Animation für Anfänger
Wo soll ich anfangen?
Eine der häufigsten Fragen, die mir gestellt werden (fast täglich), lautet:
„Ich möchte in die Animationsbranche einsteigen. Wo fange ich an?“
In diesem umfassenden Leitfaden versuche ich, (fast) alles abzudecken, was Sie über Animation wissen müssen, wenn Sie Ich versuche, in die Animationsbranche einzusteigen.
Ich werde einige grundlegende Konzepte der Animation, Vokabeln, Prinzipien, Software, Hardware, Bücher und Kurse behandeln sowie einige Möglichkeiten für Menschen aufzeigen, die in die Animationsbranche einsteigen möchten, sich aber überfordert oder eingeschüchtert fühlen.
Ich werde erklären, was Animation ist, was zur Herstellung von Animationsfilmen (2D oder 3D) nötig ist und sogar, wie man mit der Jobsuche in der Branche beginnt.
Leicht zu lernen, schwer zu meistern
Der Einstieg in die Animationsbranche ist heute einfacher als je zuvor.
Die Software wird immer günstiger (oder sogar kostenlos), und die meisten modernen Computer können die einfacheren Animationsaufgaben (meist 2D) bewältigen.
Der Haken ist dass zwar jeder sofort mit dem Animieren anfangen kann, die Kunst der Animation aber dennoch Zeit braucht, um sie zu meistern.
Die gute Nachricht ist...
Man muss kein Animator auf Disney-Niveau sein, um richtig coole Animationen zu erstellen.
Sie können klein und einfach anfangen. und entwickle nach und nach deine Fähigkeiten und deinen einzigartigen Stil. Man muss nicht einmal gut zeichnen können.
Und außerdem...
Wir haben ein gesamten Kurs Dieser Kurs vermittelt die Grundlagen der Animation, damit du die Basics beherrschst, bevor du dich in die Animation vertiefst. Du findest ihn direkt unten.
Grundlagenkurs Animation
Lernen Sie die Grundprinzipien der Charakteranimation kennen, einschließlich eines Überblicks über die verschiedenen Techniken. Arten von Animationen, Basic Wortschatzund die 12 AnimationsprinzipienWenn Sie gerade erst anfangen und sicherstellen möchten, dass Ihre Grundlagen abgedeckt sind, ist dieser Kurs der beste Ausgangspunkt.
Was ist Animation?
Animation ist die Kunst der Leben erwecken auf ansonsten leblose Objekte oder illustrierte / 3D-generierte Charaktere.
Es entsteht durch die schnelle Projektion einer Bildsequenz nach der anderen, um die Illusion von Leben zu erzeugen.
Aber das ist nicht wirklich das Erste, woran man denkt, wenn man das Wort hört. AnimationNicht wahr?
Das sind nur technische Details...
Sie denken wahrscheinlich an Disney, Pixarden GhibliWir werden es schaffen...
Das Wichtigste dabei ist das Wort. lifeDas Erwecken von Leben ist das wahre Wesen der Arbeit eines Animators. Und dafür gibt es viele Wege.
Es könnte sein durch Zeichnung.
Das könnte durch einen Umzug geschehen. Charakter-Rigs auf einer 3D-Software.
Es könnte mit Marionetten, Ausschnitt Zeichen oder Lego-Figuren.
Was bedeutet es also, Animator zu sein? bedeuten?
Bevor wir loslegen, könnt ihr euch dieses Video ansehen, in dem ich die Unterschiede zwischen 2D- und 3D-Animation erkläre. Das gibt euch einen guten Überblick. Was ein Animator tatsächlich tut.
Es könnte Ihnen auch einen Hinweis darauf geben, welche Richtung Sie einschlagen möchten.
Animationsvokabular
Nachdem wir nun die Grundidee der Animation behandelt haben, ist es wichtig, das zu verstehen Vokabeln und Fachbegriffe aus der Animations- und Filmbranche Industrie.
Diese Begriffe werden häufiger vorkommen, deshalb nehmen wir uns ein paar Minuten Zeit, um sie zu besprechen:
Geschichte
Die Zeitleiste ist der Teil der Animationssoftware, der die Fortschritt der Animation im Laufe der Zeit.
Je nach Software könnten wir die Zeitleiste verwenden, um Änderungen an der zeitliche Koordinierung der Animation sowie der Position der Elemente.
Frame Rate
Die Bildrate einer Animation ist die Anzahl der einzelnen Bilder (oder Frames), die innerhalb einer Sekunde angezeigt werden. Es handelt sich um eine Einstellung, die Sie in der Animationssoftware anpassen können.
Animation wird üblicherweise erstellt in 24 Frames pro Sekunde (FPS).
Arbeiten an Einsen und Zweien
„Arbeiten an Einsen oder Zweien“ ist ein Begriff, der in der handgezeichneten Animation verwendet wird.
An sich selbst arbeiten Das würde bedeuten, dass für jedes einzelne Einzelbild der Animation eine neue Zeichnung angefertigt werden müsste.
Arbeit zu zweit Das bedeutet, dass jede Zeichnung zwei Frames lang gehalten wird, sodass eine Sekunde Animation bei 24 Frames pro Sekunde nur 12 Zeichnungen ergeben würde, nicht 24.
In der 2D-Animation sieht das Arbeiten mit Zweiergruppen in den meisten Fällen gut aus, und es gibt sogar Fälle, in denen Zeichnungen länger gehalten werden können. In der 3D-Animation hingegen ist das Arbeiten mit Einergruppen Standard.
Aufnahmen & Szenen
Normalerweise wird im Realfilmbereich der Begriff „Schuss' bezieht sich auf die Bilder zwischen den Kamerabearbeitungen, während a Szene Es handelt sich um alle Aufnahmen und Dialoge, die an einem bestimmten Ort über einen ununterbrochenen Zeitraum stattfinden.
Im Animationsbereich verwenden wir die Begriffe „Szene“ und „Einstellung“ jedoch oft synonym. Wenn wir von einer Szene/Einstellung sprechen, meinen wir oft ein bestimmtes, zusammenhängendes Animationsfragment zwischen den Kameraschnitten.
Keyframes | Breakdowns | Inbetweens
Schlüsselbilder, Zwischensequenzen und In-Betweens sind wichtige Begriffe, aber sie bedeuten etwas Unterschiedliches.abhängig von der Art der Animation.
In handgezeichneter Animation, Keyframes (oder einfach Schlüssel) sind die wichtigsten Posen, die die Szene definieren. Pannen Die Bewegung von Taste zu Taste wird zwischen die Tasten gelegt und definiert. Zwischenräume sind alle Zwischenbilder, die dazu dienen, die Bewegung zu glätten.
In 3D, ein Keyframe ist jede Position auf der Zeitleiste, an der der Animator die Position der Figur definiert hat. Zwischenräume sind alle Frames, die der Computer interpretiert oder automatisch generiert, um das Zeichen von Taste zu Taste zu bewegen.
Keyframes
Pannen
Zwischenräume
Bilder entnommen aus Das Überlebenskit des Animators Richard Williams
Timing | Abstand | Lockerung
Timing, Spacing und Easing sind eng miteinander verbundene Begriffe.
Timing bezeichnet die Gesamtzahl der Einzelbilder, die für eine Bewegung verwendet werden. Abstand Der Abstand zwischen den einzelnen Bildern gibt an, wie groß die Veränderung ist. Ein kleinerer Abstand lässt ein Objekt langsamer erscheinen, ein größerer Abstand lässt es schneller wirken.
Im Bereich der digitalen Animation Lockerung So wird der Abstand gesteuert, üblicherweise durch einen Bewegungsgraphen auf der Zeitachse.
Zwiebelschalen
Beim Animieren ist es sehr hilfreich, mehr als ein Einzelbild gleichzeitig sehen zu können.
Bei der Papieranimation geschieht dies durch mehrere Zeichnungen auf einem Blatt Papier. LeuchttischModerne Animationsprogramme bieten oft eine Funktion namens Onion Skinning. Damit lassen sich halbtransparente Darstellungen der Frames hinter oder vor dem aktuellen Frame, an dem man arbeitet, anzeigen.
Zusammensetzen
Compositing ist der Prozess, bei dem alle einzelnen Elemente einer Szene zusammengefügt werden, um das Gesamtbild zu erzeugen. endgültiges visuelles Ergebnis.
Es kann vorkommen, dass ein Hintergrund, mehrere Charaktere und eine Kulisse separat entwickelt werden. Beim Compositing werden all diese Elemente zu einer einzigen Szene zusammengefügt.
Die 12 Prinzipien der Animation
Die Grundlage jeder Animationsausbildung ist die 12 Animationsprinzipien.
Die zwölf Prinzipien waren eine Reihe von Kernkonzepten, die in den 1930er Jahren von Animatoren bei Walt Disney Studios als sie vom Kurzfilm zum Spielfilm übergingen. Es war ein allmählicher Prozess des Entdeckens und Verfeinerns, während die Animatoren versuchten, Sie sollen ihre Arbeit auf ein neues, höheres Niveau heben.
Diese 12 Prinzipien wurden erstmals von den legendären Animatoren zusammengestellt. Frank Thomas , Ollie Johnston 1981 in ihrem Buch Die Illusion des Lebens.
Die Prinzipien beruhen darauf, die Illusion von Leben zu erzeugen. Sie helfen uns, Charaktere zu erschaffen, die Gewicht und Persönlichkeit zu haben scheinen und in einer realen Welt mit den Gesetzen der Physik existieren.
Obwohl sie von 2D-Animatoren entwickelt wurden, sind sie dennoch auf 3D-Animationen und alle anderen Arten von Animationen anwendbar.
1. Stauchen & Dehnen
Stauchung und Dehnung beschreiben, wie ein Objekt seine Form als Reaktion auf auf es einwirkende Kräfte verändert.
Squash ist der Moment, in dem ein Objekt durch den Aufprall einer entgegengesetzten Kraft zusammengedrückt wird. Stretch Das ist die Dehnung eines Objekts durch Zugkräfte oder schnelle Bewegungen.
2. Vorfreude
Antizipation ist eine kleinere Bewegung, die einer größeren vorausgeht und signalisiert, dass die größere Bewegung unmittelbar bevorsteht.
3. Inszenierung
Inszenierung ist die Präsentation einer Aufnahme so, dass der Inhalt der Aufnahme als klar so weit wie möglich, und die narrative Funktion der Aufnahme als stark wie möglich.
4. Geradeaus vs. Pose-zu-Pose
Straight-Ahead-Animation und Pose-zu-Pose-Animation sind unterschiedliche Herangehensweisen an die Animation.
Geradeaus bedeutet, jedes neue Bild nacheinander von Anfang bis Ende zu erstellen. Pose für Pose Das bedeutet, zuerst die Schlüsselposen für jede Aktion zu erstellen und dann die Zwischenposen auszufüllen.
5. Konsequente Umsetzung und sich überschneidende Maßnahmen
Mit Nachschwingen und Überlappen der Bewegungen ist die Tendenz verschiedener Körperteile gemeint, sich mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten zu bewegen.
Dies umfasst das Konzept von liebeDas ist der Fall, wenn ein Körperteil bei Beginn einer Bewegung hinterherhinkt.
6. Langsam ein- und ausfahren
Slow-in und Slow-out beziehen sich auf die Tendenz von Objekten, sich allmählich zu verlangsamen. beschleunigen (und dann verlangsamen) beim Wechsel von einer Position zur anderen.
Diese werden manchmal als Leichtigkeit , Ausstieg, oder einfach Lockerung.
7. Bögen
Das Prinzip der Bögen beruht auf der Beobachtung, dass sich Lebewesen nicht geradlinig, sondern eher in Kreisbögen bewegen. gekrümmte Bewegungen.
Das Erzeugen eleganter, klarer Bewegungsbögen wertet die Animation oft auf und offenbart das Erfahrungsniveau des Animators.
8. Sekundäre Aktion
Sekundärwirkung bezieht sich auf kleinere Bewegungen (oder Gesten), dass Unterstützung die primären Handlungen einer Figur.
Diese Aktionen machen das Bild klarer, indem sie die Betonung des Bildes verstärken. Haltung or Motivation hinter der Bewegung.
9. Timing
Das Timing steuert die Geschwindigkeit einer Aktion durch die Anzahl der Frames, die zu ihrer Darstellung verwendet werden.
Es ist einer der grundlegend von den 12 Prinzipien und es dauert Jahre, sie zu beherrschen.
10. Übertreibung
Übertreibung bedeutet, ein Thema auf eine bestimmte Weise darzustellen. verschärft oder mehr Extrem Um Ihre Animation weiterzuentwickeln, wählen Sie einen anderen Ansatz als einen streng realistischen.
11. Solide Zeichnung
Solides Zeichnen bedeutet, Figuren so zu positionieren, dass ein Gefühl von ... entsteht. Volumen, Gewicht , Balance.
Das Zeichnen für Animationsfilme erfordert die Fähigkeit, die Charaktere aus jedem Winkel und in jeder Pose zu zeichnen, wobei die Dreidimensionalität stets im Vordergrund stehen muss.
12. Berufung
Attraktivität ist ein Oberbegriff für alle Eigenschaften des Charakterdesigns, die ihn von Natur aus ansprechend machen. zwingend beobachten.
Dies umfasst sowohl das Design der Figur als auch die Art und Weise, wie die Figur animiert wird.
Für einen genaueren Blick auf die 12 Prinzipien...
Wir empfehlen Ihnen, einen Blick auf unsere Grundlagen der Animation an.
Es behandelt die Grundprinzipien der Charakteranimation und geht detailliert auf jedes einzelne davon ein. 12 Animationsprinzipiensowie grundlegende Animationsabläufe und -techniken. Wenn Sie gerade erst anfangen und sicherstellen möchten, dass Sie die Grundlagen beherrschen, ist dieser Kurs der beste Einstieg.
Arten der Animation
Es gibt viele verschiedene Arten von Animationen, von denen Ihnen einige wahrscheinlich schon bekannt sind. Lassen Sie uns daher einen kurzen Überblick über die verschiedenen Animationsarten und ihre Eigenschaften geben. Unterschiede , Ähnlichkeiten sind.
3D Zeichentrick
Toy Story 4 | Pixar Animation Studios
3D, auch als CGI (computergenerierte Bilder) ist die beliebteste Animationsart für Spielfilme Aktuell ist es üblich geworden, und auch im Fernsehen und in Kurzfilmen findet man es häufig.
Dies ist auch die gleiche Art von Animation, die zur Erstellung digitaler Charaktere verwendet wird für Live-Action Filme und Animationen für Videospiele.
Ein Animator verwendet eine digitale Puppe (genannt eine digitale Puppe). Charakter-Rig) um die Figur zu positionieren, und dann ein System von Bewegungspfaden (oder Splines) verwenden, um die Bewegung der Figur zwischen diesen Posen zu definieren.
Der Computer interpoliert die einzelnen Animationsbilder zwischen den Schlüsselbildern. Der Animator verfeinert diese Bilder anschließend, bis er mit der Animation zufrieden ist.
3D-Animation ist ein technisch anspruchsvoller Prozess, der oft viele verschiedene Spezialisten erfordert, um die Figur zu modellieren, sie mit Knochen und Steuerelementen auszustatten, sie zu animieren und sie dann für das Endergebnis zu texturieren und zu beleuchten.
2D-handgezeichnete Animation
Das Dschungelbuch | Walt Disney Produktion
Die erste Art der 2D-Animation könnte man als traditionelle Animation oder Cel-Animation bezeichnen. Ich bevorzuge den Begriff handgezeichnete Animation, da er ihren wichtigsten Aspekt – die Tatsache, dass sie von Hand gezeichnet wird – perfekt beschreibt.
Das ist die klassische Animationsart, die Ihnen wahrscheinlich am bekanntesten ist. Früher zeichneten Animatoren die Figuren Bild für Bild, und diese Zeichnungen wurden dann auf durchsichtige Acetatfolien, sogenannte Cels, übertragen, um sie anschließend zu bemalen. Daher kommt der Begriff „Cels“. Cel-Animation kommt von.
In den 1990er Jahren stellten fast alle Animationsstudios die Verwendung von Zelluloidfolien ein und begannen, die Zeichnungen in den Computer einzuscannen. digitale AusmalungUnd mittlerweile verzichten viele handgezeichnete Animatoren ganz auf Papier und zeichnen direkt am Computer. Tablette or Wacom Cintiq Monitore.
Handgezeichnete Animationen können also vollständig analog, vollständig digital oder in einer Mischung aus beidem erstellt werden. Wichtig ist, dass die Animatoren ihre Animationen weiterhin selbst gestalten. Bild für Bild unter Anwendung der gleichen Techniken und Prinzipien wie in den alten Zeiten von Papier und Zelluloidfolien.
2D-Vektoranimation
Rick und Morty | Adult Swim
Heutzutage gibt es neue Möglichkeiten, 2D-Animationen mit 2D-Technik zu erstellen. digitale PuppeHierbei handelt es sich um 2D-Charaktere, die mit einem System aus Knochen und Steuerelementen erstellt werden, die ähnlich wie ein 3D-Charakter-Rig manipuliert werden können.
Die Unterscheidung zwischen animierten 2D-Charakteren und handgezeichneten Charakteren kann mitunter etwas verschwimmen. Programme wie Toon Boom Harmony , Adobe Animate CC Ermöglicht das nahtlose Kombinieren von handgezeichneten Animationen mit 2D-Puppentechniken, manchmal sogar innerhalb desselben Charakters.
Eine Figur kann über ein Skelett verfügen, das es dem Animator ermöglicht, sie zu posieren, aber auch über andere Teile, die von Hand animiert werden.
Stoppen Sie die Bewegungsanimation
Kubo – Der tapfere Samurai | Laika
Stop-Motion-Technik gibt es in verschiedenen Varianten, aber sie alle beinhalten Manipulation realer ObjekteDiese Objekte werden leicht bewegt und einzeln fotografiert. In der richtigen Reihenfolge ergeben diese Einzelbilder das Bild. Bewegungsillusion.
Hochwertige Stop-Motion-Filme, wie sie beispielsweise von Laika (Coraline, Kubu – Der tapfere Samurai), eine speziell präparierte Puppe wird auf einer Miniaturbühne gefilmt.
Lehmbildung ist eine ähnliche Technik. Dabei werden formbare Figuren verwendet, die jedoch in der Regel aus einer Substanz namens Plastilin und nicht aus echtem Ton bestehen.
Man kann Stop-Motion-Filme auch mit normalen Figuren und Gegenständen machen, wie zum Beispiel mit all den tollen Filmfiguren. Lego-Animationen Sie können es auf YouTube finden.
Eine weitere Variante des Stop-Motion-Films ist Papier Ausschnitt Animation. Bei diesem Stil werden die Figuren aus Papierformen gebaut. Sie können an den Gelenken zusammengesteckt werden, um eine bewegliche Figur zu erhalten, oder einzelne Teile werden so positioniert, dass sie ausgetauscht werden können. Anschließend werden sie bewegt und Bild für Bild fotografiert, genau wie bei einer Stop-Motion-Puppe. So funktioniert es. South Park war ursprünglich animiert.
Eine weitere seltene Art von Stop-Motion-Animation wird genannt PixelierungBei der Pixelierung werden echte Menschen anstelle von Puppen verwendet.
Alle diese Arten von Stop-Motion-Filmen haben eine wichtige Gemeinsamkeit:
Alle Szenen müssen frontal gefilmt werden, das heißt, man beginnt mit dem ersten Bild und filmt jedes Bild nacheinander, bis zum Ende der Szene.
Wenn in einem Einzelbild ein Fehler unterläuft, lässt er sich nur sehr schwer beheben, ohne komplett von vorne beginnen zu müssen. Man kann dieses Einzelbild nicht einfach neu zeichnen wie in der 2D-Animation. Das macht diese Art der Animation besonders schwierig. intensiv und es erfordert viel Geduld.
Motion-Graphics-Animation
Bewegungsgrafiken
Die letzte große Kategorie der Animation sind Motion Graphics. Motion Graphics konzentrieren sich auf die Erstellung von Animationen. Dynamische und interessante Präsentationen von animierten Textlogos und einfachen Illustrationen.
Motion Graphics können beides sein 2D , 3DUnd man findet sie überall: in Werbespots, Erklärvideos, Sportveranstaltungen, den Nachrichten und anderen Fernsehproduktionen.
Eine korrekte Charakteranimation fällt im Allgemeinen nicht in den Bereich der Motion Graphics, aber viele der grundlegenden Animationsprinzipien gelten auch für Motion Graphics.
Für einen detaillierteren Einblick in die 5 AnimationsartenBesuche unsere komplette Anleitung über die 5 Arten der Animation, einschließlich einer detaillierten Geschichte jeder Art und der besten Schulen, Software und Kurse.
Der Prozess der Animation
Nachdem wir nun die grundlegenden Konzepte der Animation verstanden haben, wollen wir uns mit Folgendem befassen: Arbeitsablauf zur Erstellung von Animationen.
Zuerst werde ich die grundlegenden Schritte erläutern. Produktionsablauf für Animationsfilme (alle beweglichen Teile, die zur Erstellung eines Animationsfilms nötig sind), und dann werde ich den Prozess der eigentlichen Erstellung aufschlüsseln. eine Aufnahme animieren vom Start zum Ziel.
Welche Schritte sind also nötig, um einen Animationsfilm zu erstellen?
1. Geschichte
Der erste (und wahrscheinlich wichtigste) Teil der Filmproduktion ist ein gute Geschichte.
Wenn deine Geschichte nicht von Anfang an stimmt, dann Egal wie toll Ihr Film aussieht, die Leute werden ihn nicht gerne anschauen. Die Geschichte steht an erster Stelle. Stelle sicher, dass sie gut ist und funktioniert, bevor du weitermachst.
Im Animationsbereich entwickelt und verändert sich die Geschichte oft während der Produktion, da man nicht auf die am Set gedrehten Aufnahmen beschränkt ist. Je mehr Arbeit man also investiert, desto besser. Ihre Geschichte entwickeln, je mehr du Zeitverschwendung reduzieren während der Produktion.
2. Skript
Sobald die Idee für die Geschichte fertig ist, in Worte fassenDer nächste Schritt ist das Schreiben des Drehbuchs.
Es ist wichtig, die Idee so schnell wie möglich in Worte zu fassen, damit wir etwaige Fehler erkennen können. Probleme mit der Geschichte vor Produktionsbeginn.
3. Konzeptkunst
Sobald das Drehbuch fertig ist, werden oft Konzeptzeichnungen erstellt, um die visuellen Stil von dem Film.
Das ist ein wirklich toller Schritt und die erste Gelegenheit, Teile des Films auf dem Papier zum Leben erwachen zu sehen. Es dreht sich alles darum Erkundung und Dinge ausprobieren.
4. Storyboard
Als nächstes wird ein Storyboard erstellt, was wahrscheinlich einer der wichtigsten Schritte beim Entschlüsseln des Films.
Storyboarding ermöglicht es Ihnen, Ihren Film als Ganzes zu betrachten und Probleme in der Handlung und im Erzähltempo zu erkennen. Die Erstellung eines Storyboards bietet Ihnen außerdem etwas, das Sie anderen Leuten zeigen Für Feedback. Die meisten Menschen reagieren besser auf ein Storyboard als auf ein Drehbuch.
Sobald wir mit den Storyboards zufrieden sind, erstellen wir ein Animatic.
5. Animatic
Ein Animatic ist das Filmversion Ihres Storyboards.
Wenn ein Storyboard wie ein Comic ist, dann ist ein Animatic wie ein Film.
Wir importieren alle einzelnen Szenen in ein Schnittprogramm und bearbeiten sie mit dem richtigen Timing, fügen vorübergehend Musik und Soundeffekte hinzu (gerade genug, um die verschiedenen Handlungspunkte zu vermitteln), und wenn wir damit fertig sind, haben wir die erste Version unseres Films, die wir uns ansehen können.
So gut ein Storyboard auch sein mag, ein Animatic gibt uns erst das wirkliche Gefühl, dass… ein erster Blick in wie unser Film aussehen wird.
6. Assets erstellen
An diesem Punkt erstellen wir, je nach gewähltem Animationsmedium, die verschiedenen Elemente für unseren Film.
Für die 3D-Animation erstellen wir die Modelle für Charaktere, Umgebungen, Sets und Requisiten. Als Vorlage dienen uns die Konzeptzeichnungen und Modellvorlagen. Diese Modelle müssen anschließend mit einem 3D-Skelett und Steuerelementen versehen werden, damit wir sie in unserer Szene animieren können.
Für 2D-Animationen zeichnen wir den Hintergrund, finalisieren die Charakterdesign-Sheets und riggen, falls erforderlich, die Charaktere in unserer 2D-Animationssoftware.
Für Stop-Motion-Animationen bauen wir unsere Kulissen, unsere Puppen, die Requisiten und die verschiedenen Kleidungsstücke, die für den Film benötigt werden.
7. Voransicht
Bevor wir mit der Animation unserer Szenen beginnen, gibt es noch einen weiteren wichtigen Schritt, um sicherzustellen, dass die Geschichte funktioniert: die Erstellung einer Previsualisierung.
Ein Previs ist die nächste Stufe des Animatic, diesmal unter Verwendung von 3D-Modellen.
Wir richten unsere Einstellungen im 3D-Programm ein, mit den endgültigen Kamerawinkeln und Bewegungen, und erstellen eine sehr einfache Animation für die Charaktere, gerade genug, um die Handlung zu vermitteln, die sie ausführen sollen.
Anschließend importieren wir all diese Aufnahmen in das Schnittprogramm, genau wie wir es mit dem Animatic gemacht haben, und verfügen nun über eine Previsualisierungsversion unseres Films mit den korrekten 3D-Modellen und der korrekten Kamerabewegung.
Da die Animation sehr viel Zeit in Anspruch nimmt, ist dies unsere letzte Chance, noch gravierende Änderungen an der Geschichte unseres Films vorzunehmen. Es wäre eine enorme Verschwendung, wenn wir nach der Animationsphase noch Änderungen an der Geschichte vornehmen müssten.
8. Animation
Wir sind endlich bereit für die Animation!
Hier erwecken wir den Film endlich zum Leben. Die Figuren beginnen sich zu bewegen, und wir können sehen, wie die Seele des Films vor unseren Augen zum Leben erwacht.
Es ist faszinierend anzusehen, aber es dauert auch lange. Wenn es falsch gemacht wird, kann es unseren Film ruinieren. Schlechte Animation ist wie schlechte Schauspielerei: Selbst wenn Drehbuch und Geschichte gut sind, merkt niemand, wenn die Umsetzung völlig daneben ist.
Die 6 Schritte der Animation werden wir später in diesem Abschnitt genauer erläutern.
9. Texturierung | Beleuchtung | Rendering
Dieser Schritt trifft hauptsächlich auf 3D-Animationen zu, allerdings durchläuft auch die 2D-Animation ähnliche Nachbearbeitungsschritte, und auch bei Stop-Motion-Animationen wird viel Zeit mit dem Compositing und der Hinzufügung verschiedener Effekte über die eigentlichen Aufnahmen verbracht.
In 3D-Modellen müssen Texturen erstellt werden. Das bedeutet, dass verschiedene Materialien für die einzelnen Teile des Modells zugewiesen werden. Einige simulieren Metall, andere Kunststoff und manche sogar Haut und Haare.
Anschließend beleuchten wir die Aufnahmen mit virtuellen Lichtern, um die Funktionsweise von Licht in der Realität so genau wie möglich nachzubilden.
Sobald unsere Aufnahmen texturiert und ausgeleuchtet sind, beginnen wir mit dem Rendering-Prozess. Dabei berechnet der Computer alle Daten unserer Szenen und erstellt daraus Standbilder.
Anschließend importieren wir diese Bilder in ein Compositing-Programm wie Nuke oder After Effects, extrahieren die notwendigen Daten aus den Bildern und kombinieren sie zu unseren endgültigen Bildern.
10: Bearbeitung | Farbkorrektur
Sobald unsere Bilder zusammengesetzt und fertig sind, importieren wir sie zurück in unser Bearbeitungsprogramm und ersetzen unsere Previs-Aufnahmen durch unsere neuen zusammengesetzten Aufnahmen, genau wie wir die Animatic-Aufnahmen durch die Previs ersetzt haben.
Wir können unseren fertigen Film jetzt zum ersten Mal in der Schnittzeitleiste sehen, aber er ist noch nicht wirklich fertig. Wir müssen noch Farbkorrekturen und Grading vornehmen.
Die Farbkorrektur ist der Prozess, bei dem die Farben jeder einzelnen Aufnahme so angepasst werden, dass sie mit der vorhergehenden bzw. nachfolgenden Aufnahme übereinstimmen. Wir achten außerdem darauf, dass keine Stellen zu hell oder zu dunkel sind, und sorgen so für eine einheitliche und korrekte Farbwiedergabe im gesamten Film.
Dann folgt das Grading unseres Films, der spaßigere und kreativere Teil, bei dem wir versuchen, einen visuellen Stil für den gesamten Film zu kreieren und ihm ein unverwechselbares Aussehen zu verleihen.
11. Musik | Sounddesign
Idealerweise arbeiten wir vom ersten Produktionstag an mit einem Musiker zusammen, um sicherzustellen, dass die Musik zu dem passt, was wir mit dem Film erreichen wollten, und dass der Film mit der Musik harmoniert.
Musik ist normalerweise nicht etwas, das wir einfach am Ende hinzufügen, deshalb ziehe ich es vor, sie während der gesamten Produktion bei mir zu haben, damit sie ein integraler Bestandteil der Geschichte wird.
Anschließend finalisiert der Sounddesigner alle Soundeffekte des Films, wie etwa Geräusche, Umgebungsgeräusche und Stimmen, und übernimmt das Mastering und Mischen des finalen Tons.
Wenn Sie mehr über die Erstellung animierter Kurzfilme erfahren möchten...
Schauen Sie sich den unten stehenden Kurs an.
Kurs „Erstellung eines Animationsfilms“
Sehen Sie sich das vollständige Video an. 30-teiliger Videokurs über den Prozess animierte Kurzfilme erstellen vom Start zum Ziel.
Wir haben diesen Kurs speziell für angehende Animationsfilmer konzipiert, die daran interessiert sind, ihre ersten Schritte zur Verwirklichung ihres eigenen Films zu unternehmen.
Die 6 Schritte der Animation
Wir haben über den Arbeitsablauf der Animationsfilmproduktion gesprochen, jetzt gehen wir auf die eigentlichen Schritte der Charakteranimation ein.
Hier sind die 6 Schritte der Animation:
- Referenzvideo für Aufnahmen
- Schlüsselposen
- Blockierung
- Keilwellenverzahnung
- Glättung
- Leben hinzufügen
Schritt 1: Referenzvideo aufnehmen
Dies ist ein sehr wichtiges und übersehen Schritt. Es ist seltsam, wie Leute wirklich glauben, zu wissen, wie bestimmte Handlungen aussehen und wie lange sie dauern, und es am Ende doch falsch machen.
Körperliche Handlungen sind etwas, das Sie Analyse erforderlich vor dem Animieren, insbesondere wenn Sie Anfänger sind.
Hast du ein Foto von einem Mann, der einen Baseball wirft? Suche auf YouTube nach Videos von Werfern, die Bälle werfen.
Gehen Sie nicht davon aus, dass Sie wissen, wie eine Handlung aussieht, nur weil Sie sie schon einmal gesehen haben.
Eine Handlung als eine Animator Das ist etwas völlig anderes, als es als Zuschauer zu betrachten.
Schritt 2: Posieren
Nachdem eine Referenzaufnahme gemacht wurde, ist es Zeit, das zu erstellen. Schlüsselposen des Schusses.
Diese Posen werden als Schlüsselposen bezeichnet, weil sie die wichtigsten Posen des Fotos sind. Sie vermitteln die Aussage des Fotos. Wir müssen sicherstellen, dass wir Die Posen richtig hinbekommenDenn darauf werden wir im weiteren Verlauf des Prozesses aufbauen.
Schritt 3: Blockieren
Sobald wir mit unseren Schlüsselposen zufrieden sind, beginnen wir. zusammenbrechen die Bewegung von jeder Pose zur nächsten durch Hinzufügen 'dazwischen' (auch bekannt als Breakdown-Posen oder Passing-Posen). Dies sind die Posen, die die Schlüsselposen miteinander verbinden.
Wir fügen immer mehr Posen hinzu, bis die Bewegung so gut wie möglich aussieht, ohne dabei die... Stufenmodus (Im Stufenmodus wird die Interpolation zwischen den Posen deaktiviert, was zu einer sehr abgehackten/blockartigen Bewegung führt).
Schritt 4: Splining
Splining ist ein Begriff aus der 3D-Animation. Es ist der Prozess, bei dem die Interpolation der Keyframes von trat ein zu Spline.
Anders ausgedrückt: Sie lassen den Computer die Bewegungen zwischen den einzelnen Posen verbinden, und das macht die Bewegung sehen glatter aus.
Das Problem ist, dass der Computer nicht sehr gut interpoliert. Er arbeitet nur mit den ihm zur Verfügung stehenden Daten. Deshalb sieht die Spline-Version umso besser aus, je besser die Blockierung ist.
Schritt 5: Verfeinerung & Ausgleich
Nachdem sich nun alle unsere Keyframes im Spline-Modus befinden, müssen wir sie bearbeiten. Wir haben die Animationskurven verfeinert und sichergestellt, dass die Bewegung flüssig aussieht.
Es ist auch eine gute Idee Offset einige der Aktionen, damit es nicht so aussieht 'Stopp und Start', als ob die Figur alle Bewegungen gleichzeitig ausführt.
Am Ende dieses Schrittes sollte Ihr Foto schon recht solide und fast fertig aussehen.
Schritt 6: Leben hinzufügen
Dieser Schritt macht besonders viel Spaß.
Die groben Animationsarbeiten sind bereits abgeschlossen, und es ist Zeit, hinzuzufügen kleine Unvollkommenheiten die dem Charakter Leben einhauchen.
Vielleicht ein zusätzliches Blinzeln oder ein Zucken der Mundwinkel hier und da. Der Unterschied zwischen den letzten beiden Schritten ist gering, könnte aber den Ausschlag geben zwischen gut Animation und groß Animation.
Animationssoftware
Nach der Frage „Wo fange ich an?“ ist Software wahrscheinlich das Thema, zu dem mir am häufigsten Fragen gestellt werden. Jeder möchte etwas über Tools wissen.
Ist es Maya? After Effects? Flash?
Hier ist eine Aufschlüsselung unserer Optionen, wenn Auswahl einer Animationssoftware basierend auf der Art der Animation:
3D-Animationssoftware
Dies ist eine Anfängeranleitung, daher mag 3D-Software für einige von Ihnen fortgeschritten sein, aber ich denke, es ist wichtig, sich mit den verfügbaren Optionen vertraut zu machen, damit Sie wissen, was Sie tun können. was die Branche verwendet und was Sie in Erwägung ziehen sollten, wenn Sie in diesem Bereich Karriere machen wollen.
Nachdem ich das alles gesagt habe, Mixer Es handelt sich um ein kostenloses Programm, daher können Sie gerne einfach mal reinschauen und damit experimentieren (mit Hilfe unserer...). Blender-Kurs), Und Maya bietet eine kostenlose Bildungslizenz an, sodass Sie, wenn Sie gerade erst anfangen, ohne gleich Geld investieren zu müssen, direkt loslegen können.
Autodesk Maya
Der Branchenstandard für Computeranimation. Wenn Sie professionell animieren möchten, ist dies das Programm Ihrer Wahl. 3D-Animations-, Modellierungs-, Simulations- und Rendering-Software mit einem integrierten, leistungsstarken Toolset. Nutzen Sie es für Animationen, Umgebungen, Motion Graphics, Virtual Reality und Charaktererstellung.
Preis: 195 $/Monat | Kostenlos für Studierende
Mixer
Blender ist ein kostenloses Open-Source-3D-Programm, das in einem Paket ein breites Spektrum an Funktionen für Modellierung, Texturierung, Beleuchtung, Animation und Videonachbearbeitung bietet. Dank seiner offenen Architektur zeichnet sich Blender durch plattformübergreifende Interoperabilität, Erweiterbarkeit, einen extrem geringen Speicherbedarf und einen nahtlos integrierten Workflow aus.
Preis: Frei
Cinema 4D
Cinema 4D ist ein der beste Freund eines Motion-Graphics-KünstlersEs handelt sich um ein 3D-Programm für After Effects-Nutzer. Es ist sehr intuitiv und arbeitet direkt mit After Effects zusammen, ohne dass vorher gerendert werden muss. Für professionelle 3D-Filmproduktionen wäre es nicht meine erste Wahl, da es von Grund auf für Motion Graphics konzipiert wurde, aber es ist ein erstaunlich vielseitiges Programm.
Preis: $ 59.99 / Monat
2D-Animationssoftware
2D-Animation ist Ein großartiger Ort, um anzufangen Ihre Reise in die Welt der Animation. Die meisten der unten aufgeführten Programme sind preiswert und relativ leicht zu erlernen.
Animieren CC , After Effects Sie eignen sich hervorragend, um mit 2D-Animationen zu experimentieren, sowohl in handgezeichneter Form als auch durch die Erstellung von Puppen, während Charakter Animator Es erfordert keinerlei Zeichenkenntnisse und nutzt Ihr Gesicht als Steuerung für die Animation. Und wenn Sie professionell arbeiten möchten, Toon Boom Harmony , TVPaint werden Ihre besten Optionen sein.
Animate CC (ehemals Flash)
Wahrscheinlich die beliebteste 2D-Animationssoftware Animate blickt auf eine lange Tradition in der Animationsproduktion zurück, die bis in die Anfänge der Internet-Videoveröffentlichung reicht. Die intuitive Benutzeroberfläche und der vergleichsweise günstige Preis machen es zu einer hervorragenden Wahl für den Einstieg in die 2D-Animation.
Lesen: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)
Preis: $ 20.99 / Monat
Toon Boom Harmony
Harmony ist eine hochentwickelte 2D-Software, die sich ideal sowohl für Einzelbildanimationen als auch für Rig-basierte Animationen eignet. Sie verfügt über fortschrittliche Funktionen. Rigging Systeme, Effekten , Kamera Werkzeuge. Es basiert auf Vektoren, aber die erweiterte Version bietet auch die Möglichkeit zum Zeichnen von Bitmaps.
Lesen: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)
Preis: $ 24 / Monat
TVPaint
TVPaint ist eine französische Animationssoftware. Die All-in-One-2D-Animationssoftware, die Sie jemals brauchen werden. Es ist definitiv robuster und komplexer als Photoshop, aber auch wesentlich teurer. Diese Software richtet sich an professionelle Animatoren und Studios.
Preis: 500 € (250 € für Studenten)
Charakter Animator
Ein neueres Animationsprogramm mit einer interessanten Besonderheit. Anstatt auf herkömmliche Weise zu animieren, verwendet Character Animator Ihre Webcam und Ihr Mikrofon. automatisch animieren ein vorgefertigter Charakter in Echtzeit, fast wie BewegungsaufnahmeDies ist eine hervorragende Option für Anfänger, da sie nur die geringste Animationserfahrung erfordert.
Preis: $ 20.99 / Monat
After Effects
Eine interessante Wahl für 2D-Animationen. After Effects bietet Ihnen eine hervorragende Kontrolle, wenn Rigs erstellen Für 2D-Animationen mit dem Puppen-Werkzeug und verschiedenen Gesichtsausdrücken. eine gute Wahl wenn Sie mit der Adobe-Umgebung bereits vertraut sind.
Preis: $ 20.99 / Monat
Stop-Motion-Software
Stop-Motion ist der Weg, wie viele junge, angehende Animatoren ihre ersten Erfahrungen sammeln. erste Animationserfahrung, mit Actionfiguren, Legosteinen oder sogar Knete.
Wir haben hier zwei sehr unterschiedliche Optionen aufgelistet. Die eine zielt darauf ab, Anfänger die Animation zum ersten Mal ausprobieren, und die andere ist eine professionelle Stufe Animationssoftware, die Ihre Arbeit auf die nächste Stufe heben soll.
Drachenrahmen
Dragonframe ist der Industriestandard für Stop-Motion-Animation und wurde in Filmen wie … verwendet. Kubo und die beiden Strings , Shaun das Schaf.
Wenn Sie ein professionelles Stop-Motion-Video erstellen möchten, ist Dragonframe die richtige Wahl. Das beste Werkzeug für die jeweilige Aufgabe. Die umfassende Software kann mit vielen verschiedenen Aufsätzen verwendet werden, wie zum Beispiel einem Gerät, das die Kamera, die Beleuchtung und sogar die Fokussierung steuert.
Preis: $295
Stoppen Sie Motion Studio
Stop Motion Studio ist eine Einsteiger-App für Stop-Motion-Filme, die mit allen Geräten und Plattformen kompatibel ist, die sich mit Digitalkameras, Smartphones oder Tablets verbinden lassen. So lassen sich einfach und unkompliziert großartige Stop-Motion-Videos erstellen. Die App ist ideal für alle, die gerade erst mit dem Filmen beginnen.
Preis: 4.99 $ (iOS/Android) | 9.99 $ (Mac/Windows)
Animationshardware
Die Hardware wird immer günstiger und die Software immer effizienter. Die meisten Animationsprogramme laufen auf den meisten modernen Computern, und Grafiktabletts sind mittlerweile sehr erschwinglich.
Hier ist eine kurze Liste unserer Empfehlungen für Animatoren aller Erfahrungsstufen:
Eines von Wacom
Die perfekte Wahl für Anfänger.
Dieser Einführungsniveau Das Wacom-Tablet ist der günstigste Weg, um in die Welt der Wacom-Tablets einzusteigen. mit einem Tablet. Dies ermöglicht es Ihnen, handgezeichnete Animationen mit kleinem Budget zu erstellen und kommt auch 3D-Animatoren zugute, da ein Grafiktablett in einem 3D-Programm oft einfacher zu bedienen ist als eine Maus.
Preis: 59 - 69€
Wacom Intuos Pro
Das Ganze auf die nächste Stufe heben.
Wenn Sie mehr Zeichenfläche benötigen oder ein Tablet für 3D-Animationen verwenden, Dies ist die beste Gesamtlösung für diese Aufgabe.Man sieht diese Tablets in den meisten Produktionsstudios, und es ist ein beliebte Wahl Für Animationsstudenten, die gute Arbeit leisten wollen, sich aber die teuren Cintiq-Tablets nicht leisten können. Es ist in drei Größen erhältlich, wobei Medium die beliebteste ist.
Preis: 230 - 479€
Wacom Cintiq Pro
Ich werde Profi.
Für hochwertige Animation Für professionelles Zeichnen ist das Wacom Cintiq die optimale Wahl. Es handelt sich im Prinzip um einen riesigen Monitor (13", 16", 24" oder 32"), auf dem man direkt zeichnen kann. Präzises Zeichnen wird damit deutlich einfacher und reaktionsschneller als mit einem herkömmlichen Grafiktablett, allerdings ist es auch wesentlich teurer.
Preis: 649 - 3299€
Computer
Das Schöne an der Verwendung von 2D-Programmen wie Animate CC oder auch Toon Boom ist, dass die meisten modernen Computer Sie können sie problemlos ausführen.
Wenn man sich mit 3D beschäftigt, kann es knifflig werden, muss es aber nicht. Wenn Sie riesige Welten mit komplexen Beleuchtungseinstellungen rendern, benötigen Sie einen leistungsstarken Computer mit einer teure GrafikkarteEs gibt aber auch andere Möglichkeiten:
- Den Großteil der Compositing-Arbeiten können Sie in Nuke erledigen, wie zum Beispiel Ich habe es für LIFT UP getan.
- Sie können eine Renderfarm wie diese verwenden: wir taten für Geschmackvoll.
Animationsbücher
Man könnte verschiedene Argumente dafür anführen, welches das beste Buch zum Erlernen von Animation ist, aber hier sind ein paar, die Ihnen helfen werden. Lerne und verfeinere deine Fähigkeiten, egal welche Art von Animator du werden willst.
Das Überlebenskit des Animators Richard Williams
Dieses Buch ist ein Bibel des AnimatorsEs behandelt umfassend die Grundlagen von Abständen, Timing, Gehen, Laufen, Gewichtung, Antizipation, überlappenden Aktionen, Einstellungen, Staggering, Dialogen, Tieranimation und vielem mehr. Es wird nicht umsonst als „Überlebenspaket“ bezeichnet.
Dieses Buch wird Ihnen beibringen ALLES, WAS SIE WISSEN MÜSSEN um deine Ausbildung zum Animator zu beginnen.
Cartoon Animation / Preston Blair
Das ursprünglich 1994 erschienene Buch „Cartoon Animation“ (auch bekannt als „The Preston Blair Book“) ist eine hervorragende Referenzquelle für die Erstellung von Animationen. Cartoon-Stil Animation.
Mit diesem Buch lernen Sie, wie man eine Comicfigur entwickelt, dynamische Bewegungen erzeugt und Dialoge durch Aktionen zum Leben erweckt.
Die Illusion des Lebens / Frank Thomas und Ollie Johnston
Dieses Buch begann als Animationsleitfaden und entwickelte sich zu einer detaillierten Untersuchung der Fortschritt der Animation, sowohl innerhalb der Disney-Studios als auch in der Welt des Animationsfilms im Allgemeinen.
Verfasst von zwei der neun alte Männer Wer hat den Disney-Animationsstil geprägt? Dieses Buch führt den Leser durch alle Schritte der Entdeckung und Erforschung dessen Die besten Animationsmethoden.
Einstellungen für Ihre Aufnahmen / Jeremy Vineyard
Ein großartiges Buch, um ein grundlegendes Verständnis von Bildkomposition und Kamerabewegung zu erlangen und so Geschichten besser zu erzählen und Filme zu machen.
Dieses Buch eignet sich hervorragend sowohl für Filmneulinge als auch für erfahrene Filmemacher, die nach großartigen Einstellungsbeispielen suchen.
Animationskurse
Bloop Animation ist in erster Linie ein Animationslernplattform mit Premium-Videokursen. Einige konzentrieren sich auf Software. (wie Maya oder Animate CC), während andere Ihnen spezifische Kenntnisse vermitteln. Fähigkeiten (wie Animationsgrundlagen oder Storyboarding).
Online-Kurse sind in den letzten Jahren unglaublich populär geworden und sind jetzt hochproduziert, und ein sehr wirksam Alternative zu traditionellen Schulen.
Warum?
Es ist billiger. Viel billiger.
Kunsthochschulen sind wahnsinnig teuer. 20 bis 40 Dollar pro Jahr auszugeben (und sich dabei höchstwahrscheinlich zu verschulden) ist eine enorme Entscheidung, die sich immer weniger lohnt.
Online-KurseSelbst die teuren Programme kosten nur ein paar Hundert Dollar (vielleicht ein paar Tausend, wenn man ein mehrmonatiges Online-Zertifikatsprogramm absolviert). Das ist weit entfernt von den Kosten eines traditionellen Kunststudiums. Dadurch wird es viel günstiger. Einfacher zugänglich für eine breite Palette von Künstlern, die in der Vergangenheit ihre Träume aufgeben oder sich Unmengen an Geld leihen mussten.
Es ist eine tolle Probefahrt.
Vielleicht ist Animation einfach nichts für dich? Wäre es nicht toll, das herauszufinden, bevor du Zehntausende von Dollar und wertvolle Lebensjahre investierst?
Die Teilnahme an einem Online-Animationskurs ist eine Eine günstige und effiziente Methode, um herauszufinden, ob Sie der Aufgabe gewachsen sind. Schau es dir an und entscheide, ob es dir gefällt. Du kannst dich später immer noch für ein Studium entscheiden, aber das ist eine großartige Möglichkeit, dich zu informieren und sicherzustellen, dass dieser Weg der richtige für dich ist.
Man braucht sowieso nicht unbedingt einen Hochschulabschluss.
Einer der Vorteile der Arbeit in einer kreativen Branche wie der Animationsbranche ist, dass Ihre Arbeit spricht lauter als jede Qualifikation in Ihrem Lebenslauf.Wenn dein Demoband gut ist, wirst du eingestellt. Es interessiert niemanden, welche Schule du besucht hast.
Sie können sie während der Arbeit einnehmen.
Ein großer Vorteil von Online-Kursen ist, dass man sie belegen kann, wann immer man möchte. Freizeit.
Wenn Sie aus einem anderen Beruf kommen und Vollzeit arbeiten, können Sie diese Kurse an Wochenenden, abends und in der Mittagspause belegen.
Sie können Ihren eigenen Lernpfad gestalten.
Einer der großartigen Vorteile von Online-Bildung ist, dass man Quellen aus verschiedenen Orten kombinieren kann.
An einer traditionellen Schule muss man sich an den Lehrplan halten (normalerweise 3-4 Jahre) und oft viele Kurse belegen. Sie haben kein Interesse anoder die nicht wirklich zu Ihrem persönlichen Entwicklungsweg beitragen. Mit Online-Kursen können Sie Ihren eigenen Lernweg gestalten.
Ja, Unseren Kursen Es gibt zwar einen vorgegebenen Lernpfad, dem du folgen kannst, aber dieser besteht ausschließlich aus Dingen, die du zum Animieren unbedingt wissen musst. Außerdem kannst du Lektionen, die du für irrelevant hältst, jederzeit überspringen.
Es ist eine hervorragende Möglichkeit, Ihre Ausbildung optimal zu nutzen.
Online-Kurse können Ihnen Vorteile bringen WÄHREND ein Student in einem traditionellen Studiengang sein.
Als ich auf die Kunsthochschule ging, suchte ich ständig nach Online-Tutorials (Online-Kurse waren damals noch nicht so verbreitet, aber es gab schon einige) und schaute mir alles an, was ich in die Finger bekommen konnte.
Das während der Schulzeit tun, wirklich Ich habe meine Fähigkeiten weiterentwickelt und hat mich motiviert, härter zu arbeiten und besser zu werden. Die Schule kann einen nur bis zu einem gewissen Punkt bringen und einem die richtige Richtung weisen, aber es liegt an einem selbst, sich selbst anzutreiben, um sein Handwerk zu meistern.
Hier finden Sie die vollständige Liste unserer Videokurse:
Videokurse
Einstieg in die Animationsbranche
Wie geht es also mit dem nächsten Schritt weiter? Was, wenn Sie Animation zu Ihrem Beruf machen möchten? Werdegang?
Wie gelingt der Einstieg?
Animatoren benötigen im Allgemeinen drei Dinge, um in der Branche einen Job zu bekommen:
- A fortsetzen.
- A solide Demoband.
- A Portfolio-Website mit eigener Domain. Nichts davon. john.wordpress.com Mist. Schau dir das mal an großartige WordPress-Vorlagen um dir das Leben leichter zu machen.
In vielen Berufen ist ein guter Lebenslauf oder ein aussagekräftiges Anschreiben der wichtigste Faktor für die Jobsuche. Dies gilt insbesondere für Animatoren und Visual-Effects-Künstler. Es dreht sich alles um die Demorolle.
Über die Jahre habe ich viele Demobänder für mich selbst erstellt und Dutzende von anderen gesehen. Bevor Sie Ihr Band an diverse Studios schicken, bitte ich Sie inständig: Lesen Sie unseren Demoband-LeitfadenIch habe eine Menge Informationen gesammelt über Wie man eine aussagekräftige Demo-Reel für Animationsfilme erstellt, die einem tatsächlich einen Job einbringt. Lass es nicht aus.
Ich habe also ein Demoband. Und jetzt?
Da ich Sie nicht persönlich kenne, gebe ich Ihnen den besten Rat, von dem ich glaube, dass er den meisten Menschen nützen würde: Der beste Weg, Aufmerksamkeit zu erregen, ist Dinge erschaffen.
Ein Bachelor-Abschluss in Animation oder ein Diplom einer Online-Schule ist definitiv hilfreich, aber keine Garantie. ein Beruf nach dem Abschluss.
Weißt du, was ich am Tag nach meinem Abschluss gemacht habe?
Ich habe weiter an Animationen für mein Showreel gearbeitet. Und das habe ich jeden Tag gemacht, bis ich meinen ersten Auftrag bekam. freiberufliche ArbeitUnd nach der Arbeit habe ich weiter an weiteren Aufnahmen gearbeitet, damit ich für die Zeit nach Abschluss des freiberuflichen Projekts bereit bin.
Du musst immer weitermachen. Immer.
Es bleibt immer genügend Zeit, an deinem Showreel zu arbeiten, besonders im ersten Jahr deiner Animationskarriere. Wenn du Material zu deinem Showreel hinzufügst, beachte bitte unsere Tipps. Richtlinien für Demobänder damit Sie Ihre Zeit nicht verschwenden.
Wenn Sie Erschaffe weiterhin Dinge Indem Sie Ihre Bewerbungen veröffentlichen und sich ständig bei Studios bewerben, werden Sie irgendwann bemerkt und eingestellt.
Karrierewege für Animatoren
Film / Fernsehen
Der naheliegendste Karriereweg (wenn auch nicht der einfachste) ist die Arbeit an Filmen und Fernsehsendungen (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network usw.).
Auch wenn die gängigste Vorstellung von der Arbeit eines Animators die Animation von Figuren wie Wall-E oder dem Hund in „Oben“ ist, findet ein Großteil der Animationsarbeit in dieser Branche auch im Bereich der visuellen Effekte und der mechanischen Animation in Realfilmen statt. Fast jeder effektreiche Realfilm, den man sieht, nutzt Animatoren in irgendeiner Form.
Der Großteil der Arbeit in der Film- und Fernsehbranche findet in Kalifornien statt, und es kann Jahre dauern, bis man bei den großen Studios Fuß fassen kann.
Werbung
Die Arbeit in der Werbebranche erfordert andere Fähigkeiten als die im Film- und Fernsehbereich. Zwar animiert man auch hier Charaktere, aber der Produktionsablauf ist deutlich kürzer, und man wird eher mit unterschiedlichen Aufgaben betraut, anstatt sich zu spezialisieren.
Kommerzielle Aufträge bestehen häufiger aus Motion Graphics als aus Charakteranimationen. Daher sind Kenntnisse in After Effects und/oder Cinema 4D relevanter, wenn Sie in diese Richtung arbeiten möchten.
Die Animation von Werbespots ist vielleicht nicht das, was Sie ursprünglich als Animator anstreben, aber es kann trotzdem sehr viel Spaß machen, und es gibt viel mehr Arbeit, und die Drehorte sind fast kein Problem, da die meisten Großstädte Produktionsfirmen haben, die in gewissem Umfang Werbespots produzieren.
Vorvisualisierung (Previz)
Ein weniger bekanntes Feld für Animatoren ist die Previz-Arbeit. Previz-Animatoren erstellen eine Vorvisualisierung des Projekts (Werbespot, Film usw.), indem sie temporäre Figuren in einer simulierten Umgebung animieren, um dem Regisseur einen Eindruck von den Einstellungen und der Bildkomposition zu vermitteln.
Sie werden überrascht sein, wie viele Studios und Produktionsfirmen Previs nutzen, und einige Unternehmen haben sich sogar ausschließlich auf die Erstellung von Previs für verschiedene Produktionen spezialisiert.
Angesichts des massiven Wachstums des Einsatzes von Previz in Werbung, Fernsehen und Film können Previz-Animatoren in einer Vielzahl von Bereichen und an verschiedenen Orten Arbeit finden. Als angehender Animator haben Sie jedoch möglicherweise nicht die Möglichkeit, Ihre beste Arbeit zu leisten (da Animationen schnell erstellt werden müssen und Qualität keine große Rolle spielt) und Ihre Arbeit wird tatsächlich nicht von einem Publikum gesehen.
Video-Spiele
Die Videospielbranche ist riesig und bietet Animatoren zahlreiche Arbeitsmöglichkeiten. Die Aufgaben reichen von Motion-Capture über vollständige Charakteranimationen bis hin zur Erstellung von Animationszyklen, die sich durch das gesamte Spiel ziehen.
Wer schon mal ein Blizzard-Spiel gespielt oder Zwischensequenzen aus Final Fantasy gesehen hat, weiß, dass Videospiele einige der großartigsten Animationswerke hervorgebracht und die Technologie ebenso stark vorangetrieben haben wie Filme. In dieser Branche zu arbeiten, kann sehr viel Spaß machen und bietet Animatoren sowohl in 3D als auch in 2D vielfältige Einsatzmöglichkeiten.
Motion Graphics
Ich habe Motion Graphics bereits im Zusammenhang mit meiner Arbeit an Werbespots erwähnt, aber Motion-Graphics-Künstler arbeiten an einem viel breiteren Spektrum von Projekten. Von Erklärvideos über Eventprojektionen bis hin zu Software-UI-Demonstrationen.
Das Leben eines Motion-Graphics-Künstlers ist oft das Leben eines Freiberuflers, der von einem Projekt zum nächsten springt und dabei hauptsächlich After Effects (manchmal in Kombination mit Cinema4D) verwendet.
Unabhängig
Eine neue, aufstrebende Art von Animatoren sind die unabhängigen Animatoren. Sie nutzen hauptsächlich YouTube als ihre Hauptplattform und bestreiten ihren Lebensunterhalt durch Werbung, Sponsoring, Merchandise und vieles mehr. diese Animatoren ständig an der Oberfläche.
Andere Animationsfilmer können Crowdfunding nutzen, um ihre Filme zu finanzieren, oder Studios dazu bringen, ihre Filme mit einem Indie-Budget zu finanzieren.
Direktor
Anders als bei den meisten Berufen gibt es keinen klar definierten Weg zum Regisseur.
Gehen zu Filmschule Eine Regiestelle ist danach keine Garantie, und online findet man nur selten Stellenanzeigen für Regisseure. Manche schaffen es mit 21, andere versuchen es ihr ganzes Leben lang und schaffen es nie.
Dasselbe gilt für das Sein als AnimationsdirektorManche beginnen als Animatoren, andere als Storyboard-Zeichner und wieder andere wechseln vom Realfilm, ohne jemals zuvor einen Tag animiert zu haben.
Wie wird man also Animationsregisseur?
Animationsregisseure wie Andrew Stanton, Richard Williams und John Lasseter waren Animatoren, bevor sie Regisseure wurden, und das ist wahrscheinlich der üblichere Weg, da Animatoren sehr stark in den erzählerischen Aspekt des Films eingebunden sind.
Der Pfad wäre also:
- Lass dich bei einem großen Studio wie Disney einstellen.
- Man arbeitet sich die Karriereleiter hoch, bis man Direktor wird.
Aber natürlich ist es nicht so einfach.
Zunächst werden Sie viele Jahre als Junior-Animator arbeiten, und es wird wahrscheinlich fast ein Jahrzehnt dauern, bis Sie überhaupt in Erwägung gezogen werden, zum Regisseur ernannt zu werden. Und selbst dann stehen die Chancen praktisch bei null.
Für mich erscheint der Weg, zehn Jahre lang als einer von Hunderten anderen Animatoren zu arbeiten, nur in der Hoffnung, vielleicht bemerkt zu werden, nicht sehr sicher.
Stattdessen habe ich einen kleinen Würfel und eine kleine Kugel geformt und daraus gemacht. mein eigener FilmUnd dann habe ich Folgendes gemacht noch einerUnd ich werde wahrscheinlich weitermachen.
Und wisst ihr was? Ich bin Regisseur geworden. Niemand hat mir offiziell die Regielizenz erteilt, ich habe einfach Filme gemacht. Und tDas Einzige, was ich Ihnen mit Sicherheit sagen kann, um Regisseur zu werden, ist: Fangen Sie an, Filme zu drehen.
Okay, ich muss also meine eigenen Filme machen, und was nun?
Wenn Sie den Weg des Regisseurs einschlagen und Ihre eigenen Filme machen wollen, schlage ich vor, damit anzufangen mit KurzfilmeEinen Spielfilm zu drehen ist ein Ziel, dessen Verwirklichung sehr lange dauern kann und das für Animationsfilmer, die gerade erst anfangen, kein realistisches Ziel darstellt.
Was den Inhalt Ihrer Filme angeht, schlage ich vor, sich auf sehr einfache Charaktere/Umgebungen zu beschränken und sich auf Folgendes zu konzentrieren: gute Geschichte.
Als ich mit der Arbeit an HochhebenDie Geschichte selbst entstand aus meinen begrenzten Modellierfähigkeiten. Deshalb geht es im Film um einen Würfel und eine Kugel. Wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, lesen Sie unseren Artikel. vollständiger Guide Für die Erstellung eines animierten Kurzfilms. Es ist kostenlos.
Fokus auf Erzählfähigkeiten
Die wichtigsten Fähigkeiten eines guten Regisseurs sind gutes Geschichtenerzählen sowie ein Gespür für Erzähltempo, Bildkomposition und Schauspiel. Diese Fähigkeiten sollte auch ein guter Animator besitzen; daher könnte es Ihnen leichter fallen, wenn Sie aus dem Animationsbereich kommen.
Konzentriere dich darauf, diese Fähigkeiten in deinem Kurzfilm unter Beweis zu stellen und interessante Bildkompositionen und eine gelungene Kameraführung zu zeigen. Genau das erwarten die Zuschauer von einem Regisseur: Nicht aufwendige Renderings oder komplexe Modellierungen, sondern gutes Storytelling.
Vergiss nicht: Niemand kann dich zum Regisseur machen. Das muss von dir selbst kommen.
Werkzeuge und Ressourcen
Erste Schritte mit Animation
- Die 5 Animationsarten: Dieser Leitfaden erklärt die fünf verschiedenen Animationsarten und was du für den Einstieg benötigst. Beste Software, beste Schulen und mehr.
- Die besten Animationsschulen: Eine sorgfältig zusammengestellte Liste der besten Animationsschulen der Welt.
- Animationsstudios: Ein detaillierter Leitfaden zu den besten Animationsfilmproduktionsstudios
- Animationssoftware – Welche sollten Sie verwenden? Eine Aufschlüsselung der Optionen, die Ihnen zur Verfügung stehen, wenn Auswahl Ihrer Animationssoftware.
- Warum man nicht zeichnen können muss, um 3D-Animator zu werden: Du hast keine Ausreden mehr!
- Umstieg auf ein Wacom-Tablet für 3D-Animationen: Wie man vom Mausprogramm zum 3D-Animieren mit einem Grafiktablett wechselt.
- Jetzt mit dem Animieren beginnen – für weniger als 100 Dollar: In diesem Artikel zeige ich Ihnen, wie Sie mit weniger als 100 Dollar wie ein Profi animieren können.
Wie man einen Animationsfilm macht
- Die Entstehung von Tasteful: Alle Schritte der Filmproduktion, von Anfang bis Ende, so einfach wie möglich erklärt.
- Die Entstehung von LIFT UP: Alle Videos, die die Entstehung von LIFT UP dokumentieren, an einem Ort.
Erstellen Sie Ihr Portfolio
- Erstellung einer Animations-Demo-Reel – Der vollständige Leitfaden: In vielen Berufen ist ein guter Lebenslauf oder ein aussagekräftiges Anschreiben der wichtigste Faktor für die Jobsuche. Dies gilt insbesondere für Animatoren und Visual-Effects-Künstler. Es dreht sich alles um die Demorolle.
- Beleuchtung und Rendering Ihrer Animations-Demo-Reel: Ein Video-Tutorial, das ein grundlegendes Beleuchtungs-/Rendering-Setup erklärt, damit Ihre Demo-Reel glänzt.
- Erstellung einer Portfolio-Website: Unsere Schritt-für-Schritt-Anleitung zur Erstellung einer professionellen Portfolio-Website von Grund auf.
- So installieren Sie ein WordPress-Theme für Ihre Portfolio-Website: Eine Schritt-für-Schritt-Anleitung zur Installation eines WordPress-Themes.
- Die besten WordPress-Portfolio-Themes: Eine eigene Website, auf der man seine Arbeiten präsentieren kann, ist extrem wichtig. Eine der einfachsten Möglichkeiten, eine Portfolio-Website einzurichten, ist die Verwendung von WordPress-Themes.
- Warum einen zweiten Film drehen? Wenn Sie bereits einen Film gedreht haben, erfahren Sie hier, warum Sie mit der Arbeit an Ihrem nächsten Film beginnen sollten.
Rigs
- Bloops ultimatives Ball-Rig: Ein kostenloses, skalierbares Hüpfball-Rig für Maya mit Squash- und Stretch-Funktion.
- Die besten kostenlosen Maya-Rigs: Die Verwendung kostenloser Rigs eignet sich hervorragend für Animationsübungen oder für Füge Aufnahmen zu deinem Showreel hinzu.
Anregung
- Was ich nach meinem Abschluss gemacht habe: Meine Abschlussgeschichte und alles darüber, wie ich mich selbst ausgewählt habe
- 5 Gründe, warum du kein Animator wirst: Falls Sie noch einen kleinen Anstoß brauchen, lesen Sie dies.
- Was mir Ratatouille und die Monster Uni über das Künstlerdasein beigebracht haben: Ein zum Nachdenken anregender Artikel über die Lehren, die man aus zwei großartigen Pixar-Filmen ziehen kann.
- Die besten Animationsdokumentationen: Die lehrreichsten und inspirierendsten Filme über die Animationsbranche und ihre Akteure.
Unsere Kurzfilme
Was kommt als Nächstes?
Nachdem Sie diese (sehr) lange Anleitung nun gelesen haben, liegt es an Ihnen.
Keine Ausreden mehr. Mach etwas Großartiges! Du weißt, wo du anfangen sollst.
- Morr Meroz
