Animação para Principiantes (Por onde começo?)

Animação para Principiantes

Por onde começo?

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Uma das perguntas mais comuns que eu recebo (quase diariamente) é:

"Eu quero entrar na animação. Por onde começo?"

Neste guia enorme eu tento cobrir (quase) tudo o que se precisar de saber sobre animação para quem está a tentar entrar na indústria da animação.

Vou cobrir alguns dos conceitos básicos de animação, vocabulário, princípios, software, hardware, livros, cursos, assim como algumas das opções para pessoas que querem entrar na indústria da animação, mas estão sobrecarregadas ou intimidadas.

Vou rever o que é animação, o que é preciso para fazer filmes de animação (2D ou 3D), e até como começar a procurar um emprego na indústria.

Fácil de aprender, difícil de Dominar

É mais fácil entrar na animação hoje do que nunca.

O software está a ficar mais barato (ou até mesmo gratuito), e a maioria dos computadores modernos pode lidar com as tarefas de animação mais simples (principalmente 2D).

O senão é que embora qualquer um possa começar a animar agora mesmo, a arte da animação ainda leva tempo a dominar.

A boa notícia é que...

Não precisa de ser um animador da Disney para criar animações realmente boas.

Você pode começar pequeno e simples e lentamente desenvolver as suas habilidades e estilo único. Nem precisa de saber desenhar bem.

E também...

Construímos um curso inteiro dedicado à compreensão dos princípios básicos da animação, para que possa cobrir seus princípios básicos antes de passar para a animação. É este aqui, logo abaixo.

Curso de Fundamentos de Animação

Aprenda os princípios básicos da animação de personagens, incluindo um levantamento dos diferentes tipos de animação, vocabulário básico, e os 12 princípios da animação. Se está apenas a começar e quer ter certeza de que os básicos estão cobertos - este curso é o melhor lugar para começar.

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O que é Animação?

Animação é a arte de dar vida a um objeto inanimado, ou personagens ilustrados / gerados em 3D.

É criada através da projeção rápida de imagens sequenciadas, uma após outra, para criar a ilusão de vida.

Mas essa não é realmente a primeira coisa que se imagina quando se ouve a palavra Animação... não é?

Isso são apenas coisas técnicas...

Deve estar a pensar na Disney, Pixar, ou na Ghibli. Nós vamos chegar lá...

A parte mais importante de tudo isto é a palavra vida. Trazer vida é a verdadeira essência do trabalho do animador. E há muitas maneiras de fazer isso.

Pode ser através de desenho.

Poderia ser ao mover rigs de personagens num software 3D.

Pode ser com bonecos, personagens recortadas ou figuras de lego.

Então o que é que ser um animador significa?

Antes de passarmos à ação, podem assistir a este vídeo onde eu explico as diferenças entre animar em 2D e 3D. Isto dar-vos-á uma ideia do que um animador realmente faz.

Pode também dar-lhe uma pista sobre a direcção que quer seguir.

Vocabulário de Animação

Agora que cobrimos a ideia básica do que é animação, é importante entender o vocabulário e termos especializados utilizados na animação e na realização de filmes indústria.

Estes termos surgirão com frequência, por isso, vamos tirar alguns minutos para os rever:

Cronograma/Linha do tempo

O cronograma é a parte do software de animação que representa o progresso da animação ao longo do tempo.

Dependendo do software, podemos usar o cronograma para fazer alterações no tempo da animação, assim como a posição dos elementos.

Taxa de Quadros/Frames

A taxa de frames de uma animação é o número de imagens individuais (ou frames) que estão a ser exibidas no espaço de um segundo. É uma definição que se pode ajustar no software de animação.

Animação, no geral, é normalmente feita a 24 frames por segundo (FPS).

Trabalhar em Uns/One's & Dois/Two's

Trabalhar em One's ou Two's é um termo usado em animação desenhada à mão.

Trabalhar em uns (ones) significaria fazer um novo desenho para cada um dos quadros (frames) da animação.

Trabalhar em dois (twos) significa segurar cada desenho por dois quadros, então um segundo de animação a 24 quadros por segundo seriam apenas 12 desenhos, não 24.

Na animação 2D, trabalhar em dois parece bem na maioria dos casos, e há até casos em que os desenhos podem ser segurados por mais tempo. Em 3D, no entanto, trabalhar em uns é o padrão.

Planos e Cenas

Normalmente, na produção de filmes de ação ao vivo, o termo 'plano' refere-se às imagens entre as edições da câmera, enquanto uma cena são todos os planos e diálogos que ocorrem num determinado local por um bloco de tempo contínuo.

Na animação, no entanto, usamos frequentemente os termos 'cena' e 'tiro' intercambiavelmente. Quando falamos de uma cena/shot, muitas vezes nos referimos a uma peça de animação contínua específica entre cortes de câmera.

Quadros-chave | Breakdowns | Inbetweens

Os quadros-chave, os breakdowns e os in-betweens são termos importantes, mas significam coisas ligeiramente diferentesdependendo no tipo de animação.

Na animação desenhada à mão, os quadros-chave (ou apenas chaves [keys]) são as principais poses importantes que definem a cena. Breakdowns surgem entre chaves e definem qual será o movimento de chave para chave. Os in-betweens são todos os quadros que entram entre eles para suavizar o movimento.

Em 3D, um quadro-chave é qualquer posição no cronograma onde o animador define a posição da personagem. In-betweens (frames de interpolação) são todos os quadros que o computador interpreta ou gera automaticamente para mover o personagem de quadro chave para quadro chave.

Quadros-chave

Breakdowns

Frame de interpolação

Imagens tiradas de O Kit de Sobrevivência do Animador / Richard Williams

Temporização | Espaçamento | Easing

O tempo, o espaçamento e a suavização são termos intimamente relacionados.

A temporização significa o número total de quadros que serão utilizados para um movimento. O espaçamento é a quantidade de mudança que vem entre cada fotograma. Diminuir o espaçamento, torna um objecto mais lento, enquanto que aumentar o espaçamento faz com que pareça mais rápido.

Na animação digital, a facilidade é como o espaçamento é controlado, geralmente através de um motion graphic no cronograma.

Onion Skinning

Ao animar, é muito útil poder ver mais do que um quadro de cada vez.

Na animação em papel isto é feito tendo vários desenhos numa mesa de luz, mas nos programas de animação modernos ggggggg há muitas vezes uma funcionalidade chamada "descascamento de cebola" (onion skinning). Permite ver representações semi-transparentes dos quadros atrás ou à frente do quadro atual em que se está a traba

Composição

Compor é o processo de juntar todas as peças individuais de uma cena para criar a saída visual final.

Pode estar um fundo, múltiplas personagens, e alguns cenários a serem desenvolvidos separadamente. A composição é como todas essas peças se juntam numa única cena.

Os 12 Princípios da Animação

A base de qualquer educação em animação são os 12 princípios da animação.

Os 12 princípios foram um conjunto de conceitos centrais desenvolvidos nos anos 30 pelos animadores dos estúdios Walt Disney enquanto transicionavam de fazer curtas-metragens para longas-metragens. Foi um processo gradual de descoberta e refinamento à medida que os animadores tentavam levar o seu trabalho a um padrão superior..

Estes 12 princípios foram compilados pela primeira vez pelos lendários animadores Frank Thomas e Ollie Johnston em 1981, no seu livro A Ilusão da Vida.

Os princípios são sobre criar a ilusão de vida. Eles ajudam-nos a criar personagens que parecem ter peso, personalidade e existir num mundo real com uma física real a trabalhar.

Apesar de terem sido desenvolvidos por animadores 2D, eles ainda se aplicam a animação 3D e qualquer outro tipo de animação.

1. Comprimir e esticar (Squash and Stretch)

Squash e stretch descrevem como um objeto muda de forma em resposta às forças que agem sobre ele.

Squash é quando o objeto é comprimido por um impacto de uma força oposta. Stretch é quando um objeto é distendido porque algo o puxa, ou devido a um movimento rápido.

2. Antecipação

A antecipação é um movimento menor que vem antes de um movimento maior e sinaliza que o movimento maior está prestes a acontecer.

3. Encenação

A encenação é a apresentação de uma cena de forma a tornar o conteúdo da cena o mais claro possível, e a função narrativa da cena o mais forte possível.

4. Animação direta e pose a pose (Straight Ahead Action e Pose to Pose)

Straight ahead e pose-a-pose são abordagens diferentes para a animação.

Straight ahead significa criar cada novo quadro em sequência do princípio ao fim. Pose-to-pose significa criar primeiro as poses chave para cada acção, e depois preencher as poses intermediárias.

5. Continuidade e sobreposição da ação (Follow Through e Overlapping Action)

A ação de acompanhamento e sobreposição refere-se à tendência das diferentes partes de um corpo para se moverem a velocidades diferentes.

Isto inclui o conceito de arrastamento, que é quando uma parte do corpo fica para trás quando um movimento começa.

6. Aceleração e desaceleração (Slow In and Slow Out)

Slow-in e slow-out referem-se à tendência dos objectos a acelerarem gradualmente (e depois desacelerarem) quando se movem de uma posição para outra.

Estes são por vezes referidos como ease-in e ease-out, ou simplesmente easing.

7. Arcos

O princípio dos arcos provém da observação de que os seres vivos não se movem em linhas retas, mas sim em movimentos curvos.

A criação de arcos claros e graciosos eleva frequentemente a animação e revela o nível de experiência do animador.

8. Ação Secundária

Ação secundária refere-se a movimentos (ou gestos) menores que suportam as ações primárias de uma personagem.

Estas ações tornam a cena mais clara, enfatizando a atitude ou motivação por trás do movimento.

9. Temporização (Timing)

O timing é controlar a velocidade de uma ação através do número de frames utilizados para a representar.

É um dos mais fundamentais dos 12 princípios e leva anos a ser dominado.

10. Exagero

O exagero significa representar um tema de uma forma elevada ou mais extrema, em vez de estritamente realista, a fim de impulsionar ainda mais a sua animação.

11. Desenho Sólido

Desenho sólido significa colocar personagens de uma forma que cria uma sensação de volume, peso e equilíbrio.

O desenho para animação requer ser capaz de desenhar personagens de qualquer ângulo ou pose, tendo em mente a tridimensionalidade.

12. Apelo

Apelo é um termo amplo para quaisquer qualidades do design de uma personagem que os torna inerentemente atraentes de se ver.

Isto inclui o design da personagem, assim como a forma como a personagem é animada.

Para um olhar mais profundo sobre os 12 princípios...

Sugerimos que veja o nosso Fundamentos da Animação curso.

Cobre os princípios básicos da animação de personagens, e aprofunda cada um dos 12 princípios da animação, bem como os fluxos de trabalho e técnicas básicas de animação. Se está apenas a começar e quer ter a certeza de que os básicos estão cobertos - este curso é o melhor lugar para começar.

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Tipos de Animação

Existem muitos tipos diferentes de animação, alguns dos quais provavelmente já conhece, então vamos fazer um rápido resumo dos diferentes tipos de animação e quais são as diferenças e semelhanças.


Animação 3D

Toy Story 4 | Estúdios de Animação da Pixar

3D, também conhecido como CGI (imagens geradas por computador), é o tipo mais popular de animação para filmes de longa-metragem atualmente, e tornou-se comum também na TV e em curtas-metragens.

Este é também o mesmo tipo de animação usada para criar personagens digitais para filmes de ação ao vivo e animação para videojogos.

Um animador usa um fantoche digital (chamado de "character rig") para posicionar a personagem, e depois usa um sistema de caminhos de movimento (ou splines) para definir o movimento da personagem entre essas poses

O computador procede à interpolação dos quadros da animação entre os quadros-chave. O animador então refina esses frames até que eles fiquem satisfeitos com a animação.

A animação 3D é um processo tecnicamente intensivo, que muitas vezes envolve muitos especialistas separados para modelar o personagem, montá-lo com ossos e controlos, animá-lo, e depois texturizá-lo e iluminá-lo para a versão final.


Animação 2D desenhada à mão

O Livro da Selva | Produção Walt Disney

O primeiro tipo de animação 2D pode ser chamado de animação tradicional ou animação celuloide. Prefiro o termo animação desenhada à mão porque isso define o seu aspecto mais importante - o facto de ser desenhada à mão.

Este é o tipo clássico de animação com que provavelmente está mais familiarizado. Antigamente, os animadores desenhavam personagens quadro a quadro, e depois esses desenhos eram transferidos para folhas de acetato transparente chamadas celuloides para pintura. É daí que vem o termo animação cel.

Durante os anos 90, quase todos os estúdios de animação deixaram de usar cels e começaram a digitalizar desenhos para o computador para colorir digitalmente, e agora muitos animadores de desenhos à mão saltam completamente o papel e desenham directamente para o computador usando um tablet ou monitores Wacom Cintiq.

Assim, a animação desenhada à mão poderia ser feita inteiramente analógica ou inteiramente digital, ou alguma mistura das duas. O importante é que os animadores de desenho à mão ainda criam as suas animações quadro a quadro usando as mesmas técnicas e princípios dos velhos tempos do papel e dos cels.


Animação Vetorial 2D

Rick e Morty | Adult Swim

Hoje em dia existem novas formas de criar animação 2D usando um boneco digital 2D. São personagens 2D que são construídos com um sistema de ossos e controles que podem ser manipulados de uma forma semelhante a um equipamento de personagens 3D.

A diferença entre os personagens 2D manipulados e os desenhados à mão pode ficar um pouco confusa. Programas como Toon Boom Harmony e Adobe Animate CC permitem-lhe misturar e combinar perfeitamente animação desenhada à mão com técnicas de fantoches 2D, por vezes até dentro da mesma personagem.

Uma personagem pode ter ossos que deixam o animador criar poses, mas também ter outras partes que são animadas à mão.


Animação de Stop Motion

Kubo e as Duas Cordas | Laika

O stop motion tem várias variantes, mas todas elas envolvem a manipulação de objectos do mundo real. Estes objectos são movidos ligeiramente, e fotografados um quadro de cada vez. Quando mostrados em sequência, estes quadros criam a ilusão de movimento.

Em stop motion de ponta, como os criados pela Laika (Coraline, Kubu e as Duas Cordas), um boneco especialmente preparado é filmado num palco em miniatura.

Claymation (animação com argila) é uma técnica semelhante. Nela são utilizados personagens maleáveis, embora geralmente sejam feitos de uma substância chamada plasticina, e não de argila propriamente dita.

Você também pode fazer stop motion com bonecos normais, e objetos, como todas aquelas grandes animações de Lego que se podem encontrar no YouTube.

Outra variação do stop motion é a animação de recorte de papel. Neste estilo, os personagens são construídos a partir de formas de papel. Eles são então movidos e fotografados quadro a quadro, tal como um fantoche de stop motion. Foi assim que o South Park foi originalmente animado.

Outro tipo raro de stop motion é chamado pixelation. Na pixelação, são usadas pessoas reais em vez de bonecos.

Todos estes tipos de stop motion partilham uma característica importante:

Todos eles têm de ser filmados continuamente, o que significa começar no frame um e filmar cada frame um após o outro, até ao fim da cena.

Se for cometido um erro num quadro, é muito difícil consertá-lo sem ter de começar tudo de novo. Não se pode simplesmente redesenhar esse frame como se pode em animação 2D. Isto torna este tipo de animação particularmente intenso e requer muita paciência.


Animação de Motion Graphics

Motion graphics

A última grande categoria de animação são os motion graphics. Os motion graphics focam-se em fazer apresentações dinâmicas e interessantes de logotipos de texto em movimento e ilustrações básicas.

Os motion graphics podem ser tanto 2D como 3D, e encontrá-los-á em todos os lugares em reclames, vídeos explicativos, eventos desportivos, notícias e outras produções de TV.

A animação de personagens está geralmente fora do escopo dos motion graphics, mas muitos dos princípios centrais da animação também se aplicam aos gráficos em movimento.


Para um olhar mais aprofundado sobre os 5 tipos de animação, veja o nosso guia completo sobre os 5 tipos de animação, incluindo a história detalhada de cada tipo, e as melhores escolas, softwares e cursos.

O Processo de Animação

Agora que entendemos os conceitos básicos do que é animação, vamos rever o fluxo de trabalho da criação de animação.

Primeiro, vou cobrir os passos básicos do pipeline de produção de filmes de animação (todas as partes móveis necessárias para criar um filme de animação), e depois vou analisar o processo de realmente animar um filme do início ao fim.

Então, quais são os passos para fazer um filme de animação?

1. História

A primeira (e provavelmente a mais importante) parte da realização de qualquer filme é uma boa história.

Se não acertar na sua história desde o início, por melhor que seja o seu filme, as pessoas não vão gostar de vê-lo. A história vem primeiro. Certifique-se de que é boa e que funciona antes de seguir em frente.

Na animação, a história muitas vezes evolui e muda durante a produção, uma vez que você não está restrito a quaisquer cenários num set, então quanto mais trabalho coloca no desenvolvimento da sua história, mais você reduz o tempo desperdiçado durante a produção.

2. Guião

Uma vez que a ideia da história esteja pronta para ser colocada em palavras, o próximo passo é escrever o roteiro.

É importante transferir a ideia para palavras o mais rápido possível, para que possamos detetar quaisquer problemas com a história antes de entrarmos em produção.

3. Arte Conceptual

Quando o roteiro está pronto, a arte conceitual é muitas vezes criada para estabelecer o estilo visual do filme.

É um passo muito divertido e é a primeira oportunidade que temos de ver partes do filme ganharem vida no papel. É tudo uma questão de explorar e experimentar coisas.

4. Storyboard

Em seguida, é criado um storyboard, que é provavelmente um dos passos mais importantes para a realização do filme.

O Storyboarding permite que você olhe o seu filme como um todo e veja a história e os problemas de ritmo. Fazer um também lhe fornece algo que você pode mostrar a outras pessoas para obter feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um storyboard do que a um roteiro.

Quando estivermos felizes com as pranchas, passamos a criar um animatic.

5. Animatic

Um animatic é a versão cinematográfica do seu storyboard.

Se o storyboard é como uma banda desenhada, então um animatic é como um filme.

Trazemos todas as placas para um programa de edição e editamos com o timing correto, adicionamos algumas músicas e efeitos sonoros temporários (apenas o suficiente para transmitir os diferentes ritmos da história), e quando terminamos temos a primeira versão do nosso filme pronta para assistir.

Por melhor que seja um storyboard, um animatic realmente nos dá um primeiro vislumbre de como vai ser o nosso filme.

6. Criação de ativos

Neste momento, dependendo do seu meio de animação escolhido, estaremos a criar os diferentes recursos para o nosso filme.

Para animação 3D, vamos criar os modelos para os personagens, ambientes, cenários e adereços. Usaremos a arte conceptual e as folhas de modelos como nossa referência. Estes modelos terão então que ser manipulados com um esqueleto 3D com controles, para que possamos animá-los na nossa cena.

Para animação 2D vamos desenhar o fundo, finalizar as folhas de desenho dos personagens e, se necessário, montar os personagens no nosso software de animação 2D.

Para a animação em stop-motion vamos construir os nossos cenários, os nossos bonecos, os adereços e as diferentes peças de roupa necessárias para o filme.

7. Previs

Antes de começarmos a animar as nossas cenas, há outro passo importante para que a história funcione, e que é criar um previs (ou pré-visualização).

Um previs é a próxima encarnação do animatic, desta vez usando modelos 3D.

Configuramos as nossas filmagens no programa 3D, com os ângulos finais de câmara e movimento, e criamos animação muito básica para os personagens, apenas o suficiente para transmitir a ação que supostamente devem estar a fazer.

Depois trazemos todas estas fotos para o programa de edição, tal como fizemos com o animatic, e agora temos uma versão previz do nosso filme, com os modelos 3D e o movimento da câmara correctos.

porque a animação leva muito tempo, esta é a última chance que podemos ter de fazer qualquer mudança séria na história do nosso filme. Será um enorme desperdício se tivermos de fazer mudanças na história após a fase de animação.

8. Animação

Estamos finalmente prontos para a animação!

É aqui que finalmente trazemos vida ao filme. Os personagens começam a mover-se, e podemos ver a alma do filme ganhar vida na nossa frente.

É uma coisa incrível de se ver, mas também leva muito tempo. Feito incorretamente, pode arruinar o nosso filme. Uma má animação é como uma má representação: Mesmo que a escrita e a história sejam sólidas, as pessoas não vão notar se não for bem vendido.

Mais tarde, nesta secção, vamos aprofundar os 6 passos da animação.

9. Texturização | Iluminação | Renderização

Esta etapa aplica-se principalmente à animação 3D, embora a animação 2D passe por etapas de pós-produção semelhantes a esta, e a animação em stop-motion passa muito tempo a fazer composições e efeitos diversos em cima das suas fotos também.

Em 3D, os modelos precisam de ser texturizados, o que significa criar diferentes materiais atribuídos às diferentes partes dos modelos. Alguns simulam metal, alguns plásticos e até alguns para pele e cabelo.

Depois acendemos as fotos com luzes virtuais, replicando o mais próximo possível como a luz funciona na vida real.

Depois, quando as nossas fotos são texturizadas e iluminadas, iniciamos o processo de renderização, que é o computador que calcula todos os dados das nossas cenas, e cria imagens estáticas a partir delas.

Depois levamos estas imagens para um programa de composição, como Nuke ou After Effects, extraímos os dados necessários das imagens e combinamo-los para criar as nossas imagens finais.

10: Edição | Correção de cor

Uma vez que as nossas imagens estejam compostas e prontas, trazemo-las de volta para o nosso programa de edição e substituímos as nossas fotos previsíveis pelas nossas novas fotos compostas, tal como substituímos as fotos animadas pelo previz.

Agora podemos ver o nosso filme acabado no cronograma de edição pela primeira vez, mas, na verdade, ainda não está terminado. Precisamos fazer alguma correção de cor e classificação.

A correcção de cor é o processo de manipulação das cores de cada plano individual para que corresponda à cor que vem antes / depois dele. Nós também nos certificamos de que cada foto não tenha partes muito brancas ou muito pretas, basicamente a trabalhar para que tenhamos uma cor consistente e correta em todo o filme.

Depois fazemos gradação do nosso filme, que é a parte mais divertida e criativa, na qual tentamos criar um estilo visual para o filme inteiro, e dar-lhe um aspecto distinto.

11. Música | Design de Som

O ideal é trabalharmos com um músico desde o primeiro dia de produção, certificando-nos de que a música se encaixa no que estávamos a tentar fazer com o filme, e certificando-nos de que o filme funciona com a música.

A música não é normalmente algo em que nos limitamos a despachar no final, e por isso prefiro tê-la comigo durante toda a produção para que se torne parte integrante da história.

O designer de som finaliza então todos os efeitos sonoros do filme, como loucura, ambientação e vozes, além de dominar e misturar no áudio final do filme.


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Os 6 passos da animação

Falamos sobre o fluxo de trabalho do pipeline de produção de filmes de animação, agora vamos entrar nos passos reais da animação de personagens.

Aqui estão os 6 passos da animação:

  1. Filmagem do vídeo de referência
  2. Poses de chaves
  3. Bloqueio
  4. Splining
  5. Suavização
  6. Acrescentar vida

Passo 1: Filmar Vídeo de Referência

Este é um passo muito importante e negligenciado. É estranho como as pessoas realmente pensam que sabem como certas ações são, e quanto tempo elas levam, mas acabam entendendo errado.

As ações físicas são algo que você precisa analisar antes de animar, especialmente se você é um iniciante.

Tens uma cena de alguémo a atirar uma bola de basebol? Procura no YouTube vídeos de arremessadores a atirar bolas.

Não assumas que sabes como é uma ação só porque já a viste antes.

Olhar para uma ação como animador é completamente diferente de olhar para ela como um espectador.

Passo 2: Poses

Depois de gravada uma referência, é hora de criar as poses chave do plano.

Estas poses são chamadas poses chave porque são as poses mais importantes do plano. Estas são as poses que transmitem a história. Temos de ter a certeza de acertar essas poses, porque vamos construir sobre elas, o resto do processo.

Passo 3: Bloqueio

Quando estamos satisfeitos com as nossas poses chave, começamos a quebrar o movimento de cada pose para a próxima, adicionando 'in betweens' (também conhecidas como poses de quebra ou poses intermédias). Estas são as poses que ligam as poses chave.

Continuamos adicionando mais poses até que o movimento pareça o melhor possível, enquanto ainda permanecemos em modo escalonado (modo escalonado é quando você não permite interpolação entre as poses, o que resulta em um movimento muito agitado/blocky).

Passo 4: Splining

Splining é um termo de animação 3D. É o processo no qual se converte a interpolação das chaves de escalonado para spline.

Em outras palavras - você faz o computador conectar o movimento entre cada uma de suas poses, e isso faz o movimento parecer mais suave.

O problema é que o computador não faz um trabalho muito bom de interpolação. Ele só funciona com o que tem. É por isso que quanto melhor for o bloqueio - melhor a versão estriada vai parecer.

Passo 5: Refinação e compensação

Agora que todas as nossas chaves estão em modo spline, precisamos de trabalhar nelas. Aperfeiçoamos as curvas de animação e asseguramos que o movimento pareça suave.

Também é uma boa idéia compensar algumas das ações para não parecer tão "parar e começar", como se o personagem estivesse fazendo todo o movimento de uma só vez.

No final deste passo, a sua tacada deverá parecer bastante sólida e quase terminada.

Passo 6: Acrescentar vida

Este passo é muito divertido.

Já terminamos o trabalho grunhido de animação, e é hora de acrescentar pequenas imperfeições que dêem vida ao personagem.

Talvez uma piscadela extra ou um estremecimento da boca aqui e ali. A diferença entre os dois últimos passos é pequena mas pode fazer a diferença entre uma boa animação e uma grande animação.

Software de Animação

Depois de "Por onde eu começo", o tópico que mais me perguntam é provavelmente sobre software. Todos querem saber sobre ferramentas.

É Maya? After Effects? Flash?

Aqui está uma lista das nossas opções ao escolher um software de animação com base no tipo de animação:


Software de Animação 3D

Este é um guia para iniciantes, por isso o software 3D pode ser avançado para alguns, mas eu acho que é importante estar familiarizado com o que há por aí, para que você saiba o que a indústria usa e o que você deve considerar seguir se você planeja fazer disto a sua carreira.

Tendo dito tudo isso, o Blender é um programa gratuito, então você é bem-vindo a entrar e brincar com ele (com a ajuda do nosso Curso de Blender), e Maya oferece uma licença educacional de graça, então se está apenas a aprender, será capaz de começar sem investir nenhum dinheiro por enquanto.

Autodesk Maya

O padrão da indústria para animação por computador. Se você quer fazer animação profissionalmente, este é o programa em que você deve se concentrar. Animação 3D, modelagem, simulação e software de renderização com um conjunto de ferramentas integradas e poderosas. Use-o para animação, ambientes, motion graphics, realidade virtual, e criação de personagens.

Preço: $195/Mês | Grátis para estudantes

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Blender

Um programa 3D gratuito e de código aberto, o Blender oferece um amplo espectro de modelagem, texturização, iluminação, animação e funcionalidade de pós-processamento de vídeo em um único pacote. Através de sua arquitetura aberta, o Blender oferece interoperabilidade entre plataformas, extensibilidade, uma pegada incrivelmente pequena, e um fluxo de trabalho totalmente integrado.

Preço: Grátis

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Cinema 4D

Cinema 4D é o melhor amigo de um artista motion graphics. É um programa 3D para o usuário do After Effects. Muito intuitivo, e funciona diretamente com o After Effects sem a necessidade de renderizar primeiro. Esta não seria a minha primeira escolha para a produção séria de filmes 3D, uma vez que foi concebido a partir do zero com os gráficos em movimento em mente, mas é um programa incrivelmente versátil.

Preço: $59.99/Mês

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Software de Animação 2D

A animação 2D é um ótimo lugar para começar a sua jornada de animação. A maioria dos programas abaixo são baratos e relativamente fáceis de aprender.

Animate CC e After Effects são ótimas escolhas para brincar com animação 2D tanto na forma desenhada à mão quanto criando bonecos, enquanto o Character Animator não requer nenhum desenho e usa seu rosto como o impulsionador para a animação. E se você quiser ser profissional, Toon Boom Harmony e TVPaint serão suas melhores opções.

Animate CC (anteriormente Flash)

Provavelmente o mais popular software de animação 2D por aí. Animate tem uma longa linhagem de animação, que remonta aos primeiros tempos da publicação de vídeos na internet. Sua interface intuitiva e seu preço relativamente barato fazem dele uma ótima escolha para começar a fazer animação 2D.

Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)

Preço: $20.99/Mês

Saiba mais...


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Toon Boom Harmony

O Harmony é um software 2D mais avançado, ideal tanto para animação quadro a quadro como para animação baseada em plataformas. Possui avançados sistemas de rigging, efeitos e ferramentas de câmera. É baseado em vetores, mas a versão mais avançada também tem a opção de desenho bitmap.

Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)

Preço: $24/Mês

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TVPaint

Um software de animação francês, o TVPaint é o software de animação 2D tudo-em-um de que sempre precisará. É definitivamente mais robusto e complexo do que o Photoshop, mas também é muito mais caro. Este software é para animadores e estúdios profissionais.

Preço: 500 euros (250 euros para estudantes)

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Animador de personagens

Um programa de animação mais recente com uma reviravolta interessante. Em vez de animar da forma tradicional, o Character Animator usa sua webcam e microfone para animar automaticamente um personagem pré-construído em tempo real, quase como uma captura de movimento. Esta é uma ótima opção para iniciantes, pois requer a menor quantidade de experiência em animação.

Preço: $20.99/Mês

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After Effects

Uma escolha interessante para animação 2D. Depois dos efeitos dá-lhe um grande controlo quando se criam plataformas para 2D ao usar a ferramenta marionete e diferentes expressões. É uma boa escolha se já está confortável com o ambiente Adobe.

Preço: $20.99/Mês

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Software Stop-Motion

Stop-motion é como vários jovens aspirantes a animadores conseguem a sua primeira experiência de animação, usando figuras de ação, legos, ou mesmo barro.

Nós listamos 2 opções muito diferentes aqui. Uma destinada a principiantes que estão a experimentar animação pela primeira vez, e a outra é um software de animação de nível profissional, destinado a levar o seu trabalho para o próximo nível.

Dragonframe

Dragonframe é o padrão da indústria para animação em stop-motion, e foi usado em filmes como Kubo e as Duas Cordas e Shaun, a Ovelha.

Se você planeia criar um vídeo profissional em stop motion, o Dragonframe é a melhor ferramenta para o trabalho. Seu software abrangente pode ser usado com muitos acessórios diferentes, como um dispositivo que controla a câmera, luzes e até puxar o foco.

Preço: $295

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Stop Motion Studio

O Stop Motion Studio é uma aplicação de stop motion de nível básico para todos os dispositivos e plataformas que se ligam a qualquer câmara digital, telefone ou tablet para criar excelentes vídeos em stop-motion com simplicidade e facilidade. Esta é uma ótima escolha se você está apenas a começar.

Preço: $4.99 (iOs/Android) | $9.99 (Mac/Windows)

Saiba mais...


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Hardware de Animação

O hardware está a ficar mais barato, e o software estámais eficiente. Você pode executar a maioria dos programas de animação na maioria dos computadores modernos, e os tablets de desenho estão ficando muito acessíveis.

Aqui está uma pequena lista do que recomendamos para animadores de todos os níveis:

One da Wacom

A escolha perfeita para iniciantes.

Este tablet Wacom de nível introdutório é a forma mais barata de ao usar um tablet. Isto permite-lhe fazer animação desenhada à mão sobre um orçamento, e irá beneficiar também os animadores 3D, uma vez que o tablet é muitas vezes mais fácil de usar do que um rato num programa 3D.

Preço: $59-$69


Wacom Intuos Pro

Levar isto para o próximo nível.

Se você precisa de mais material de desenho, ou se você está a usar um tablet para animação 3D, esta é a melhor escolha para o trabalho. Você verá estes tablets na maioria dos estúdios de produção, e é uma escolha popular para estudantes de animação que querem fazer um bom trabalho, mas não podem pagar os tablets Cintiq de alta qualidade. Vem em 3 tamanhos, sendo que o Medium é o mais popular.

Preço: $230-$479


Wacom Cintiq Pro

Tornar-se profissional.

Para a produção de animação topo de gama, o Wacom Cintiq é a escolha final. Basicamente é um monitor gigante (13", 16", 24" ou 32") no qual você pode desenhar diretamente. Torna o desenho preciso muito mais fácil e mais ágil do que um tablet normal, mas tem um custo muito mais elevado.

Preço: $649-$3299


Computador

O bom de usar programas 2D como o Animate CC ou mesmo o Toon Boom, é que a maioria dos computadores modernos são capazes de executá-los muito bem.

Quando se entra em 3D, as coisas podem ficar complicadas, mas não têm de ficar. Se estás a renderizar mundos enormes com configurações de iluminação complicadas, vais precisar de um computador forte com um placa gráfica cara...mas há outras opções:

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Livros de Animação

Diferentes argumentos poderiam ser apresentados para qual é o melhor livro para aprender animação, mas aqui estão alguns que o ajudarão a aprender e refinar as suas habilidades, independentemente do tipo de animador que você queira ser.

O Kit de Sobrevivência do Animador / Richard Williams

Este livro é a Bíblia de um animador. Cobre a fundo os conceitos básicos de espaçamento, tempo, caminhadas, corridas, peso, antecipação, ação sobreposta, tomadas, cambalear, diálogo, animação animal e muito mais. Não é chamado de "Kit de Sobrevivência" por nada.

Este livro irá ensinar-lhe TUDO O QUE VOCÊ PRECISA DE SABER para começar a sua formação como animador.


Animação de desenhos animados / Preston Blair

Originalmente lançado em 1994, Cartoon Animation (também conhecido como "The Preston Blair Book"), tem sido uma incrível fonte de referência para a criação de animação no estilo dos desenhos animados.

Com este livro você aprenderá a desenvolver um personagem de desenho animado, a criar movimento dinâmico e a animar o diálogo com a ação.


A Ilusão da Vida / Frank Thomas e Ollie Johnston

Este livro começou como um guia de animação e transformou-se num levantamento detalhado da progressão da animação, tanto dentro dos estúdios da Disney como no mundo da animação em geral.

Escrito por dois dos nove homens velhos que definiram o estilo de animação Disney, este livro leva o leitor através de todas as etapas de descoberta e pesquisa do os melhores métodos de animação.


Preparando os seus planos / Jeremy Vineyard

Um ótimo livro para obter um entendimento básico da composição da cena e do movimento da câmera para melhor contar histórias e fazer filmes.

Este livro é ótimo tanto para cineastas estreantes quanto para experientes à procura de grandes referências de rodagem.

Cursos de Animação

A Bloop Animation é, acima de tudo, uma plataforma de aprendizagem de animação com cursos de vídeo premium. Alguns focam em software (como Maya ou Animate CC) enquanto outros lhe ensinam habilidades específicas (como fundações de animação ou storyboarding).

Os cursos online tornaram-se loucamente populares nos últimos anos, e agora são altamente produzidos, e uma alternativa muito eficaz às escolas tradicionais.

Porquê?

É mais barato. Muito mais barato.

As escolas de arte são loucamente caras. Gastar 20-40k dólares por ano (o mais provável é endividar-se) é uma decisão enorme, e está a ficar cada vez menos valiosa.

Cursos onlineMesmo os mais caros, só lhe custarão algumas centenas de dólares (talvez alguns milhares se estiver a fazer um programa de certificados online que leva vários meses). Isso não fica perto de quanto custa uma faculdade de artes tradicional. Ou seja, torna muitomais acessível para uma grande variedade de artistas que no passado teriam que desistir de seus sonhos, ou pedir emprestado uma tonelada de dinheiro.

É um grande test-drive

Talvez a animação não seja para ti? Não seria ótimo descobrir isso antes de passar dezenas de milhares de dólares + preciosos anos da sua vida?

Fazer um curso de animação online é uma forma barata e eficiente de verificar se você está pronto para a tarefa. Veja se você gosta. Pode sempre decidir seguir um curso depois, mas esta é uma óptima maneira de fazer a sua pesquisa e certificar-se que seguir este caminho é o correcto para si.

Você não precisa de um diploma, de qualquer forma.

Um dos benefícios de trabalhar numa indústria criativa como a animação é que o seu trabalho fala mais alto do que qualquer credencial no seu currículo. Se o seu portfólio for bom - você será contratado. Ninguém vai se importar com a escola que você não frequentou.

Você pode tê-los enquanto trabalha.

Uma coisa boa dos cursos on-line é que você pode vê-los no seu tempo livre.

Se você está em transição de uma profissão diferente e trabalha em tempo integral, você pode fazer esses cursos nos finais de semana, noites e intervalos para almoço.

Você pode personalizar o seu próprio caminho de aprendizagem

Uma das coisas incríveis sobre educação online é que você pode combinar fontes de diferentes lugares.

Numa escola tradicional você tem que se cingir ao programa (geralmente 3-4 anos) e muitas vezes fazer muitos cursos nas quais não tem interesseou que não contribuam realmente para o seu caminho de crescimento pessoal. Com cursos online, pode construir o seu próprio caminho de aprendizagem.

Sim, os nossos cursos incluem um caminho construído para você seguir, mas só é feito de coisas que você precisa saber para animar, e nada mais. Além disso, você sempre pode pular uma lição que você acha irrelevante.

É uma ótima maneira de maximizar a sua educação

Os cursos on-line podem beneficiá-lo QUANDO for um aluno de um programa tradicional.

Quando fui para a escola de arte procurei CONSTANTEMENTE por tutoriais online (os cursos online não eram tão populares na época, mas ainda havia alguns) e assisti a tudo o que eu conseguia deitar a mão.

Fazer isso enquanto estava na escola realmente empurrou minhas habilidades e me motivou a trabalhar mais e melhorar. A escola só te pode levar tão longe, e vai guiar-te na direcção certa, mas cabe-te a ti assegurar que te esforças para dominares a tua arte.

Aqui está a lista completa dos nossos cursos em vídeo:

Cursos de Software


Animação Blender

Um curso completo de animação de personagens com o programa Blender 3D GRATUITO.

Detalhes do curso

Animação Animate CC

Saiba como criar animações para o YouTube ou animações 2D quadro a quadro para uso comercial.

Detalhes do curso

Animação After Effects

Um curso passo a passo para animação de personagens com o After Effects.

Detalhes do curso

Animação Maya

Aprenda a animar com o líder da indústria em animação e efeitos visuais.

Detalhes do curso

Animação de Toon Boom Harmony

Um curso completo para animação 2D high-end com Toon Boom Harmony.

Detalhes do curso

Animação TVPaint

Aprenda a animar com a líder do setor em animação 2D quadro a quadro.

Detalhes do curso

Animação Moho

Aprenda animação 2D com o software profissional tudo-em-um Moho.

Detalhes do curso

Animação Character Animator

Aprenda a animar em tempo real, usando a sua própria cara. Não é necessária nenhuma habilidade de animação.

Detalhes do curso

Animação de Stop-Motion

Um curso completo para animação em stop motion usando o software líder da indústria Dragonframe.

Detalhes do curso

Passe de Acesso Total

Obtenha acesso vitalício a toda a nossa biblioteca de cursos com uma única compra.

Obter Acesso Total

Cursos de Habilidades


Fundamentos da Animação

Aprenda os princípios fundamentais da animação de personagens.

Detalhes do curso

Fundamentos do Storyboarding

Aprenda os fundamentos da criação de storyboards profissionais para qualquer projeto.

Detalhes do curso

Fazer um romance gráfico

Um curso passo a passo para criar e publicar romances gráficos e histórias em quadrinhos.

Detalhes do curso

A Criação de um Filme Animado

Um curso gratuito para a realização de curtas-metragens de animação do início ao fim.

Detalhes do curso

Animação de boneco palito

Uma masterclass de Animador vs. Animação o criador Alan Becker, o animador mais popular do YouTube.

Detalhes do curso

Animação de Stop-Motion

Um curso completo para animação em stop motion usando o software líder da indústria Dragonframe.

Detalhes do curso

Ensino de Animação

Um curso completo para professores e pais interessados em ensinar animação.

Detalhes do curso

Passe de Acesso Total

Obtenha acesso vitalício a toda a nossa biblioteca de cursos com uma única compra.

Obter Acesso Total

Entrar na Indústria da Animação

Então como é que se dá o próximo passo? E se você quiser fazer da animação a sua carreira?

Como é que se mete o pé na porta?

Os animadores geralmente precisam de 3 coisas para conseguir um emprego na indústria:

  1. Um currículo.
  2. A portfólio sólido.
  3. A website do portfólio com o seu próprio domínio. Nada dessa porcaria do john.wordpress.com. Veja estes grandes modelos Wordpress para tornar a tua vida mais fácil.

Para muitas profissões, ter um bom currículo ou carta de apresentação é o factor mais importante para conseguir um emprego. Para os animadores e pessoas de efeitos visuais, é tudo sobre o carretel de demonstração.

Ao longo dos anos fiz cds de demonstração para mim, e vi dezenas dos de de outras pessoas. Antes de começares a mandar os teus exemplos para um monte de estúdios, imploro-te, leia o nosso guia demo-reel. Eu recolhi uma tonelada de informações sobre como criar um portfólio de animação eficaz que realmente faz com que alguém seja contratado. Não ignore isso.

Então tenho umas gravações de demonstração. E agora?

Como não o conheço pessoalmente, vou dar-lhe o melhor conselho que penso que beneficiaria a maioria das pessoas: A melhor maneira de ser notado é criar coisas.

Ter um BFA em animação ou um diploma de uma escola online vai certamente ajudar, mas não vai garantir um trabalho após a formatura.

Sabe o que fiz no dia a seguir a acabar os estudos?

Continuo a animar para o meu carretel. E foi isso que eu fiz todos os dias até ter o meu primeiro trabalho de freelance. E depois do trabalho continuei a trabalhar em mais filmagens para estar pronto para o tempo em que o projecto freelance terminou.

Tens de continuar a fazer. Sempre.

Há sempre tempo suficiente para trabalhar no seu rolo, especialmente no primeiro ano da sua carreira de animação. Quando você adiciona coisas ao seu rolo, certifique-se de seguir o nosso conjunto de diretrizes da Demo Reel para não perderes o teu tempo.

Se você continuar criando coisas e a colocá-las cá fora, enquanto se candidata constantemente a estúdios, você eventualmente será notado, e contratado.


Percursos de carreira para animadores

Filme / TV

O caminho de carreira mais óbvio (embora não o mais fácil) é trabalhar em filmes e programas de TV (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network, etc.)

Mesmo que a percepção mais comum do que um 'animador' faz seja animar personagens como Wall-E ou o cão em Up, muito trabalho de animação nesta indústria acontece em VFX e animação mecânica também em filmes de ação ao vivo. Quase todos os filmes de ação ao vivo que você vê usam animadores até certo ponto.

A maior parte do trabalho no filme e na TV acontece na Califórnia, e entrar nos grandes estúdios pode levar anos para se candidatar antes de entrar pela porta.

Anúncios

Trabalhar em comerciais requer um conjunto de competências diferente do que o cinema e a televisão. Embora você ainda possa estar animando personagens, a linha do tempo de produção é muito mais rápida, e seria esperado que você fizesse mais tarefas diferentes em vez de se especializar.

Além disso, =trabalho comercial muitas vezes será motion-graphics em vez de animação de personagens. Isso significa que saber After Effects e/ou Cinema4D é mais relevante se esse for o seu caminho.

Animar em comerciais pode não ser o que você foi se tornar e animador, mas ainda pode ser muito divertido, e há muito mais trabalho a ser feito, e os locais são quase um problema, já que a maioria das grandes cidades tem empresas de produção produzindo trabalho comercial até certo ponto.

Pré-visualização (Previz)

Um campo menos conhecido para os animadores é a prevenção do trabalho. Os animadores Previz criam uma pré-visualização da peça (comercial, filme, etc...) através da animação de figuras temporárias num ambiente de simulação para permitir ao realizador ter uma noção das suas filmagens e composição.

Ficará surpreendido com a quantidade de estúdios e casas de produção que utilizam previs, e algumas empresas dedicam-se a criar previs apenas para diferentes produções.

Com o crescimento maciço do uso do previz tanto em comerciais, como em TV e cinema, os animadores do previz podem obter trabalho em vários campos e localizações, embora como aspirante a animador você possa não conseguir fazer seu melhor trabalho (já que a animação tem que ser feita rapidamente e a qualidade não é um grande fator) e seu trabalho não será realmente visto por um público.

Jogos de vídeo

A indústria dos videojogos é enorme e há muito trabalho para os animadores nela. O trabalho em si varia muito desde a captura de movimento até à animação completa de personagens, passando pela criação de ciclos de animação que se desenrolam ao longo do jogo.

Se você já jogou um jogo da Blizzard, ou viu algumas das peças cinematográficas dos jogos Final Fantasy, você sabe que os videogames produziram algumas das maiores peças de animação, e impulsionaram a tecnologia tanto quanto os filmes. Trabalhar nesta indústria pode ser muito divertido, e emprega animadores tanto em 3D quanto em 2D e oferece uma grande variedade de trabalho.

Motion Graphics

Eu mencionei o motion graphics quando escrevi sobre o trabalho em comerciais, mas os artistas de motion graphics trabalham em uma veridade muito mais ampla de projetos. Desde vídeos explicativos a projeções de eventos até demonstrações de software de interface de usuário.

A vida de motion graphics é muitas vezes a vida de um freelancer, saltando de um projecto para o outro, usando principalmente After Effects (às vezes em combinação com Cinema4D)

Independente

Um novo tipo crescente de animador é o animador independente. Eles usam principalmente o YouTube como sua plataforma principal e ganham a vida através de anúncios, patrocínios e mercadorias, e minério e mais destes animadores vir à tona o tempo todo.

Outros cineastas de animação podem usar o crowdfunding para financiar seus filmes, ou conseguir estúdios para financiar seus filmes com um orçamento indie.

Diretor

Ao contrário da maioria dos empregos, não há um caminho claro para se tornar um diretor.

Ir para escola de cinema não garante um trabalho de direcção depois, e raramente há uma vaga de emprego sob "Director" online. Algumas pessoas chegam lá aos 21 anos, e outras passam a vida inteira tentando e nunca conseguem.

O mesmo vale para ser um diretor de animação. Alguns começam como animadores, alguns artistas de histórias (storyboarding) e alguns transitam da ação ao vivo, nunca tendo animado um dia em sua vida.

Como é que, então, uma pessoa se torna um diretor de animação?

Diretores de animação como Andrew Stanton, Richard Williams e John Lasseter eram animadores antes de se tornarem diretores, e é provavelmente a forma mais comum de se fazer isso, já que os animadores estão muito envolvidos no aspecto de contar histórias do filme.

Então, o caminho seria:

  1. Ser contratado num grande estúdio como a Disney.
  2. A subir nas fileiras até se tornar realizador.

Mas, claro, não é assim tão simples.

Primeiro, você estará trabalhando como animador júnior por muitos anos, e provavelmente levará quase uma década para chegar a um lugar onde alguém consideraria até mesmo fazer de você um diretor. E mesmo assim, as hipóteses são próximas de zero.

Para mim, o caminho de trabalhar como um entre centenas de outros animadores durante 10 anos, apenas pela chance de talvez ser notado, não parece ser um caminho muito seguro.

O que eu fiz foi criar um pequeno cubo e uma bolinha, e fiz o meu próprio filme. E depois eu fiz outro. E eu provavelmente vou continuar.

Então, adivinhe? Eu tornei-me realizador. Ninguém me deu oficialmente a licença de realizador, eu só fiz filmes. E...é a única coisa certa que lhe posso dizer sobre como se tornar um realizador - começar a fazer filmes.

Ok, então eu preciso de fazer os meus próprios filmes, e agora?

Se você vai escolher o caminho do diretor para fazer seus próprios filmes, sugiro começar com curtas metragens. Fazer um longa-metragem é um objectivo que pode demorar muito tempo a atingir, e não é um objectivo realista para a animação se estás apenas a começar.

Quanto ao que os seus filmes devem ser, sugiro que se mantenham com personagens/ambientes super-simples, e que se concentrem numa boa história.

Quando comecei a trabalhar no Lift Up, a história em si veio das minhas limitações de não ter boas capacidades de modelagem. É por isso que o filme é sobre um cubo e uma bola. Se quiser ler mais sobre isso em detalhe, leia a nossa guia completo por fazer uma curta-metragem animada. É grátis.

Foco na capacidade de contar histórias

As habilidades de ser um bom diretor são principalmente sobre ser um bom contador de histórias, assim como compreender o ritmo, a composição e a atuação. Todas estas são habilidades que um bom animador também deveria ter, então se você está vindo da animação, pode ser mais fácil para você.

Concentre-se em mostrar essas habilidades na seu curta, mostrando composições e cinematografia interessantes. É isso que as pessoas procuram em um diretor. Não é de rendições extravagantes ou de modelagem complexa - mas de boa narração.

Lembre-se - ninguém pode fazer de si um realizador. Tem de vir de nós.


Ferramentas e Recursos

Começar a Animar

Como Fazer um Filme Animado

  • A criação do Tasteful: Todos os passos atrás da realização do filme, do início ao fim, explicados da forma mais simples possível,
  • A criação do LIFT UP: Todos os vídeos que documentam a realização de LIFT UP num só lugar.

Construir o seu Portfólio

Rigs

Inspiração

As nossas curtas metragens



O que vem a seguir?

Agora que você terminou de ler este (muito) longo guia, a decisão é sua.

Acabaram-se as desculpas. Vai fazer algo espectacular. Sabe por onde começar.

- Morr Meroz