Recientemente he estrenado mi tercer ^cortometraje de animación, Tasteful , y he decidido dedicar un tiempo a escribir sobre todos los pasos que hay detrás de la realización de la película, de principio a fin, explicándolos de la forma más sencilla posible, para que incluso si no perteneces a la industria de la animación o los efectos visuales, te hagas una idea de lo que se necesita para hacer una película de animación.

Ah, y hay una sorpresa genial al final, para asegurarnos de que lo leas hasta el final.

Historia

La primera y probablemente la parte más importante al hacer cualquier película es una buena historia. Si no cuentas bien la historia, no importa lo bien que se vea la película, la gente no la disfrutará.

La historia es lo primero. Asegúrate de que funcione antes de seguir adelante. Cambiará mucho a medida que avancemos con la producción, pero queremos asegurarnos de que nuestro punto de partida sea lo mejor posible.

Script

Tras concebir una idea para una película, la escribimos en un guion. Es importante plasmar la idea en palabras lo antes posible para poder detectar cualquier problema con la historia antes de comenzar la producción.

Existen varios programas que puedes usar para escribir tu guion, como Final Draft o Celtx , pero yo personalmente uso Scrivener , que probablemente sea el mejor programa de escritura multiusos que existe.

Arte conceptual

Una vez que tengo el guion, intento crear tantas piezas de arte conceptual como sea posible para empezar a establecer el estilo visual de la película.

(Cuando digo "yo", me refiero a mi equipo de arte conceptual, formado por artistas increíbles. Ellos fueron quienes crearon todo el arte conceptual para la película).

El arte conceptual es una etapa muy divertida. Es la primera oportunidad que tienes de ver partes de tu película cobrar vida en papel. Se trata de explorar y experimentar.

Storyboard

El siguiente paso es el storyboard. Probablemente sea uno de los pasos más importantes para desarrollar nuestra película. El storyboard nos permite ver la película en su conjunto e identificar problemas de historia y ritmo narrativo.

Hacer un storyboard también nos proporciona algo que podemos mostrar a otras personas para obtener retroalimentación. La mayoría de la gente reacciona mejor a un storyboard que a un guion. En este punto, suelo ajustar mi historia y hacer cambios hasta que estoy satisfecho con los storyboards y listo para pasar a hacer un animatic.

Animatic

Un animatic es la versión cinematográfica del storyboard. Un storyboard es como un cómic, y un animatic es como una película.

Importamos todos los storyboards a un programa de edición y los editamos con la sincronización correcta, música temporal y efectos de sonido. Buscamos un punto en el que se transmitan los diferentes momentos clave de la historia.

Cuando terminemos, tendremos lista la primera versión de la película. Si bien un storyboard es excelente, un animatic realmente ofrece un primer vistazo de cómo será nuestra película.

Se lo muestro a la gente de nuevo, recibo más comentarios, ajusto los gráficos, la sincronización y el ritmo hasta que estoy muy satisfecho con el resultado de la película.

Modelado

La producción 3D comienza con el modelado. Creamos todos los elementos digitales para la película: los entornos, los decorados, los objetos de utilería y, por supuesto, los personajes. Utilizamos el arte conceptual y las hojas de modelos que creamos previamente y modelamos a partir de ellos.

Cuando se crean los modelos, en realidad no pueden hacer nada; podemos colocarlos en nuestras escenas, pero no pueden moverse hasta que les asignemos el esqueleto de animación.

Aparejo

Cuando hablamos de animar un modelo, nos referimos a crear una especie de esqueleto digital con diferentes controles para moverlo. Antes de animar un modelo, era como una estatua. Ahora se parecen más a figuras de acción, pero con movimientos mucho más sutiles.

El técnico de rigging se asegura de que tengamos suficientes controles para cada parte del cuerpo y la cara, de modo que podamos crear todas las acciones y expresiones que necesitamos.

Luego, importamos nuestros modelos con esqueleto al programa 3D y comenzamos a crear las tomas. Colocamos todos los elementos donde deben estar y creamos una cámara 3D para capturar la toma. Posicionamos las cámaras y los personajes como si estuviéramos filmando una película de acción real. Finalmente, damos vida a las tomas con animación.

Previsualización

Sin embargo, antes de comenzar con la animación final, hay otro paso importante para asegurar que la historia funcione: crear una previsualización.

La previsualización es la siguiente etapa del animatic. Esta vez, utilizamos nuestros recursos 3D. Configuramos todas las tomas en el programa 3D, con todos los ángulos de cámara y movimientos finales, y creamos una animación muy básica para los personajes. Lo justo para transmitir la acción de la escena.

Luego, importamos todas las tomas al programa de edición, tal como hicimos con el animatic. Ahora tenemos una previsualización de nuestra película, con los modelos 3D y el movimiento de cámara correctos.

Este es realmente el último paso en el que aún podemos hacer cambios en la historia. La animación lleva muchísimo tiempo y sería un gran desperdicio tener que modificar la historia después.

De nuevo, se lo mostramos a más gente, recabamos opiniones del equipo y nos aseguramos de que estamos completamente satisfechos con el resultado. Después, empezamos con la animación.

Animación

La animación es mi parte favorita del proceso de realización cinematográfica. Es donde finalmente damos vida a los personajes. Empiezan a moverse y comenzamos a ver el alma de nuestra película justo delante de nosotros.

Es una sensación increíble cuando está terminado, pero también requiere mucho tiempo. Si se hace mal, arruinará la película. Una mala animación es como una mala actuación. Aunque el guion y la historia sean sólidos, el público no la disfrutará si la interpretación es deficiente.

La forma en que animamos a los personajes es moviendo los controles creados durante la fase de rigging. Manipulamos estos controles para colocar a nuestros personajes en la pose correcta, creamos un fotograma clave (que captura la pose en la computadora) y luego movemos los controles a la siguiente pose, y repetimos el proceso. Hay muchos más detalles técnicos , pero esta es la idea principal.

Texturizado / Iluminación

Antes de exportar nuestras tomas, necesitamos texturizar nuestros modelos e iluminar nuestras escenas. Esto implica crear diferentes materiales para asignar a las distintas partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso uno para la piel.

Les damos el color adecuado e iluminamos las tomas con luces virtuales 3D, intentando replicar cómo funciona la luz en la vida real. Una luz principal para toda la escena, que actúa como el sol, y algunos focos alrededor de los puntos de interés, como en un plató de cine.

representación

Una vez que nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado. El renderizado es el proceso de calcular los datos de nuestras escenas y crear imágenes fijas a partir de ellos.

A continuación, llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects , extraemos los datos y las imágenes necesarios y los combinamos para crear las imágenes finales.

Este proceso de renderizado y composición es muy técnico y demasiado complicado para abordarlo en detalle en este artículo, pero si te interesa, intenta buscar estos dos términos para encontrar tutoriales en profundidad sobre cómo funciona el proceso.

Edición

Una vez que tenemos las imágenes renderizadas, las importamos a nuestro programa de edición y reemplazamos las tomas de la previsualización con las tomas finales. Igual que reemplazamos el animatic con la previsualización.

Ahora podemos ver por primera vez nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición. Pero aún no está del todo terminada. Necesitamos hacer algunas correcciones de color y etalonaje.

Corrección/gradación de color

La corrección de color consiste en ajustar los colores de cada toma para que coincidan con las tomas anteriores y posteriores. Nos aseguramos de que cada toma no tenga zonas demasiado blancas o demasiado negras, ni sobreexpuestas o subexpuestas. En resumen, trabajamos para lograr un color uniforme y correcto en toda la película.

Luego, hacemos la corrección de color, que es la parte más divertida y creativa. Al hacerla, intentamos crear un estilo visual propio para toda la película, de modo que tenga una apariencia distintiva.

En Tasteful intenté potenciar los tonos rosas y morados, creando una especie de aspecto deslavado con una paleta de colores pastel que me gustó mucho.

Música / Diseño de sonido

Antes de terminar, hay dos cosas importantes que debemos resolver. Dos en las que probablemente hemos estado trabajando durante toda la producción: el diseño de sonido y la música.

He estado trabajando con mi músico desde el primer día de producción, asegurándome de que la música encajara con lo que intentábamos lograr con la película, así como de que la película funcionara con la música.

La música no es algo que se pueda añadir sin más al terminar la edición. Creo que hay que trabajar en ella durante todo el proceso de producción para que se convierta en parte integral de la historia.

A continuación, el diseñador de sonido finaliza todos los efectos de sonido de la película: efectos de sonido ambientales, voces, así como la masterización y la mezcla del audio final de la película.

¡Y hemos terminado! ¿Y ahora qué?

Esta fue una breve descripción general de lo que se necesita para hacer un cortometraje de animación.

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