Comprendre les subtilités de format de scénario approprié Il ne s'agit pas d'une simple question technique ; c'est un aspect fondamental du métier de scénariste, partie intégrante du succès d'un auteur.
Il ne s'agit pas seulement d'éviter le rejet immédiat pour cause d'erreurs de mise en page. Il s'agit de reconnaître que de telles erreurs, notamment les fautes de frappe, les erreurs de ponctuation et les fautes de grammaire, peuvent nuire considérablement à la qualité perçue de votre travail.
Un scénario bien structuré indique aux lecteurs que vous possédez non seulement une histoire captivante, mais aussi le professionnalisme et le souci du détail qui sont essentiels dans ce secteur.
Dans cet article, nous explorerons les éléments clés du format d'un scénario. Vous apprendrez à éviter les erreurs courantes et à présenter votre script selon les normes de l'industrie, ce qui améliorera sa lisibilité et ses chances de succès.
Titre de page
La page de titre est la vitrine de votre scénario ; mieux vaut donc privilégier la simplicité. Des graphismes sophistiqués, des images ou des polices originales peuvent sembler une bonne idée pour que votre script se démarque, mais cela risque surtout de le faire passer pour un travail d'amateur.
Que doit contenir votre page de titre :
- Titre du scénario : Le titre de votre scénario doit être centré et en majuscules, à environ un tiers de la hauteur de la page. Vous pouvez le souligner ou le mettre entre guillemets, mais pas les deux.
- Votre nom: Inscrivez votre nom centré, avec un double interligne sous le titre, en utilisant la typographie standard (majuscules et minuscules). Vous pouvez vous présenter avec des expressions telles que « par », « écrit par » ou « Un scénario original de ».
- Contactez-nous: Inscrivez vos coordonnées, et si vous en avez une, les informations de votre agent ou manager (nom, numéro de téléphone, adresse et courriel) dans le coin inférieur droit, et non en majuscules.
- Basé sur: Si votre scénario s'inspire d'une œuvre existante, comme un roman, mentionnez-le en envoyant la mention « inspiré de » sous votre nom, en la centrant et en minuscules.
L'essentiel, pour la page de titre, est de la soigner et d'éviter toute faute de frappe ou erreur, car c'est la première chose que voient les lecteurs. Ils pourraient ne pas remarquer une faute de frappe au fond de votre texte, mais une erreur sur la première page pourrait sérieusement compromettre vos chances d'être lu.
En-têtes de scène
Les en-têtes de scène (ou sluglines) servent à indiquer le lieu et le moment des scènes de votre scénario.
Elles peuvent paraître simples, mais les maîtriser est essentiel pour éviter les erreurs courantes qui peuvent vous faire passer pour un amateur.
Voici les bases des en-têtes de scène :
- Positionnement: Les en-têtes de scène doivent être alignés à gauche et en majuscules.
- Éléments d'un en-tête de scène : Ils se composent de trois parties principales :
- INT./EXT. : Indique si la scène se déroule à l'intérieur (INT.) ou à l'extérieur (EXT.).
- Endroit: Une brève description du lieu de la scène, comme un CAFÉ.
- Moment de la journée: Généralement JOUR ou NUIT, mais peut également inclure des moments spécifiques comme le CRÉPUSCULE ou le COUCHER DU SOLEIL si nécessaire.
Exemple : Un en-tête simple pour une scène se déroulant dans un café en journée serait :
INT. COFFEE SHOP – DAY
Ces éléments facilitent la planification logistique du tournage, notamment pour déterminer le nombre de prises de vue nocturnes ou la variété des lieux nécessaires.
Quand et comment utiliser les en-têtes de scène :
-
Présentation de nouveaux emplacements : Utilisez un nouvel en-tête de scène chaque fois que vos personnages se déplacent vers un autre lieu, même au sein de la même zone. La cohérence dans la dénomination de vos lieux est essentielle pour éviter toute confusion.
-
Changements d'heure : Les en-têtes de scène signalent également les changements temporels importants, comme le passage du jour à la nuit. Cela contribue à maintenir la fluidité temporelle de votre récit.
-
Sous-lieux et action continue : Pour les actions se déroulant dans des lieux secondaires au sein d'un espace plus vaste, ou pour les scènes continues, vous pouvez utiliser des variantes comme :
INT. MUSEUM – BATHROOM – DAY
INT.MUSEUM – LOBBY – CONTINUOUS
- Scènes mêlant action intérieure et extérieure : Lorsqu'une scène comprend des éléments intérieurs et extérieurs, comme des personnages dans une voiture, utilisez :
INT./EXT. CAR – DAY
Bien que les termes JOUR et NUIT soient les plus courants pour indiquer le temps, l'emploi d'heures précises comme CRÉPUSCULE est acceptable lorsqu'il contribue à la compréhension de la scène. Toutefois, il est généralement préférable de s'en tenir aux termes de base, sauf si une heure précise est essentielle à la scène.
Description de l'action
Les descriptions d'action suivent toujours les en-têtes de scène et ont pour but d'établir qui est présent dans la scène, ce qui se passe autour d'eux et ce qu'ils font.
Exemple :
INT. CAFÉ - JOUR. Joe et Sarah sont assis l'un en face de l'autre, sirotant leur café. Joe regarde par-dessus son épaule.
Cette description de l'action devrait suffire à nous permettre d'établir la scène avant de passer au dialogue du personnage.
Nous utilisons des phrases courtes et concises, au présent, à la voix active, et nous ne décrivons que ce que nous pouvons voir et qui est pertinent pour planter le décor.
Évitez un langage trop descriptif et un style compliqué, car cela ralentit le rythme du scénario. Ne décrivez pas les pensées et les sentiments des personnages, ni leur passé, qui ne peut être montré à l'écran. La description de l'action doit être concise, intéressante et informative.
Si votre description est longue, utilisez plusieurs paragraphes pour séparer l'action :
INT. CAFÉ - JOUR. L'endroit est bondé de gens en costume qui prennent un café rapidement avant d'aller travailler. C'est bruyant et désordonné. Un serveur trébuche et laisse tomber un plateau rempli de vaisselle sale. Les clients restent silencieux un instant, observant le serveur trébucher, mais reprennent rapidement leurs activités. Joe et Sarah sont assis l'un en face de l'autre, sirotant leur café. Ils ne remarquent pas le serveur maladroit. Joe jette un coup d'œil par-dessus son épaule.
Utilisez le présent. Au lieu d'écrire «Un serveur a trébuché et est tombé.nous »Les clients restèrent silencieux un instant, observant le serveur trébucher.", écrire "Un serveur trébuche et laisse tomber" et "Les clients restent silencieux un instant, observant le serveur trébucher. ».
N'écrivons que ce que nous pouvons voir ou entendre. Nous ne pouvons pas écrire : «Un serveur trébuche et laisse tomber un plateau rempli de vaisselle sale par terre. Gêné, il se relève lentement et songe un instant à démissionner. ».
Il révèle des pensées et des sentiments intérieurs d'une manière qui ne fonctionne pas dans un scénario, car les spectateurs du film n'ont aucun moyen de savoir ce qui se passe puisqu'ils ne peuvent pas le voir.
N'écrivez que ce qui est affiché à l'écran. Si vous voulez exprimer votre gêne, trouvez des moyens visuels créatifs de le faire : «Un serveur trébuche et laisse tomber un plateau rempli de vaisselle sale. Il pousse un long soupir, se relève lentement et évite le regard des clients. Il ramasse la vaisselle en secouant la tête et en marmonnant. ».
Si vous regardez l'exemple ci-dessus, vous remarquerez que les noms des personnages étaient écrits en majuscules. C'est systématique lors de l'introduction d'un nouveau personnage.
S'il s'agit d'un personnage principal, nous devrons également ajouter quelques mots pour le décrire et décrire l'impression qu'il donne.
Exemple :
Dans un coin, Joe, 42 ans, mince et barbu, est assis. On dirait qu'il n'est pas sorti de chez lui depuis dix ans. À côté de Sarah, 37 ans, soignée et élégante, d'énormes lunettes de soleil dissimulent la plupart de ses traits fins. Elle a l'air de préférer être n'importe où ailleurs. Ils sirotent leur café. Joe regarde par-dessus son épaule.
Cette description est suffisamment évocatrice pour vous donner une idée non seulement de l'apparence de ces personnages, mais aussi de leur attitude et de leur tempérament.
Une fois les personnages présentés, nous cessons de mettre une majuscule à leurs noms dans les descriptions suivantes.
Les objets et sons importants prennent généralement aussi une majuscule. On le fait quand on veut… attirer l'attention sur un certain objet :
Dans un coin, Joe, 42 ans, mince et barbu, est assis. On dirait qu'il n'est pas sorti de chez lui depuis dix ans. À côté de Sarah, 37 ans, soignée et élégante, d'énormes lunettes de soleil dissimulent la plupart de ses traits fins. Elle a l'air de préférer être n'importe où ailleurs. Ils sirotent leur café. Joe jette un coup d'œil par-dessus son épaule. Sa main serre une vieille montre de poche.
Pour sons, la mise en majuscules ressemble à ceci :
L'endroit est bondé de gens en costume qui prennent un café rapidement avant d'aller travailler. C'est bruyant et désordonné. CLAC ! Un serveur trébuche et laisse tomber un plateau rempli de vaisselle sale. Les clients restent silencieux un instant, le temps de regarder le serveur tomber, mais reprennent vite leurs occupations.
Si vous devez ajouter du texte par-dessus les éléments visuels, par exemple pour indiquer une date ou un lieu (« Londres, 1998 »), cela se fait également dans la description de l'action.
Il se place sur sa propre ligne, après le paragraphe d'action principal, avec le mot «SUPERPOSER« le précédant : »
INT. CAFÉ - JOUR. L'endroit est bondé de gens en costume qui prennent un café rapidement avant d'aller travailler. C'est bruyant et désordonné. Un SERVEUR trébuche et laisse tomber un plateau rempli de vaisselle sale. Les clients restent silencieux un instant, observant la chute du serveur, mais reprennent rapidement leurs activités. SURIMPRESSION : « New York, 2023 »
Notez que le mot SUPERIMPOSE est en majuscules et que le texte peut être entre guillemets ou souligné, mais pas les deux.
Dialogue
Le dialogue suit la description de l'action, sauf si personne ne parle dans la scène.
Contrairement à la majeure partie du texte d'un scénario, le dialogue est centré sur la page, ce qui le fait ressortir et facilite la lecture.
Il se compose de deux parties : 1) le nom du personnage qui parle et 2) les mots qu'ils disent.
Le Le nom Le caractère doit toujours prendre une majuscule, tandis que le gentils sont en casse de phrase standard :
SARAH
Avez-vous été suivi(e) ?
JOE
Non. Je ne crois pas. Avez-vous apporté l'argent ?
Vous pouvez ajouter des indications particulières, écrites entre parenthèses, soit entre le nom du personnage et le dialogue, soit à droite du nom du personnage.
Le premier cas d'utilisation pour ces dispositifs est direction d'acteur, comme « avec colère » ou « tranquillement » :
SARAH
(Chuchotements)
Avez-vous été suivi(e) ?
JOE
(Nerveux)
Non, je ne pense pas.
As-tu apporté l'argent ?
Ces instructions sont souvent mal vues et ne devraient être utilisées que rarement, voire jamais.
Utilisez-les uniquement si vous avez des instructions très précises pour l'acteur, qui ne peuvent être laissées au hasard.
Un plus utilisation courante et acceptée de ces instructions Il s'agit de faire savoir au lecteur que le personnage parle à un personnage précis alors que plusieurs personnages sont présents dans la scène :
Micha
Les caméras sont-elles en place ?
JODIE
Ils sont en train de les installer.
Micha
(À Lenny)
Et les micros ?
LENNY
Tout ensemble!
Il est toujours préférable de laisser le texte raconter l'histoire plutôt que d'expliquer au lecteur ce que vous essayez de faire ; essayez donc, si possible, de ne pas utiliser ces instructions.
Une troisième utilisation de ces instructions est lorsqu'un personnage est parler une langue différente :
SARAH
Avez-vous été suivi(e) ?
JOE
Non. Je ne crois pas. As-tu apporté le mon—
Le téléphone de Sarah sonne. Elle répond.
SARAH
(En français)
Non. Je viens d'arriver. Je t'appellerai plus tard.
SARAH
(En français, sous-titré)
Non. Je viens d'arriver. Je t'appellerai plus tard.
Tous les dialogues entre [crochets] sont en français.
SARAH
Avez-vous été suivi(e) ?
JOE
Non. Je ne crois pas. As-tu apporté le mon—
Le téléphone de Sarah sonne. Elle répond.
SARAH
[Non. Je viens d'arriver. Je t'appellerai plus tard.]
Une autre utilisation des parenthèses est lors de l'utilisation VO ou OS, Qui veut dire Voice Over et Hors écran.
Lorsque l'on entend les pensées ou la narration du personnage en même temps que l'image, on appelle cela une narration. voix off et doit être indiqué dans le script comme suit :
JOE (VO)
Je savais que c'était peut-être un piège, mais je n'avais pas le choix.
Il n’y avait qu’une seule façon de le savoir.
JEREMY
Vous pensiez que ce serait aussi facile, hein ?
Remettez l'argent. Maintenant!
Transitions
À partir des bases COUPURE passer à des formes plus créatives comme DISSOUDRE À et COUPE CORRESPONDANTE ÀLes transitions peuvent être utilisées pour relier les scènes de manière créative, montrer le passage du temps et lier les sons et les images.
Cependant, il est important de les utiliser judicieusement, car L'abus des transitions peut donner à un scénario un aspect amateur. et détourner l'attention de l'histoire.
COUPE À : La transition la plus courante, indiquant un changement radical de scène ou une évolution des émotions d'un personnage. Elle s'utilise lorsque l'auteur souhaite signaler au lecteur une nouvelle partie du récit.
DISSOUDRE POUR : Utilisé lorsqu'une scène se fond dans la suivante, indiquant le passage du temps.
CORRESPONDANCE À : Crée une transition harmonieuse entre deux scènes en soulignant une ressemblance visuelle ou auditive entre elles.
COUPURE BRUTALE: Crée un effet déstabilisant sur le public, le prenant au dépourvu et intensifiant l'impact émotionnel d'une scène.
COUPURE TEMPORELLE À : Utilisé pour indiquer le passage du temps, généralement sans changement de lieu.
D'autres transitions comme EFFILOCHER, IRIS-TO et FADE-TO sont rarement utilisées aujourd'hui.
FADE-IN : Il s'agit de la seule transition positionnée à droite au lieu de la gauche, et elle n'apparaît qu'une seule fois, en tant que première ligne du script, avant l'en-tête de la première scène.
FADE-OUT (ou FONDU AU NOIR :) est la dernière transition du script.
Bien que les scénaristes disposent de nombreux types de transitions, le plus important est de les utiliser de manière réfléchie et ciblée.
Bien qu'ils puissent être des outils utiles pour relier les scènes et souligner les moments clés, leur utilisation excessive peut nuire à l'histoire et donner au scénario un aspect peu professionnel.
En cas de doute, il vaut toujours mieux privilégier la simplicité et supprimer complètement les transitions.
JOE
As-tu l'argent ?
SARAH
Pourquoi es-tu si nerveux ? Tu n'as rien…
VOIX (OS)
Lâchez la valise !
Sarah se retourne et découvre JEREMY, un pistolet pointé sur elle.
JEREMY
Vous pensiez que ce serait aussi facile, hein ?
Donnez-moi l'argent. Maintenant !
Direction de la caméra
Les indications de caméra, ou angles de caméra, sont couramment utilisées dans les scénarios pour décrire comment une scène doit être filmée.
Ceux-ci comprennent le coup de chance, plan moyen, close-up et très gros plan, entre autres.
Cependant, l'utilisation d'indications de caméra est devenue moins courante dans les scénarios modernes, car elles peuvent souvent encombrer le script et agacer les réalisateurs potentiels.
Dans la plupart des cas, il est préférable d'éviter complètement de mentionner les directions de prise de vue. Plutôt que d'indiquer explicitement les angles de caméra, utilisez un langage descriptif pour brosser un tableau de la scène.
Exemple :
PARC EXTÉRIEUR – JOUR
Mary est assise sur un banc, le regard perdu dans l'étang. Au loin, des canards barbotent. Soudain, elle aperçoit une ombre qui se déplace au-dessus d'elle et lève les yeux. C'est John. Il se tient derrière elle, les bras croisés, et la regarde.
Dans cet exemple, on peut se représenter la scène sans avoir besoin d'indications de caméra explicites. Cette approche offre au lecteur une expérience de lecture plus fluide et agréable.
Cependant, il existe des cas où les indications de la caméra sont nécessaires. Par exemple, lorsqu'un point visuel précis ne peut être décrit autrement. Dans ces cas-là, il est important d'utiliser les indications de la caméra avec parcimonie et à bon escient.
Exemple :
LABORATOIRE INTÉRIEUR – JOUR
Un homme est attaché à une chaise. Devant lui se trouve l'agent Dan.
L'AGENT DAN :
Très bien, Monsieur Porter, il semblerait que vous ayez réussi tous les tests. Nous avons confirmé que vous n'êtes pas un androïde et vous pouvez quitter l'établissement. Veuillez nous excuser pour la gêne occasionnée.
Les menottes se referment brusquement, libérant les mains de l'homme. Il se frotte les poignets.
Homme:
Pas de souci, agent. Ce n'était absolument pas un problème.
L'homme sourit. ECU ON. Sa pupille affiche un minuscule CODE-BARRES.
Dans cet exemple, l'utilisation de «« ECU » ou « gros plan extrême » est nécessaire pour transmettre le détail visuel du code-barres dans l'œil de l'homme.
Un autre cas d'utilisation des directions de caméra est le point de vue (POV) Plan rapproché. C’est le moment où l’auteur veut que le lecteur « voie » la scène à travers les yeux d’un personnage précis.
Exemple :
INT. CHAMBRE D'HÔPITAL. JOUR
POINT DE VUE DE MICHAEL
L'image est floue. Michael voit une infirmière nettoyer ses instruments à l'évier. Le médecin tape sur son ordinateur.
MICHAEL :
Où suis-je ?
L'image devient de plus en plus floue. Il perd connaissance.
Dans cet exemple, l'utilisation du « POINT DE VUE DE MICHAEL » permet d'immerger le lecteur dans l'expérience de Michael et offre une perspective unique qui serait difficile à transmettre par la seule description.
Montage / Flashback
Les montages et les retours en arrière sont des outils narratifs qui, bien que parfois surutilisés, permettent de raconter une histoire de manière originale et captivante. En tant que scénaristes, il est essentiel de savoir quand et comment les employer.
Montage
Un montage est une série de courtes scènes présentées rapidement les unes après les autres afin de raconter une histoire plus longue en peu de temps.
Il existe plusieurs façons d'écrire un montage dans un scénario.
Pour les montages plus longs, comme l'ouverture de UpIls ont simplement utilisé des en-têtes de scène classiques pour chaque nouvelle scène, car ce montage comportait plusieurs lieux et racontait une histoire plus longue. Dans ce cas, nous l'écririons comme n'importe quelle autre partie du scénario.
Dans les cas où nous voulons montrer une période plus courte avec une action plus ciblée, nous utiliserions MONTAGE: après l'en-tête de la scène et avant la description de l'action.
Ensuite, nous rédigeons les différentes descriptions d'actions du montage sous forme de liste. Certains utilisent des listes numérotées, d'autres ajoutent simplement « -- » au début de chaque ligne.
Dans mon scénario pour Terres enneigéesL'héroïne, Feba, fugue et voyage seule pendant un certain temps. Je souhaitais illustrer à la fois le passage du temps et la découverte de nouvelles régions du pays.
EXT. MONTAGNES ENNEIGÉES – DIVERS
MONTAGE:
1) Feba court. Elle suit un sentier depuis le point d'observation et atteint une rivière. Elle décide de la suivre.
2) Plus tard, sur une route enneigée. Une violente tempête de neige fait rage contre elle.
3) LA NUIT CÔTE LE JOUR. Elle est toujours sur le chemin. La tempête s'est calmée. Elle est épuisée.
4) NOUVEAU TERRAIN. Différentes ombres d'animaux l'observent tandis qu'elle fait les cent pas. Rongeurs. Araignées. Oiseaux. Elle a peur.
Tôt le matin. Elle est faible. Elle marche plus lentement. Ses yeux sont fatigués.
Certains auteurs ajoutent « FIN DU MONTAGE » à la fin, mais ce n'est pas obligatoire.
Comme pour beaucoup d'éléments que nous avons abordés, l'utilisation d'un montage est techniquement évitable ; n'y recourez donc que lorsque vous estimez qu'il est nécessaire pour raconter l'histoire de la manière la plus efficace et la plus claire possible.
Flashback
Les flashbacks sont utilisés de la même manière qu'un montage, mais ils ont un but différent.
Alors qu'un montage sert à condenser le temps pour raconter une séquence plus longue en peu de temps, les flashbacks sont utilisés pour révéler quelque chose sur l'histoire ou le personnage.
Les retours en arrière peuvent être un outil narratif puissant, mais ils peuvent aussi être surutilisés ou mal utilisés.
Il existe deux types de flashbacks fréquemment utilisés dans les scénarios :
Le premier est un Retour rapide sur le passé pour illustrer un moment important avant de revenir au présent, et l'autre type est plus retour en arrière structurel, qui reste dans le passé pendant de longues séquences.
Voici trois manières générales d'aborder l'écriture d'un flashback :
Petit retour en arrière : Comme lorsqu'un personnage se souvient de quelque chose pendant un bref instant.
RESTAURANT INT. JOUR
Joe se dirige vers sa table. Jane, la serveuse, le heurte accidentellement à l'épaule.
JEANNE:
Oups ! Je ne vous avais pas vu.
Joe la regarde s'éloigner. Ses yeux s'écarquillent.
FLASH INFO :
— Joe passe devant Jane dans le bus.
Jane descend du bus et lui adresse un large sourire avant de mettre le pied dans la rue.
— Joe vous sourit en retour.
RETOUR À LA SCÈNE
JOÉ :
C'est elle!
Lorsque le flashback contient davantage d'éléments narratifs et de dialogues, nous utiliserons la deuxième méthode, qui consiste simplement à… ajout du mot « flashback » entre parenthèses à la fin de l'en-tête de la scène, comme ceci :
INT. BUS. JOUR (FLASHBACK)
Pour que le raccord avec le flashback soit plus perceptible, il est courant d'ajouter un « CUT TO » avant la scène.
Voici un bon exemple d'utilisation correcte de la transition CUT TO :
À la fin de la scène de flashback, nous ajouterons un autre « CUT TO » pour bien indiquer que nous revenons au présent.
COUPE À :
INT. BUS – JOUR (FLASHBACK)
Joe est assis dans le bus. Jane marche accidentellement sur sa chaussure.
JEANNE:
Oh, je suis vraiment désolée !
JOÉ :
Tout va bien, ne t'en fais pas.
Elle continue de marcher en lui souriant. Elle descend du bus.
COUPE À :
RESTAURANT INT. JOUR
Joe fixe Jane du regard tandis qu'elle prend une assiette sur la table.
JOÉ :
C'est elle!
Ensuite, si notre flashback se déroule sur de nombreuses scènes, ou s'il est tout simplement très long, nous pouvons vouloir inclure une section entière du script dans un flashback, et nous le faisons en ajoutant BEGIN FLASHBACK : avant la première scène de flashback.
Ensuite, nous écrivons simplement les scènes de flashback comme des scènes normales, en ajoutant un indicateur de fin à la fin, comme RETOUR AU PRÉSENT ou FIN DE LA SÉQUENCE DE FLASHBACK.
DÉBUT DU FLASHBACK
BUS INT. – JOUR
Joe est assis dans le bus. Jane marche accidentellement sur sa chaussure.
JEANNE:
Oh, je suis vraiment désolée !
JOÉ :
Tout va bien, ne t'en fais pas.
Elle continue de marcher en lui souriant. Elle descend du bus.
EXT. RUE DE LA VILLE – JOUR
Joe descend la rue en regardant nerveusement autour de lui. Il aperçoit un BAR de l'autre côté de la rue et s'y dirige.
INT. BAR – JOUR
Joe entre dans le bar et cherche une place assise. Il repère un tabouret vide au bout du comptoir et s'y installe.
BARMAN
Que puis-je vous offrir ?
JOE
Juste une bière, merci.
Le barman fait glisser une bière vers Joe et se penche vers lui.
BARMAN
Qu'est-ce qui préoccupe votre esprit?
JOE
Je viens de voir la plus belle fille dans le bus.
Je n'ai même pas su son nom.
BARMAN
Eh bien, c'est dommage.
Vous la recroiserez peut-être !
JOE
(rires)
Ouais peut-être.
BARMAN
On ne sait jamais.
Le barman hoche la tête et retourne nettoyer les verres tandis que Joe prend une autre gorgée de sa bière.
RETOUR AU PRÉSENT
RESTAURANT INT. JOUR
Joe fixe Jane du regard tandis qu'elle prend une assiette sur la table.
JOÉ :
C'est elle!
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