Hacer un cortometraje de animación - La realización de un buen gusto

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Recientemente he estrenado mi 3rd cortometraje de animación Con mucho gustoy he decidido dedicar algo de tiempo a escribir sobre todos los pasos que hay detrás de la realización de la película, desde el principio hasta el final, explicándolos de la forma más sencilla posible, para que incluso si no eres de la industria de la animación o de los efectos visuales te hagas una idea de lo que se necesita para hacer una película de animación.

Oh, y hay una sorpresa muy guay al final, para asegurarse de que lees todo el camino.

Historia

La primera y probablemente más importante parte de hacer cualquier película es una buena historia. Si no consigues tu historia correctamente, no importa lo bien que se vea tu película, la gente no disfrutará viéndola.

La historia es lo primero. Asegúrate de que funciona antes de seguir adelante. Cambiará mucho a medida que avancemos en la producción, pero queremos asegurarnos de que nuestro punto de partida sea el mejor posible.

Guión

Después de tener una idea para una película, la escribimos en un guión. Es importante transcribir tu idea en palabras lo antes posible, para que podamos detectar cualquier problema con la historia antes de entrar en producción.

Hay algunos programas que puedes utilizar para escribir tu guión, como Final Draft o Celtx, pero yo personalmente utilizo Scrivener, que es probablemente el mejor programa de escritura polivalente que existe.

Arte conceptual

Una vez que tengo mi guión, trato de crear tantas piezas de arte conceptual como puedo, para empezar a establecer el estilo visual de la película.

(Cuando digo yo, me refiero a mi equipo de arte conceptual, formado por increíbles artistas. Ellos fueron los que crearon todo el arte conceptual de la película).

El arte conceptual es un paso muy divertido. Es la primera oportunidad que tienes de ver partes de tu película cobrar vida en el papel. Se trata de explorar y probar cosas.

Storyboard

Lo siguiente es el storyboard. Es probablemente uno de los pasos más importantes para entender nuestra película. El storyboard nos permite ver nuestra película como un todo y detectar los problemas de la historia y el ritmo.

Hacer uno también nos proporciona algo que podemos mostrar a otras personas para que nos den su opinión. La mayoría de la gente reacciona mejor a un guión gráfico que a un guión. En este punto, suelo ajustar mi historia y hacer cambios hasta que estoy satisfecho con los tableros y listo para pasar a hacer un animatic.

Animatic

Un animatic es una versión cinematográfica del guión gráfico. Un guión gráfico es como un cómic, y un animático es como una película.

Llevamos todas las tablas a un programa de edición y las editamos con el tiempo correcto, música temporal y efectos de sonido. Intentamos llegar a un punto en el que transmita los diferentes ritmos de la historia.

Cuando terminemos tenemos la primera versión de la película lista para ver. Por muy bueno que sea un guión gráfico, un animado realmente muestra un primer vistazo de cómo va a ser nuestra película.

Lo muestro a la gente de nuevo, obtengo más comentarios, retoco los tableros, el ritmo y el tiempo hasta que estoy muy contento con el funcionamiento de la película.

Modelado

La producción 3D comienza con el modelado. Creando todos los activos digitales para la película: Los ambientes, los escenarios, la utilería y, por supuesto, los personajes. Utilizamos el arte conceptual y las hojas de modelo que creamos antes, y modelamos en base a ellos.

Los modelos, cuando se crean por primera vez, no pueden hacer nada, podemos colocarlos en nuestras escenas, pero no se pueden mover hasta que los aparejemos.

Aparejado

Cuando hablamos de manipular un modelo nos referimos a crear una especie de esqueleto digital con diferentes controles para moverlo. Antes de aparejar, nuestros modelos eran como estatuas. Ahora son más como figuras de acción, sólo que con movimientos mucho más matizados.

El aparejador se asegura de que tengamos suficientes controles para cada parte del cuerpo y de la cara, para que podamos crear cada acción y expresión que necesitemos.

Luego llevamos nuestros modelos manipulados al programa 3D y empezamos a crear nuestras tomas. Colocamos todos los activos donde deben estar y creamos una cámara 3D para capturar la toma. Colocamos las cámaras y los personajes en su lugar como si estuviéramos filmando una película de acción en vivo. Luego le damos vida a las tomas con animación.

Vista prevía

Pero antes de empezar la animación final, hay otro paso importante para asegurarse de que la historia funciona: Crear una previz, o previsualización.

Un previz es la próxima encarnación de lo animático. Esta vez, usando nuestros activos 3D. Preparamos todas las tomas del programa 3D, con todos los ángulos de cámara y movimientos finales, y creamos una animación muy básica para los personajes. Lo suficiente para transmitir la acción en la escena.

Luego llevamos todas las tomas al programa de edición, como hicimos con el animatic. Ahora tenemos una versión previz de nuestra película, con los modelos 3D correctos y el movimiento de la cámara.

Este es realmente el último paso en el que todavía podemos hacer cambios en la historia. La animación lleva mucho tiempo y sería un gran desperdicio si tuviéramos que hacer cambios en la historia después de eso.

Una vez más, lo mostramos a más gente, recibimos comentarios del equipo y nos aseguramos de que estamos completamente contentos con el funcionamiento de la película. Luego, pasamos a la animación.

Animación

La animación es mi parte favorita del proceso de creación de una película. Es donde finalmente le damos vida a los personajes. Comienzan a moverse, y empezamos a ver el alma de nuestra película justo frente a nosotros.

Es una sensación increíble cuando se hace, pero también lleva mucho tiempo. Si se hace incorrectamente, arruinará la película. Una mala animación es como una mala actuación. Incluso si la escritura y la historia son sólidas, la gente no lo disfrutará si la entrega es incorrecta.

La forma de animar a los personajes es moviendo los controles creados durante la etapa de rigging. Manipulamos estos controles para poner a nuestros personajes en la pose correcta, creamos un fotograma clave (que captura la pose en el ordenador), y luego movemos los controles a la siguiente pose, y repetimos. Hay muchos más detalles técnicos, pero esto es lo esencial.

Textura / Iluminación

Antes de exportar nuestras tomas necesitamos texturizar y modelar e iluminar nuestras escenas. Eso significa crear diferentes materiales para asignar a las diferentes partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso uno para la piel.

Les damos el color correcto y encendemos las tomas con luces virtuales 3D, tratando de replicar cómo funciona la luz en la vida real. Una luz principal para toda la escena, actuando como el sol, y unos pocos focos alrededor de nuestros puntos de interés, como en el set de una película.

Renderización

Cuando nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado. El renderizado es el proceso de calcular los datos de nuestras escenas, y crear imágenes fijas a partir de ellos.

A continuación, llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects, extraemos los datos e imágenes necesarios y los combinamos para crear las imágenes finales.

Este proceso de renderización y composición es muy técnico y demasiado complicado para entrar realmente en este artículo, pero si estás interesado en eso intenta buscar en estos 2 términos para encontrar algunos tutoriales en profundidad sobre cómo funciona el proceso.

Editando

Una vez que tenemos nuestras imágenes renderizadas, las traemos de vuelta a nuestro programa de edición y reemplazamos las tomas anteriores con nuestras nuevas tomas terminadas. Al igual que reemplazamos el animatic con el previz.

Ahora podemos ver nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición por primera vez. Pero, no está realmente terminada todavía. Necesitamos hacer algo de corrección de color y graduación.

Corrección de color / Gradación

La corrección de color es el proceso de manipular los colores de cada toma individual para que coincida con la que viene antes y después de ella. También nos aseguramos de que cada toma no tenga partes que sean demasiado blancas o demasiado negras, sobreexpuestas o subexpuestas. Básicamente trabajamos para obtener un color consistente y correcto en toda la película.

Luego calificamos nuestra película, que es la parte más divertida y creativa. Cuando clasificamos nuestra película intentamos crear un estilo visual para toda la película, para que tenga un aspecto distinto.

En Tasteful traté de impulsar los rosas y los púrpuras, creando una especie de aspecto deslavado con una paleta de colores pastel que me gustó mucho.

Música / Diseño de sonido

Antes de terminar hay dos cosas importantes de las que nos tenemos que ocupar. En las que probablemente hemos estado trabajando durante toda la producción: El diseño de sonido y la música.

He estado trabajando con mi músico desde el primer día de la producción, asegurándome de que la música encaja con lo que tratábamos de hacer con la película, así como de que la película funciona con la música.

La música no suele ser algo que se pueda poner simplemente cuando se termina de editar. Creo que debería trabajarse durante la producción para que se convierta en una parte integral de la historia.

Luego el diseñador de sonido finaliza todos los efectos de sonido de la película: Locura, ambiente y voces, así como la masterización y mezcla en el audio final de la película.

¡Y hemos terminado! ¿Y ahora qué?

Este fue un resumen muy corto de lo que se necesita para hacer un cortometraje de animación.

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