devenues très abordables.
Voici une courte liste de ce que nous recommandons aux animateurs de tous niveaux :
Un par Wacom
Le choix idéal pour les débutants.
Ce niveau d'introduction La tablette Wacom est le moyen le plus économique de vous initier à en utilisant une tablette. Cela vous permet de réaliser des animations dessinées à la main avec un budget limité, et profitera également aux animateurs 3D, car une tablette est souvent plus facile à utiliser qu'une souris dans un logiciel 3D.
Prix: 59$ - 69$
Wacom IntuosPro
Passer à l'étape suivante.
Si vous avez besoin de plus d'espace pour dessiner, ou si vous utilisez une tablette pour l'animation 3D, C'est le meilleur choix global pour ce poste.Vous verrez ces tablettes dans la plupart des studios de production, et c'est un choix populaire Pour les étudiants en animation qui souhaitent réaliser un travail de qualité, mais qui n'ont pas les moyens de s'offrir les tablettes Cintiq haut de gamme. Disponible en 3 tailles, la moyenne étant la plus populaire.
Prix: 230$ - 479$
Wacom CintiqPro
Devenir professionnel.
Pour animation haut de gamme En matière de production, la Wacom Cintiq est le choix par excellence. Il s'agit en quelque sorte d'un écran géant (13", 16", 24" ou 32") sur lequel on peut dessiner directement. Elle facilite grandement le dessin précis et offre une réactivité bien supérieure à celle d'une tablette graphique classique, mais son prix est nettement plus élevé.
Prix: 649$ - 3299$
Ordinateur
L'avantage d'utiliser des logiciels 2D comme Animate CC ou même Toon Boom, c'est que la plupart des ordinateurs modernes sont parfaitement capables de les faire fonctionner sans problème.
Lorsque vous vous lancez dans la 3D, les choses peuvent se compliquer, mais ce n'est pas une fatalité. Si vous devez rendre des mondes immenses avec des systèmes d'éclairage complexes, vous aurez besoin d'un ordinateur puissant doté d'un carte graphique coûteusemais il existe d'autres options :
- Vous pouvez effectuer la plupart des opérations de compositing dans Nuke, comme Je l'ai fait pour LIFT UP.
- Vous pouvez utiliser une ferme de rendu comme nous l'avons fait pour De bon goût.
Livres d'animation
On pourrait avancer différents arguments pour déterminer quel est le meilleur livre pour apprendre l'animation, mais en voici quelques-uns qui vous seront utiles. Apprenez et perfectionnez vos compétences, quel que soit le type d'animateur que vous souhaitez devenir.
Le kit de survie de l'animateur Richard Williams
Ce livre est un bible de l'animateurIl aborde en détail les fondamentaux du placement, du rythme, de la marche, de la course, du poids, de l'anticipation, du chevauchement des actions, des prises, des décalages, des dialogues, de l'animation animale et bien plus encore. Ce n'est pas pour rien qu'on l'appelle un « kit de survie ».
Ce livre vous apprendra TOUT CE QUE TU AS BESOIN DE SAVOIR pour commencer votre formation d'animateur.
Cartoon Animation / Preston Blair
Publié initialement en 1994, Cartoon Animation (également connu sous le nom de « The Preston Blair Book ») a été une source de référence incroyable pour la création style dessin animé animation.
Ce livre vous apprendra à créer un personnage de dessin animé, à donner vie à des mouvements dynamiques et à animer des dialogues par l'action.
L'illusion de la vie Frank Thomas et Ollie Johnston
Ce livre, initialement conçu comme un guide d'animation, s'est transformé en une étude détaillée de progression de l'animation, aussi bien au sein des studios Disney que dans le monde de l'animation en général.
Écrit par deux des neuf vieillards Ce livre s'adresse à ceux qui ont défini le style d'animation Disney et guide le lecteur à travers toutes les étapes de la découverte et de la recherche sur le sujet. meilleures méthodes d'animation.
Préparation de vos prises de vue / Vignoble Jeremy
Un excellent ouvrage pour acquérir une compréhension de base de la composition des plans et des mouvements de caméra, afin de mieux raconter des histoires et réaliser des films.
Ce livre est idéal aussi bien pour les cinéastes débutants que pour les cinéastes expérimentés à la recherche de superbes références de plans.
Cours d'animation
Bloop Animation est avant tout une Plateforme d'apprentissage de l'animation avec des cours vidéo de qualité supérieure. Certains se concentrent sur software (comme Maya ou Animate CC) tandis que d'autres vous enseignent des logiciels spécifiques que chaque membre contribue, ce qui nous rend uniques (comme les bases de l'animation ou le storyboard).
Les cours en ligne sont devenus incroyablement populaires ces dernières années, et sont désormais… hautement produit, et un très efficaces alternative aux écoles traditionnelles.
Pourquoi ?
C'est moins cher. Beaucoup moins cher.
Les écoles d'art coûtent une fortune. Dépenser entre 20 000 et 40 000 dollars par an (et s'endetter très probablement) est une décision importante, et cet investissement est de moins en moins judicieux.
Cours en ligneMême les plus chères ne vous coûteront que quelques centaines de dollars (quelques milliers si vous suivez une formation certifiante en ligne sur plusieurs mois). C'est bien loin du coût d'une école d'art traditionnelle. C'est ce qui rend cette option si intéressante. plus accessible pour un large éventail d'artistes qui, par le passé, auraient dû renoncer à leurs rêves ou emprunter des sommes considérables.
C'est un excellent essai routier
L'animation n'est peut-être pas faite pour vous ? Ne serait-il pas formidable de le découvrir avant de dépenser des dizaines de milliers de dollars et de précieuses années de votre vie ?
Suivre un cours d'animation en ligne est un Un moyen peu coûteux et efficace de vérifier si vous êtes à la hauteur de la tâche. Voyez si cela vous plaît. Vous pourrez toujours décider de poursuivre des études supérieures plus tard, mais c'est un excellent moyen de vous renseigner et de vous assurer que cette voie vous convient.
De toute façon, tu n'as pas vraiment besoin d'un diplôme.
L'un des avantages de travailler dans un secteur créatif comme l'animation est que Votre travail parle plus fort que n'importe quel diplôme figurant sur votre CV.Si votre démo est bonne, vous serez embauché. Personne ne se souciera de l'école que vous n'avez pas fréquentée.
Vous pouvez les prendre pendant que vous travaillez
L'un des grands avantages des cours en ligne est que vous pouvez les suivre à votre rythme. temps libre.
Si vous êtes en reconversion professionnelle et travaillez à temps plein, vous pouvez suivre ces cours le week-end, le soir et pendant votre pause déjeuner.
Vous pouvez personnaliser votre propre parcours d'apprentissage
L'un des aspects formidables de l'enseignement en ligne est la possibilité de combiner des sources provenant de différents endroits.
Dans une école traditionnelle, il faut suivre le programme (généralement de 3 à 4 ans) et souvent suivre de nombreux cours. vous n'avez aucun intérêt pourou qui ne contribuent pas vraiment à votre développement personnel. Avec les cours en ligne, vous pouvez construire votre propre parcours d'apprentissage.
Oui, Nos cours Nous proposons un parcours structuré à suivre, mais il ne contient que les éléments indispensables à l'animation. De plus, vous pouvez toujours ignorer une leçon si elle ne vous semble pas pertinente.
C'est un excellent moyen d'optimiser votre formation.
Les cours en ligne peuvent vous être utiles. TANDIS QUE être étudiant dans un programme traditionnel.
Quand j'étais aux Beaux-Arts, je cherchais CONSTAMMENT des tutoriels en ligne (les cours en ligne n'étaient pas aussi populaires à l'époque, mais il y en avait quand même quelques-uns) et je regardais tout ce que je pouvais trouver.
Faire cela à l'école, vraiment J'ai perfectionné mes compétences et cela m'a motivé à travailler davantage et à m'améliorer. L'école a ses limites ; elle peut vous guider dans la bonne direction, mais c'est à vous de vous surpasser pour maîtriser votre art.
Voici la liste complète de nos cours vidéo :
Cours vidéo
Entrer dans l'industrie de l'animation
Alors, comment passer à l'étape suivante ? Et si vous vouliez faire de l'animation votre… carrière?
Comment faire pour se faire embaucher ?
Les animateurs ont généralement besoin de trois choses pour trouver un emploi dans ce secteur :
- A reprendre.
- A solide bande démo.
- A site web portfolio avec votre propre domaine. Rien de tout ça. john.wordpress.com Nul. Regardez ça. d'excellents modèles WordPress pour vous faciliter la vie.
Dans de nombreuses professions, un bon CV ou une bonne lettre de motivation est le facteur le plus important pour décrocher un emploi. C'est notamment le cas pour les animateurs et les spécialistes des effets visuels. Tout repose sur la bande démo.
Au fil des ans, j'ai réalisé de nombreuses bandes démo et visionné des dizaines de celles d'autres personnes. Avant d'envoyer votre bande démo à une multitude de studios, je vous en prie, Consultez notre guide des bandes démoJ'ai recueilli une tonne d'informations sur Comment créer une bande démo d'animation efficace qui vous permette réellement d'être embauché. Ne passez pas à côté.
J'ai donc une bande démo. Et maintenant ?
Comme je ne vous connais pas personnellement, je vais vous donner le meilleur conseil qui, à mon avis, serait bénéfique à la plupart des gens : Le meilleur moyen de se faire remarquer est de créer des choses.
Un baccalauréat en beaux-arts (BFA) en animation ou un diplôme d'une école en ligne sera certainement un atout, mais ne garantit pas l'obtention du diplôme. un travail après l'obtention du diplôme.
Vous savez ce que j'ai fait le lendemain de la remise des diplômes ?
J'ai continué à animer pour ma démo. Et c'est ce que j'ai fait tous les jours jusqu'à ce que j'obtienne mon premier prix. travail autonomeEt puis, après le travail, j'ai continué à travailler sur d'autres photos pour être prêt lorsque le projet freelance serait terminé.
Il faut continuer à créer. Toujours.
Il y a toujours suffisamment de temps pour travailler sur votre bande démo, surtout pendant votre première année de carrière dans l'animation. Lorsque vous ajoutez des éléments à votre bande démo, assurez-vous de suivre nos conseils. Directives relatives aux bandes démo pour ne pas perdre votre temps.
Si vous continuez à créer des choses En les diffusant et en postulant constamment auprès des studios, vous finirez par vous faire remarquer et être embauché.
Parcours professionnels pour les animateurs
Cinéma / Télévision
Le parcours professionnel le plus évident (bien que non le plus facile) consiste à travailler dans le cinéma et la télévision (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network, etc.).
Bien que l'on associe généralement le métier d'animateur à l'animation de personnages comme Wall-E ou le chien du film Là-haut, une grande partie du travail d'animation dans ce secteur concerne également les effets visuels et l'animation mécanique dans les films en prises de vues réelles. Presque tous les films en prises de vues réelles à effets spéciaux impressionnants font appel à des animateurs, à un degré ou à un autre.
La plupart des tournages de films et de séries télévisées se déroulent en Californie, et il faut parfois des années de candidatures pour intégrer les grands studios.
Publicités
Travailler dans la publicité requiert des compétences différentes de celles nécessaires pour le cinéma et la télévision. Même si l'animation de personnages reste une composante essentielle, le rythme de production est beaucoup plus rapide et l'on attend de vous que vous accomplissiez des tâches plus variées plutôt que de vous spécialiser.
De plus, les travaux publicitaires portent souvent sur l'animation graphique plutôt que sur l'animation de personnages. Par conséquent, la maîtrise d'After Effects et/ou de Cinema 4D est plus pertinente si vous vous orientez vers ce domaine.
L'animation publicitaire n'est peut-être pas ce pour quoi vous avez choisi de devenir animateur, mais cela peut tout de même être très amusant, et il y a beaucoup plus de travail à trouver, et les lieux de tournage ne posent presque aucun problème, puisque la plupart des grandes villes ont des sociétés de production qui réalisent des travaux publicitaires dans une certaine mesure.
Prévisualisation (Previz)
Un domaine moins connu des animateurs est la prévisualisation. Les animateurs de prévisualisation créent une prévisualisation de l'œuvre (publicité, film, etc.) en animant des personnages temporaires dans un environnement factice afin de permettre au réalisateur de se faire une idée de ses plans et de sa composition.
Vous serez surpris du nombre de studios et de maisons de production qui utilisent la prévisualisation, et certaines entreprises se consacrent exclusivement à la création de prévisualisations pour différentes productions.
Avec l'essor considérable de la prévisualisation dans la publicité, la télévision et le cinéma, les animateurs spécialisés en prévisualisation peuvent trouver du travail dans une multitude de domaines et de lieux, même si, en tant qu'animateur débutant, vous n'aurez peut-être pas l'occasion de réaliser votre meilleur travail (puisque l'animation doit être faite rapidement et que la qualité n'est pas un facteur déterminant) et que votre travail ne sera pas réellement vu par un public.
Jeux vidéo
L'industrie du jeu vidéo est immense et offre de nombreuses opportunités aux animateurs. Leurs tâches sont très variées : capture de mouvement, animation complète de personnages, création de cycles d'animation en boucle tout au long du jeu…
Si vous avez déjà joué à un jeu Blizzard ou visionné des cinématiques de Final Fantasy, vous savez que les jeux vidéo ont produit certaines des plus belles animations et ont repoussé les limites de la technologie autant que le cinéma. Travailler dans ce secteur peut être passionnant ; il emploie des animateurs 3D et 2D et offre une grande variété de missions.
Graphiques animés
J'ai évoqué l'animation graphique lorsque j'ai écrit sur le travail dans le domaine de la publicité, mais les graphistes spécialisés en animation graphique travaillent sur une bien plus grande variété de projets : des vidéos explicatives aux projections événementielles en passant par les démonstrations d'interfaces logicielles.
La vie d'un graphiste motion est souvent celle d'un freelance, passant d'un projet à l'autre, utilisant principalement After Effects (parfois en combinaison avec Cinema4D).
C’est par une éducation indépendante à
Un nouveau type d'animateur émerge : l'animateur indépendant. Il utilise principalement YouTube comme plateforme principale et gagne sa vie grâce à la publicité, aux partenariats, aux produits dérivés, et bien plus encore. ces animateurs surface en permanence.
D'autres réalisateurs de films d'animation peuvent utiliser le financement participatif pour financer leurs films, ou obtenir des studios pour financer leurs films avec un budget indépendant.
Directeur
Contrairement à la plupart des emplois, il n'existe pas de parcours clairement défini pour devenir réalisateur.
Aller à école de cinéma Cela ne garantit pas un poste de réalisateur par la suite, et les offres d'emploi de « réalisateur » en ligne sont rares. Certains y parviennent à 21 ans, d'autres y consacrent leur vie entière sans jamais y arriver.
Il en va de même pour le fait d'être un directeur d'animationCertains débutent comme animateurs, d'autres comme storyboarders (réalisateurs de storyboards) et d'autres encore viennent du cinéma en prises de vues réelles, sans jamais avoir animé un seul jour de leur vie.
Comment devient-on alors réalisateur de films d'animation ?
Des réalisateurs de films d'animation comme Andrew Stanton, Richard Williams et John Lasseter étaient animateurs avant de devenir réalisateurs, et c'est probablement la méthode la plus courante, car les animateurs sont très impliqués dans l'aspect narratif du film.
Le chemin serait donc le suivant :
- Faites-vous embaucher dans un grand studio comme Disney.
- Gravir les échelons jusqu'à devenir directeur.
Mais bien sûr, ce n'est pas si simple.
Vous travaillerez d'abord comme animateur junior pendant de nombreuses années, et il vous faudra probablement près de dix ans avant qu'on envisage de vous confier un poste de réalisateur. Et même alors, vos chances seront quasi nulles.
À mes yeux, l'idée de travailler pendant dix ans comme l'un des centaines d'autres animateurs, juste pour avoir une chance d'être remarqué, ne me semble pas très sûre.
Ce que j'ai fait à la place, c'est créer un petit cube et une petite boule, et j'ai fabriqué mon propre filmEt puis j'ai fait une autreEt je continuerai probablement.
Alors devinez quoi ? Je suis devenu réalisateur. Personne ne m'a officiellement délivré de licence de réalisateur, j'ai juste fait des films. Et…La seule chose certaine que je puisse vous dire pour devenir réalisateur, c'est de commencer à faire des films.
Bon, je dois donc réaliser mes propres films, et maintenant ?
Si vous comptez choisir la voie du réalisateur et réaliser vos propres films, je vous suggère de commencer par courts métragesRéaliser un long métrage est un objectif qui peut prendre beaucoup de temps à atteindre et n'est pas réaliste pour l'animation si vous débutez.
Quant au sujet de vos films, je suggère de privilégier des personnages et des environnements très simples, et de vous concentrer sur un belle histoire.
Quand j'ai commencé à travailler sur SouleverL'histoire elle-même est née de mes difficultés à maîtriser la modélisation. C'est pourquoi le film parle d'un cube et d'une sphère. Si vous souhaitez en savoir plus, consultez notre article. guide complet pour réaliser un court métrage d'animation. C'est gratuit.
Concentrez-vous sur les compétences narratives
Les qualités d'un bon réalisateur reposent principalement sur l'art de raconter une histoire, ainsi que sur la maîtrise du rythme, de la composition et du jeu d'acteur. Ce sont des compétences essentielles pour un bon animateur ; par conséquent, si vous venez du monde de l'animation, la transition pourrait vous être plus facile.
Mettez en valeur ces compétences dans votre court-métrage, en présentant des compositions et une cinématographie intéressantes. C'est ce que les gens recherchent chez un réalisateur : pas des rendus sophistiqués ni des modélisations complexes, mais une narration efficace.
N'oubliez pas : personne ne peut faire de vous un réalisateur. Cela doit venir de vous.
Outils et ressources
Premiers pas dans l'animation
- Les 5 types d'animation : Ce guide détaille les cinq types d'animation à votre disposition et le matériel nécessaire pour débuter. Il aborde également les meilleurs logiciels, les meilleures écoles et bien plus encore.
- Meilleures écoles d'animation : Une liste triée sur le volet des meilleures écoles d'animation au monde.
- Studios d'animation : Un guide détaillé des meilleurs studios de production de films d'animation
- Logiciels d'animation - Lequel choisir ? Un aperçu des options dont vous disposez lorsque choisir son logiciel d'animation.
- Pourquoi vous n'avez pas besoin de savoir dessiner pour être animateur 3D : Vous n'avez plus d'excuses !
- Passer à une tablette Wacom pour l'animation 3D : Comment passer à l'animation 3D sur tablette plutôt qu'avec souris ?
- Commencez à animer dès maintenant pour moins de 100 $ : Dans cet article, je vous montre comment commencer à animer comme un pro avec moins de 100 dollars.
Comment réaliser un film d'animation
- La création de Tasteful : Toutes les étapes de la réalisation du film, du début à la fin, expliquées aussi simplement que possible.
- La création de LIFT UP : Toutes les vidéos documentant la création de LIFT UP réunies au même endroit.
Construire votre portefeuille
- Créer une démo d'animation - Le guide complet : Dans de nombreuses professions, un bon CV ou une bonne lettre de motivation est le facteur le plus important pour décrocher un emploi. C'est notamment le cas pour les animateurs et les spécialistes des effets visuels. Tout repose sur la bande démo.
- Éclairage et rendu de votre démo d'animation : Un tutoriel vidéo présentant une configuration d'éclairage/rendu de base pour faire briller votre démo.
- Création d'un site web portfolio : Notre guide étape par étape pour créer un site web portfolio professionnel à partir de zéro.
- Comment installer un thème WordPress pour votre site portfolio : Guide étape par étape pour installer un thème WordPress.
- Meilleurs thèmes WordPress pour portfolio : Il est extrêmement important d'avoir son propre site web pour présenter son travail. L'un des moyens les plus simples de créer un site web portfolio est d'utiliser Thèmes WordPress.
- Pourquoi faire un deuxième film : Si vous avez déjà réalisé un film, voici pourquoi vous devriez commencer à travailler sur le prochain.
Rigs
- Le système ultime de Bloop pour les boules : Un système gratuit de balle rebondissante extensible et écrasante pour Maya.
- Meilleurs rigs Maya gratuits : L'utilisation de squelettes gratuits est idéale pour les exercices d'animation ou pour ajouter des plans à votre bobine.
Inspiration
- Ce que j'ai fait après avoir obtenu mon diplôme : Mon récit de remise de diplôme et comment j'ai choisi de me faire ma propre opinion.
- 5 raisons pour lesquelles vous ne deviendrez pas animateur : Si vous avez besoin d'un petit coup de pouce, lisez ceci.
- Ce que Ratatouille et Monstres Academy m'ont appris sur le fait d'être un artiste : Un article qui donne à réfléchir sur les leçons à tirer de deux grands films Pixar.
- Meilleurs documentaires d'animation : Les films les plus éducatifs et inspirants sur l'industrie de l'animation et ses acteurs.
Nos courts métrages
Quelle est la prochaine étape?
Maintenant que vous avez fini de lire ce (très) long guide, c'est à vous de jouer.
Plus d'excuses. Crée quelque chose de génial. Tu sais par où commencer.
- Morr Meroz
