Die Feinheiten verstehen richtiges Drehbuchformat ist mehr als eine bloße Formalität; es ist ein grundlegender Aspekt des Drehbuchschreibens, unerlässlich für den Erfolg eines Autors.
Es geht hier nicht nur darum, aufgrund von Formatierungsfehlern nicht direkt abgelehnt zu werden. Es geht vielmehr darum zu erkennen, dass solche Fehler, einschließlich Tippfehler, Interpunktionsfehler und Grammatikfehler, die wahrgenommene Qualität Ihrer Arbeit erheblich beeinträchtigen können.
Ein gut formatiertes Skript signalisiert den Lesern, dass Sie nicht nur eine fesselnde Geschichte besitzen, sondern auch die Professionalität und Detailgenauigkeit, die in dieser Branche unerlässlich sind.
In diesem Beitrag gehen wir auf die wichtigsten Elemente eines Drehbuchformats ein. Sie erfahren, wie Sie häufige Fehler vermeiden und Ihr Drehbuch im branchenüblichen Format präsentieren, wodurch sich dessen Lesbarkeit und Erfolgschancen verbessern.
Titelblatt
Die Titelseite ist die Visitenkarte Ihres Drehbuchs, und es empfiehlt sich, sie schlicht zu halten. Aufwendige Grafiken, Bilder oder ungewöhnliche Schriftarten mögen zwar verlockend erscheinen, um Ihr Drehbuch hervorzuheben, lassen es aber eher wie das Werk eines Amateurs wirken.
Was auf Ihre Titelseite gehört:
- Drehbuchtitel: Der Titel Ihres Drehbuchs sollte zentriert und in Großbuchstaben etwa ein Drittel der Seite von oben stehen. Sie können ihn unterstreichen oder in Anführungszeichen setzen, aber nicht beides.
- Dein Name: Schreiben Sie Ihren Namen zentriert und mit doppeltem Zeilenabstand unter den Titel, in normaler Groß- und Kleinschreibung. Sie können sich mit Formulierungen wie „von“, „geschrieben von“ oder „Ein Originaldrehbuch von“ vorstellen.
- Kontakt Info: Tragen Sie Ihre Kontaktdaten und, falls vorhanden, die Daten Ihres Agenten oder Managers (Name, Telefonnummer, Adresse und E-Mail-Adresse) in die untere rechte Ecke ein, bitte nicht in Großbuchstaben.
- Beyogen auf: Wenn Ihr Drehbuch auf einem bestehenden Werk wie einem Roman basiert, geben Sie dies bitte mit dem Zusatz „basiert auf“ unter Ihrem Namen an, zentriert und in Kleinbuchstaben.
Das Wichtigste bei der Titelseite ist, sie ordentlich zu gestalten und auf Tippfehler und andere Fehler zu achten, da sie das Erste ist, was Leser sehen. Ein Tippfehler im späteren Verlauf des Manuskripts mag ihnen entgehen, aber ein Fehler auf der ersten Seite kann die Chancen, gelesen zu werden, erheblich schmälern.
Szenenüberschriften
Szenenüberschriften (oder Sluglines) dienen dazu, Ort und Zeit der Szenen in Ihrem Drehbuch festzulegen.
Sie mögen einfach erscheinen, aber es ist wichtig, sie richtig zu machen, um häufige Fehler zu vermeiden, die einen als Amateur abstempeln könnten.
Hier die Grundlagen zu Szenenüberschriften:
- Positionierung: Szenenüberschriften sollten linksbündig und in Großbuchstaben formatiert sein.
- Bestandteile eines Szenenkopfes: Sie bestehen aus drei Hauptteilen:
- INT./EXT.: Gibt an, ob die Szene drinnen (INT.) oder draußen (EXT.) spielt.
- Ort: Eine kurze Beschreibung des Schauplatzes, zum Beispiel: CAFÉ.
- Uhrzeit: Üblicherweise TAG oder NACHT, kann aber bei Bedarf auch bestimmte Zeiten wie DÄMMERUNG oder SONNENUNTERGANG einschließen.
Ejemplo: Ein einfacher Szenenkopf für eine Szene in einem Café bei Tag könnte so aussehen:
INT. COFFEE SHOP – DAY
Diese Elemente helfen bei der logistischen Planung des Drehs, beispielsweise bei der Bestimmung der Anzahl der Nachtaufnahmen oder der benötigten Vielfalt an Drehorten.
Wann und wie man Szenenüberschriften verwendet:
-
Vorstellung neuer Standorte: Verwenden Sie eine neue Szenenüberschrift, sobald sich Ihre Charaktere an einen anderen Ort begeben, selbst innerhalb desselben Gebiets. Einheitliche Ortsnamen sind entscheidend, um Verwirrung zu vermeiden.
-
Veränderungen im Tagesverlauf: Szenenüberschriften signalisieren zudem wichtige Zeitwechsel, beispielsweise von Tag zu Nacht. Dies trägt dazu bei, den zeitlichen Fluss Ihrer Erzählung aufrechtzuerhalten.
-
Unterstandorte und kontinuierliche Maßnahmen: Für Handlungen, die sich durch verschiedene Unterbereiche innerhalb eines größeren Schauplatzes bewegen, oder für fortlaufende Szenen können Sie Varianten wie die folgenden verwenden:
INT. MUSEUM – BATHROOM – DAY
INT.MUSEUM – LOBBY – CONTINUOUS
- Szenen mit Innen- und Außenhandlung: Wenn eine Szene sowohl Innen- als auch Außenelemente umfasst, wie zum Beispiel Figuren in einem Auto, verwenden Sie:
INT./EXT. CAR – DAY
Obwohl TAG und NACHT die gängigsten Begriffe zur Zeitangabe sind, ist die Verwendung spezifischer Uhrzeiten wie DÄMMERUNG durchaus angebracht, wenn sie zum Verständnis der Szene beitragen. Generell empfiehlt es sich jedoch, bei den Grundbegriffen zu bleiben, es sei denn, eine bestimmte Uhrzeit ist für die Szene unerlässlich.
Aktionsbeschreibung
Die Handlungsbeschreibungen folgen stets den Szenenüberschriften und haben zum Ziel, festzulegen, wer sich in der Szene befindet, was um sie herum geschieht und was sie tun.
Ejemplo:
INNEN. CAFÉ - TAG JOE und SARAH sitzen einander gegenüber und nippen an ihrem Kaffee. Joe blickt über die Schulter.
Diese Handlungsbeschreibung sollte ausreichen, um die Szene zu etablieren, bevor wir zum Dialog der Figur übergehen.
Wir verwenden kurze, prägnante Sätze im Präsens, im Aktiv, und beschreiben nur das, was wir sehen können und was für die Darstellung der Szene relevant ist.
Vermeiden Sie übermäßig beschreibende und komplizierte Formulierungen, da diese den Erzählfluss des Drehbuchs hemmen. Beschreiben Sie nicht die inneren Gedanken und Gefühle der Figuren oder Hintergrundgeschichten, die nicht visuell dargestellt werden können. Die Handlungsbeschreibung sollte kurz, interessant und informativ sein.
Bei einer längeren Beschreibung sollten Sie die Handlung in mehrere Absätze gliedern:
INNEN. CAFÉ – TAG. Das Café ist voll mit Anzugträgern, die sich vor der Arbeit schnell einen Kaffee holen. Es ist laut und unordentlich. Ein Kellner stolpert und lässt ein Tablett mit schmutzigem Geschirr fallen. Die Gäste verstummen kurz, als sie den Kellner stolpern sehen, setzen dann aber schnell ihre Geschäfte fort. Joe und Sarah sitzen sich gegenüber und nippen an ihrem Kaffee. Sie bemerken den ungeschickten Kellner nicht. Joe wirft einen Blick über die Schulter.
Bleiben Sie beim Präsens. Anstatt zu schreiben: „Ein Kellner stolperte und ließ sich fallen." oder "Die Gäste verstummten einen Moment lang, als sie zusahen, wie der Kellner stolperte.", schreiben "Ein Kellner stolpert und lässt fallen" und "Die Gäste verstummen einen Moment lang, als sie den Kellner stolpern sehen.".
Schreibe nur, was wir sehen oder hören können. Wir können nicht schreiben: „Ein Kellner stolpert und lässt ein Tablett voller schmutzigem Geschirr fallen. Beschämt steht er langsam auf und denkt kurz darüber nach, zu kündigen.".
Es offenbart innere Gedanken und Gefühle auf eine Weise, die in einem Drehbuch nicht funktioniert, da die Zuschauer des Films keine Möglichkeit haben, dies zu wissen, weil sie es nicht sehen können.
Schreiben Sie nur das, was auf dem Bildschirm zu sehen ist. Wenn Sie Verlegenheit ausdrücken möchten, überlegen Sie sich kreative visuelle Möglichkeiten: „Ein Kellner stolpert und lässt ein Tablett voller schmutzigem Geschirr fallen. Er seufzt tief, steht langsam auf und vermeidet den Blickkontakt mit den Gästen. Kopfschüttelnd und vor sich hin murmelnd hebt er das Geschirr vom Boden auf.".
Wenn Sie sich das obige Beispiel noch einmal ansehen, werden Sie feststellen, dass die Namen der Figuren in Großbuchstaben geschrieben wurden. Das machen wir jedes Mal, wenn wir eine neue Figur einführen.
Falls es sich um eine Hauptfigur handelt, sollten wir auch ein paar Worte hinzufügen, die diese Figur und den Eindruck, den sie vermittelt, beschreiben.
Ejemplo:
In einer Ecknische sitzt Joe, 42, schlank und bärtig. Er wirkt, als hätte er das Haus seit zehn Jahren nicht mehr verlassen. Daneben sitzt Sarah, 37. Gepflegt und elegant. Eine große Sonnenbrille verdeckt fast ihre gesamten markanten Gesichtszüge. Sie sieht aus, als wäre sie lieber überall anders als hier. Sie nippen an ihrem Kaffee. Joe blickt über die Schulter.
Diese Beschreibung ist so anschaulich, dass sie Ihnen nicht nur eine Vorstellung davon vermittelt, wie diese Charaktere aussehen, sondern auch, wie ihre Einstellung und ihr Temperament sind.
Nachdem Charaktere eingeführt wurden, werden ihre Namen in zukünftigen Beschreibungen nicht mehr großgeschrieben.
Wichtige Objekte und Laute werden in der Regel ebenfalls großgeschrieben. Dies geschieht, wenn wir möchten, dass die Aufmerksamkeit auf ein bestimmtes Objekt lenken:
In einer Ecknische sitzt Joe, 42, schlank und bärtig. Er wirkt, als hätte er das Haus seit zehn Jahren nicht mehr verlassen. Daneben sitzt Sarah, 37. Gepflegt und elegant. Eine große Sonnenbrille verdeckt fast ihre gesamten markanten Gesichtszüge. Sie sieht aus, als wäre sie lieber überall anders als hier. Sie nippen an ihrem Kaffee. Joe blickt über die Schulter. In seiner Hand umklammert eine alte Taschenuhr.
Für GeräuscheDie Großschreibung sieht folgendermaßen aus:
Der Laden ist voll mit Anzugträgern, die sich vor der Arbeit schnell einen Kaffee holen. Es ist laut und unordentlich. KLANG! Ein Kellner stolpert und lässt ein Tablett voller schmutzigem Geschirr fallen. Die Gäste verstummen kurz, als sie dem Kellner beim Stolpern zusehen, setzen dann aber schnell ihr Geschäft fort.
Falls Sie zusätzlich zu den visuellen Elementen Text hinzufügen müssen, beispielsweise um eine Zeit oder einen Ort anzugeben („London, 1998“), erfolgt dies ebenfalls in der Aktionsbeschreibung.
Es steht in einer eigenen Zeile, nach dem Hauptabsatz, mit dem Wort „ÜBEREINSTIMMUNGdem vorhergehenden Abschnitt vorausgehend:
INNEN. CAFÉ – TAG. Das Café ist voll mit Anzugträgern, die sich vor der Arbeit schnell einen Kaffee holen. Es ist laut und unordentlich. Ein Kellner stolpert und lässt ein Tablett mit schmutzigem Geschirr fallen. Die Gäste verstummen kurz, als sie den Kellner stolpern sehen, setzen dann aber schnell ihr Geschäft fort. ÜBERBLENDUNG: „New York City, 2023“
Beachten Sie, dass das Wort SUPERIMPOSE in Großbuchstaben geschrieben ist und der Text entweder in Anführungszeichen oder unterstrichen sein kann, aber nicht beides.
Dialog
Der Dialog folgt der Handlungsbeschreibung, es sei denn, in der Szene spricht niemand.
Im Gegensatz zum Großteil des Textes in einem Drehbuch ist der Dialog mittig auf der Seite platziert, wodurch er sich abhebt und den Lesefluss fördert.
Es besteht aus zwei Teilen: 1) der Name der sprechenden Figur und 2) die Worte, die sie sagen.
Das Name des Zeichens sollte immer großgeschrieben werden, während der Worte sind in normaler Groß- und Kleinschreibung:
SARAH
Wurden Sie verfolgt?
JOE
Nein. Ich glaube nicht. Hast du das Geld dabei?
Sie können spezielle Anweisungen in Klammern hinzufügen, entweder zwischen dem Namen der Figur und dem Dialog oder rechts neben dem Namen der Figur.
Der erste Anwendungsfall dafür ist Regiewie zum Beispiel „wütend“ oder „leise“:
SARAH
(Flüstern)
Wurden Sie verfolgt?
JOE
(Nervös)
Nein, ich glaube nicht.
Hast du das Geld mitgebracht?
Diese Anweisungen sind oft verpönt und sollten nur selten oder gar nicht befolgt werden.
Verwenden Sie sie nur dann, wenn Sie eine ganz bestimmte Anweisung für den Schauspieler haben, die nicht dem Zufall überlassen werden kann.
Ein mehr allgemeine und akzeptierte Verwendung dieser Anweisungen Dient dazu, dem Leser zu verdeutlichen, dass die Figur mit einer bestimmten Figur spricht, wenn mehrere Figuren in der Szene vorhanden sind:
MICHA
Sind die Kameras installiert?
JODY
Sie werden gerade eingerichtet.
MICHA
(An Lenny)
Und die Mikrofone?
LENNY
Alles bereit!
Am besten lässt man den Text für sich sprechen, anstatt dem Leser zu erklären, was man eigentlich erreichen will. Vermeiden Sie daher nach Möglichkeit die Verwendung dieser Anweisungen.
Eine dritte Anwendungsmöglichkeit dieser Anweisungen besteht, wenn eine Figur in einer anderen Sprache sprechen:
SARAH
Wurden Sie verfolgt?
JOE
Nein. Ich glaube nicht. Hast du das Mon— mitgebracht?
Sarahs Telefon klingelt. Sie nimmt ab.
SARAH
(Auf Französisch)
Nein. Ich bin gerade erst angekommen. Ich rufe dich später an.
SARAH
(Auf Französisch, mit Untertiteln)
Nein. Ich bin gerade erst angekommen. Ich rufe dich später an.
Alle Dialoge in [eckigen Klammern] sind auf Französisch.
SARAH
Wurden Sie verfolgt?
JOE
Nein. Ich glaube nicht. Hast du das Mon— mitgebracht?
Sarahs Telefon klingelt. Sie nimmt ab.
SARAH
[Nein. Ich bin gerade erst angekommen. Ich rufe dich später an.]
Eine weitere Verwendung von Klammern ist bei der Verwendung von VO oder OS, welches dafür steht Voice Over und Außerhalb des Bildschirms.
Wenn wir die Gedanken oder die Erzählung der Figur über das Bild hinweg hören, nennt man das … Voice-over und sollte im Skript wie folgt angegeben werden:
JOE (VO)
Ich wusste, dass es sich um eine Falle handeln könnte, aber ich hatte keine Wahl.
Es gab nur einen Weg, das herauszufinden.
JEREMY
Du dachtest wohl, es wäre so einfach, was?
Gib das Geld aus. Aktuell!
Veränderungen
Von den Grundlagen Schnitt zu Übergang zu kreativeren wie AUFLÖSEN ZU und PASSEN SIE UM ZUÜbergänge können genutzt werden, um Szenen kreativ miteinander zu verbinden, den Zeitablauf darzustellen und Klänge und Bilder miteinander zu verknüpfen.
Es ist jedoch wichtig, sie mit Bedacht einzusetzen, denn Übermäßiger Einsatz von Übergängen kann ein Drehbuch amateurhaft wirken lassen. und von der eigentlichen Geschichte ablenken.
SCHNITT ZU: Der häufigste Übergang signalisiert einen drastischen Szenenwechsel oder eine Veränderung der Gefühlslage einer Figur. Er sollte verwendet werden, wenn der Autor dem Leser verdeutlichen möchte, dass er zu einem neuen Abschnitt des Drehbuchs übergeht.
ÜBERLÖSEN IN: Wird verwendet, wenn eine Szene in die nächste überblendet wird, um einen Zeitablauf anzuzeigen.
Schnitt zu: Schafft eine nahtlose Verbindung zwischen zwei Szenen, indem eine visuelle oder auditive Ähnlichkeit zwischen ihnen hervorgehoben wird.
SCHNITT ZU: Erzeugt einen irritierenden Effekt beim Publikum, überrascht es und verstärkt die emotionale Wirkung einer Szene.
ZEITSCHNITT AUF: Wird verwendet, um den Zeitablauf anzuzeigen, in der Regel ohne Ortswechsel.
Andere Übergänge wie ABWISCHEN, IRIS-TO und FADE-TO werden heutzutage selten verwendet.
EINBLENDEN: ist der einzige Übergang, der sich auf der rechten Seite anstatt auf der linken Seite befindet und nur einmal erscheint, nämlich als erste Zeile des Skripts vor der ersten Szenenüberschrift.
AUSBLENDEN (oder BLENDE ZU SCHWARZ AUS:) ist der letzte Übergang des Skripts.
Obwohl Drehbuchautoren viele verschiedene Arten von Übergängen zur Verfügung stehen, ist es am wichtigsten, sie überlegt und gezielt einzusetzen.
Obwohl sie nützliche Werkzeuge sein können, um Szenen miteinander zu verbinden und Schlüsselmomente hervorzuheben, kann ihre übermäßige Verwendung von der Geschichte ablenken und das Drehbuch unprofessionell wirken lassen.
Im Zweifel ist es immer besser, auf Nummer sicher zu gehen und Übergänge ganz wegzulassen.
JOE
Hast du das Geld?
SARAH
Warum bist du so nervös? Du hast doch gar nichts.
SPRACHE (OS)
Lass die Hände vom Koffer!
Sarah dreht sich um und sieht JEREMY, der mit einer Pistole auf sie zielt.
JEREMY
Du dachtest wohl, es wäre so einfach, was?
Gib das Geld raus. Jetzt!
Kameraausrichtung
Kameraanweisungen oder Kamerawinkel werden häufig in Drehbüchern verwendet, um zu beschreiben, wie eine Szene gedreht werden soll.
Dazu gehören die Außenseiter, Halbtotale, close-up und extreme Nahaufnahme, Unter anderem.
Allerdings ist die Verwendung von Kameraanweisungen in modernen Drehbüchern seltener geworden, da sie das Drehbuch oft überladen und potenzielle Regisseure verärgern können.
In den meisten Fällen ist es ratsam, Kameraanweisungen ganz zu vermeiden. Statt Kamerawinkel explizit anzugeben, sollte man die Szene beschreibend schildern.
Ejemplo:
EXT. PARK – TAG
Mary sitzt auf einer Bank und blickt auf den Teich. In der Ferne paddeln Enten umher. Plötzlich bemerkt sie einen Schatten über sich und schaut auf. Es ist John. Er steht hinter ihr, die Arme verschränkt, und sieht auf sie herab.
In diesem Beispiel können wir uns die Szene vorstellen, ohne dass explizite Kameraanweisungen nötig sind. Dieser Ansatz sorgt für ein flüssigeres und angenehmeres Leseerlebnis.
Es gibt jedoch Fälle, in denen Kameraanweisungen notwendig sind. Zum Beispiel, wenn ein bestimmter visueller Punkt nicht anders beschrieben werden kann. In diesen Fällen ist es wichtig, Kameraanweisungen sparsam und gezielt einzusetzen.
Ejemplo:
INT. LABOR – TAG
Ein Mann ist an einen Stuhl gefesselt. Vor ihm steht Polizeibeamter Dan.
BEAMTER DAN:
Gut, Herr Porter, es scheint, als hätten Sie alle Tests bestanden. Wir haben bestätigt, dass Sie kein Android sind, und Sie können entlassen werden. Entschuldigen Sie die Unannehmlichkeiten.
Die Handschellen schnappen zu und geben die Hände des Mannes frei. Er reibt sich die Handgelenke.
MANN:
Kein Problem, Herr Wachtmeister. Es war überhaupt keine Umstände.
Der Mann lächelt. ECU ON – in seiner Pupille erscheint ein winziger Barcode.
In diesem Beispiel wird die Verwendung von „Steuergerät“ oder „extreme Nahaufnahme“ ist notwendig, um die visuellen Details des Barcodes im Auge des Mannes zu vermitteln.
Ein weiterer Anwendungsfall für Kameraausrichtungen ist die Standpunkt (POV) Perspektivenwechsel. Hierbei handelt es sich um den Moment, in dem der Autor den Leser die Szene aus der Sicht einer bestimmten Figur „sehen“ lassen möchte.
Ejemplo:
INT. KRANKENZIMMER. TAG
MICHAELS SICHT
Es ist verschwommen. Michael sieht eine Krankenschwester, die ihre Instrumente am Waschbecken reinigt. Der Arzt tippt auf seinem Computer.
MICHAEL:
W… wo bin ich—
Es wird immer verschwommener. Er verliert das Bewusstsein.
In diesem Beispiel trägt die Verwendung von „MICHAELS PERSPEKTIVE“ dazu bei, den Leser in Michaels Erlebnisse eintauchen zu lassen und bietet eine einzigartige Perspektive, die durch reine Beschreibung nur schwer zu vermitteln wäre.
Montage / Rückblende
Montagen und Rückblenden sind Erzählmittel, die zwar mitunter überstrapaziert werden können, aber dennoch helfen, die eigene Geschichte auf unterschiedliche und interessante Weise zu erzählen. Für Drehbuchautoren ist es daher wichtig zu wissen, wann und wie man sie einsetzt.
Montage
Eine Montage ist eine Reihe kurzer Szenen, die in schneller Folge gezeigt werden, um in kurzer Zeit eine längere Geschichte zu erzählen.
Das Schreiben einer Montage in einem Drehbuch kann auf verschiedene Arten erfolgen.
Für längere Montagen, wie zum Beispiel die Eröffnung von UpSie verwendeten einfach reguläre Szenenüberschriften für jede neue Szene, da diese Montage mehrere Schauplätze umfasste und eine längere Geschichte erzählte. In diesem Fall würden wir sie genauso schreiben wie jeden anderen Teil des Drehbuchs.
In Fällen, in denen wir einen kürzeren Zeitraum mit gezielterem Handeln darstellen möchten, würden wir verwenden MONTAGE: nach der Szenenüberschrift und vor der Handlungsbeschreibung.
Dann schreiben wir die verschiedenen Aktionsbeschreibungen für die Montage in eine Liste. Manche verwenden nummerierte Listen, andere fügen einfach vor jeder Zeile ein '--' ein.
In meinem Drehbuch für SchneelandeDie Hauptfigur Feba läuft von zu Hause weg und reist eine Zeitlang allein. Ich wollte sowohl den Zeitablauf als auch den Übergang in neue Regionen des Landes darstellen:
AUSSEN. VERSCHNEETE BERGE – VERSCHIEDENE
MONTAGE:
1) Feba rennt. Sie folgt einem Pfad vom Aussichtspunkt aus und erreicht einen Fluss. Sie beschließt, diesem zu folgen.
2) Später auf einer verschneiten Straße. Ein heftiger Schneesturm tobt vor ihr.
3) Die Nacht bricht an. Sie ist noch immer unterwegs. Der Sturm hat nachgelassen. Sie ist erschöpft.
4) NEUES TERRAIN. Verschiedene Tierschatten beobachten sie, während sie auf und ab geht. Nagetiere. Spinnen. Vögel. Sie hat Angst.
FRÜHER MORGEN. Sie ist schwach. Geht langsamer. Ihre Augen sind müde.
Manche Autoren fügen am Ende noch END MONTAGE hinzu, aber es ist nicht zwingend notwendig.
Wie bei vielen der besprochenen Elemente ist die Verwendung einer Montage technisch gesehen etwas, das man vermeiden kann. Setzen Sie sie daher nur dann ein, wenn Sie der Meinung sind, dass sie notwendig ist, um die Geschichte am effizientesten und klarsten zu erzählen.
Rückblende
Rückblenden werden ähnlich wie Montagen eingesetzt, haben aber einen anderen Zweck.
Während eine Montage dazu dient, die Zeit zu verdichten, um eine längere Sequenz in kurzer Zeit zu erzählen, werden Rückblenden verwendet, um etwas über die Geschichte oder die Figur zu enthüllen.
Rückblenden können ein wirkungsvolles Erzählmittel sein, aber sie können auch überstrapaziert oder unsachgemäß eingesetzt werden.
Es gibt zwei Arten von Rückblenden, die häufig in Drehbüchern verwendet werden:
Der erste ist ein Ein kurzer Blick zurück in die Vergangenheit um einen wichtigen Moment zu veranschaulichen, bevor man zur Gegenwart zurückkehrt, und der andere Typ ist ein mehr struktureller Rückblick, was für längere Sequenzen in der Vergangenheit verbleibt.
Hier sind drei allgemeine Herangehensweisen an das Schreiben einer Rückblende:
Kurzer Blick zurück in die Vergangenheit: So wie wenn sich eine Figur für einen kurzen Moment an etwas erinnert.
INT. DINER. TAG
Joe geht zu seinem Tisch. Jane, die Kellnerin, stößt versehentlich gegen seine Schulter.
JANE:
Hoppla! Ich habe dich gar nicht gesehen.
Joe sieht ihr nach, als sie weggeht. Seine Augen weiten sich.
BLITZ ZU:
–– Joe geht im Bus an Jane vorbei.
–– Jane steigt aus dem Bus und schenkt ihm ein breites Lächeln, bevor sie auf die Straße tritt.
–– Joe lächelt zurück.
ZURÜCK ZUR SZENE
JOE:
Es ist ihr!
Wenn die Rückblende mehr Handlung und Dialoge enthält, verwenden wir die zweite Methode, die einfach darin besteht, … das Wort "Rückblende" hinzufügen in Klammern am Ende der Szenenüberschrift, etwa so:
INTERNER GESCHÄFTSTAG (RÜCKBLENDE)
Um den Übergang zur Rückblende etwas deutlicher zu machen, ist es üblich, vor der Szene ein „CUT TO:“ einzufügen.
Dies ist ein gutes Beispiel für die korrekte Verwendung des Übergangs CUT TO:.
Am Ende der Rückblende fügen wir einen weiteren Schnitt ein, um deutlich zu machen, dass wir in die Gegenwart zurückkehren.
SCHNITT ZU:
INTERNER BUS – TAG (RÜCKBLENDE)
Joe sitzt im Bus. Jane tritt ihm versehentlich auf den Schuh.
JANE:
Oh, das tut mir so leid!
JOE:
Alles gut, mach dir keine Sorgen.
Sie geht weiter und lächelt ihn an. Sie steigt aus dem Bus.
SCHNITT ZU:
INT. DINER. TAG
Joe starrt Jane an, als sie einen Teller vom Tisch nimmt.
JOE:
Es ist ihr!
Falls sich unsere Rückblende über mehrere Szenen erstreckt oder einfach sehr lang ist, möchten wir möglicherweise einen ganzen Abschnitt des Drehbuchs in eine Rückblende einbetten. Dies erreichen wir, indem wir BEGIN FLASHBACK: vor der ersten Rückblendenszene einfügen.
Dann schreiben wir die Rückblenden einfach wie normale Szenen und fügen am Ende einen Endindikator hinzu, wie z. B. ZURÜCK IN DIE GEGENWART oder ENDE DER RÜCKBLENDENSEQUENZ.
RÜCKBLENDE BEGINNEN
INTERNER BUS – TAG
Joe sitzt im Bus. Jane tritt ihm versehentlich auf den Schuh.
JANE:
Oh, das tut mir so leid!
JOE:
Alles gut, mach dir keine Sorgen.
Sie geht weiter und lächelt ihn an. Sie steigt aus dem Bus.
AUSSENSTADTSTRASSE – TAG
Joe geht die Straße entlang und blickt sich nervös um. Er entdeckt eine Bar auf der anderen Straßenseite und steuert darauf zu.
INT. BAR – TAG
Joe betritt die Bar und sucht nach einem Sitzplatz. Er entdeckt einen leeren Hocker am Ende der Bar und setzt sich.
BARMANN
Was kann ich Ihnen besorgen?
JOE
Nur ein Bier, danke.
Der Barkeeper schiebt Joe ein Bier zu und beugt sich vor.
BARMANN
Was haben Sie auf dem Herzen?
JOE
Ich habe gerade das schönste Mädchen im Bus gesehen.
Ich habe nicht einmal ihren Namen erfahren.
BARMANN
Das ist schade.
Vielleicht triffst du sie ja wieder!
JOE
(lacht)
Ja vielleicht.
BARMANN
Man weiß nie.
Der Barkeeper nickt und wendet sich wieder dem Gläserputzen zu, während Joe einen weiteren Schluck Bier nimmt.
ZURÜCK IN DIE GEGENWART
INT. DINER. TAG
Joe starrt Jane an, als sie einen Teller vom Tisch nimmt.
JOE:
Es ist ihr!
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