Lancei recentemente meu terceiro ^curta -metragem de animação, Tasteful , e decidi dedicar um tempo para escrever sobre todas as etapas da produção do filme, do início ao fim, explicando-as da maneira mais simples possível, para que mesmo quem não é da área de animação ou efeitos visuais possa ter uma ideia do que é necessário para fazer um filme de animação.

Ah, e tem uma surpresa muito legal no final, para garantir que você leia até o fim.

História

A primeira e provavelmente a mais importante parte de fazer qualquer filme é uma boa história. Se você não acertar na história, não importa o quão bonito seja o seu filme, as pessoas não vão gostar de assisti-lo.

A história vem em primeiro lugar. Certifique-se de que ela funcione antes de prosseguir. Muita coisa vai mudar conforme avançamos na produção, mas queremos garantir que nosso ponto de partida seja o melhor possível.

Script

Depois de concebermos uma ideia para um filme, escrevemos o roteiro. É importante transcrever a sua ideia para palavras o mais cedo possível, para que possamos identificar quaisquer problemas com a história antes de iniciarmos a produção.

Existem alguns programas que você pode usar para escrever seu roteiro, como o Final Draft ou o Celtx , mas eu pessoalmente uso o Scrivener , que provavelmente é o melhor programa de escrita para todos os fins que existe.

Concept Art

Assim que tenho o roteiro, tento criar o máximo de artes conceituais possível para começar a estabelecer o estilo visual do filme.

(Quando digo "eu", me refiro à minha equipe de arte conceitual, formada por artistas incríveis. Foram eles que criaram toda a arte conceitual do filme).

A criação de arte conceitual é uma etapa muito divertida. É a primeira oportunidade que você tem de ver partes do seu filme ganharem vida no papel. É tudo sobre explorar e experimentar coisas novas.

Storyboard

A próxima etapa é o storyboard. Provavelmente, é um dos passos mais importantes para definirmos nosso filme. O storyboard nos permite analisar o filme como um todo e identificar problemas de narrativa e ritmo.

Criar um storyboard também nos fornece algo que podemos mostrar a outras pessoas para obter feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um storyboard do que a um roteiro. Nesse ponto, geralmente ajusto minha história e faço alterações até ficar satisfeito com os storyboards e pronto para começar a fazer um animatic.

Animatic

Um animatic é uma versão cinematográfica do storyboard. Um storyboard é como uma história em quadrinhos, e um animatic é como um filme.

Importamos todos os storyboards para um programa de edição e os editamos com a sincronização correta, música temporária e efeitos sonoros. Estamos tentando chegar a um ponto em que transmita os diferentes momentos da história.

Quando terminarmos, teremos a primeira versão do filme pronta para ser assistida. Por mais útil que seja um storyboard, um animatic realmente oferece um primeiro vislumbre de como será o nosso filme.

Mostro o filme para as pessoas novamente, recebo mais comentários, ajusto os storyboards, o tempo e o ritmo até ficar muito satisfeito com o resultado final.

Modelagem

A produção em 3D começa com a modelagem. Criamos todos os elementos digitais para o filme: os ambientes, cenários, adereços e, claro, os personagens. Utilizamos a arte conceitual e as folhas de modelo que criamos anteriormente e modelamos com base nelas.

Os modelos, quando criados pela primeira vez, não conseguem fazer muita coisa; podemos colocá-los em nossas cenas, mas eles não podem se mover até que os animemos (rigs).

Cordame

Quando falamos em "rigging" de um modelo, nos referimos à criação de uma espécie de esqueleto digital com diferentes controles para movimentá-lo. Antes do rigging, nossos modelos eram como estátuas. Agora, eles são mais parecidos com figuras de ação, só que com movimentos muito mais sutis.

O técnico de animação garante que tenhamos controles suficientes para cada parte do corpo e do rosto, para que possamos criar todas as ações e expressões necessárias.

Em seguida, importamos nossos modelos 3D para o programa e começamos a criar as cenas. Posicionamos todos os elementos onde precisam estar e criamos uma câmera 3D para capturar a imagem. Posicionamos as câmeras e os personagens como faríamos em um filme com atores reais. Depois, damos vida às cenas com animação.

Pré-visualização

Antes de começar a animação final propriamente dita, há outra etapa importante para garantir que a história funcione: criar uma pré-visualização.

A pré-visualização é a próxima etapa do animatic. Desta vez, utilizamos nossos modelos 3D. Configuramos todas as cenas no programa 3D, com todos os ângulos de câmera e movimentos finais, e criamos animações bem básicas para os personagens. Apenas o suficiente para transmitir a ação da cena.

Em seguida, importamos todas as cenas para o programa de edição, assim como fizemos com o animatic. Agora temos uma versão de pré-visualização do nosso filme, com os modelos 3D e a movimentação de câmera corretos.

Este é realmente o último passo em que ainda podemos fazer alterações na história. A animação leva muito tempo e seria um grande desperdício se tivéssemos que fazer alterações na história depois disso.

Mais uma vez, mostramos o filme para mais pessoas, recebemos feedback da equipe e garantimos que estamos completamente satisfeitos com o resultado final. Só então começamos a animação.

Animação

A animação é a minha parte favorita do processo de produção cinematográfica. É onde finalmente damos vida aos personagens. Eles começam a se mover e começamos a ver a alma do nosso filme bem diante dos nossos olhos.

É uma sensação incrível quando está pronto, mas também leva muito tempo. Se feito incorretamente, pode arruinar o filme. Uma animação ruim é como uma atuação ruim. Mesmo que o roteiro e a história sejam sólidos, as pessoas não vão gostar se a execução for ruim.

A forma como animamos os personagens é movendo os controles criados durante a etapa de rigging. Manipulamos esses controles para colocar nossos personagens na pose correta, criamos um quadro-chave (que captura a pose no computador) e, em seguida, movemos os controles para a próxima pose, repetindo o processo. Há muito mais detalhes técnicos envolvidos, mas essa é a essência do processo.

Texturização / Iluminação

Antes de exportar nossas imagens, precisamos texturizar nossos modelos e iluminar nossas cenas. Isso significa criar diferentes materiais para atribuir às diferentes partes dos modelos. Alguns simulam metal, outros plástico e até mesmo um para pele.

Nós definimos a cor e a iluminação corretas para as cenas com luzes virtuais 3D, tentando replicar como a luz funciona na vida real. Uma luz principal para toda a cena, simulando o sol, e alguns refletores ao redor dos pontos de interesse, exatamente como em um set de filmagem.

Rendering

Quando nossas cenas estão texturizadas e iluminadas, iniciamos o processo de renderização. Renderizar é o processo de calcular os dados em nossas cenas e criar imagens estáticas a partir deles.

Em seguida, levamos essas imagens para um programa de composição, como o Nuke ou o After Effects , extraímos os dados e as imagens necessários e os combinamos para criar as imagens finais.

Esse processo de renderização e composição é muito técnico e complexo para ser abordado detalhadamente neste artigo, mas se você tiver interesse, tente pesquisar esses dois termos para encontrar tutoriais mais aprofundados sobre como o processo funciona.

Edição

Assim que tivermos as imagens renderizadas, importamos elas de volta para o nosso programa de edição e substituímos as cenas de pré-visualização pelas novas cenas finalizadas. Da mesma forma que substituímos o animatic pela pré-visualização.

Agora podemos ver nosso filme finalizado na linha do tempo da edição pela primeira vez. Mas, na verdade, ainda não está totalmente pronto. Precisamos fazer alguns ajustes de cor e gradação.

Correção/Graduação de Cor

A correção de cor é o processo de manipular as cores de cada tomada individual para que correspondam às tomadas anteriores e posteriores. Também garantimos que cada tomada não tenha partes excessivamente brancas ou escuras, superexpostas ou subexpostas. Basicamente, trabalhamos para obter uma cor consistente e correta em todo o filme.

Em seguida, fazemos a correção de cor do filme, que é a parte mais divertida e criativa. Ao fazer a correção de cor, tentamos criar um estilo visual para todo o filme, para que ele tenha uma aparência distinta.

Em "Tasteful" , tentei explorar os tons de rosa e roxo, criando uma espécie de visual desbotado com uma paleta de cores pastel que eu realmente gostei.

Música / Design de Som

Antes de finalizarmos, há duas coisas importantes que precisamos resolver. Coisas em que provavelmente já estamos trabalhando durante toda a produção: design de som e música.

Tenho trabalhado com meu músico desde o primeiro dia de produção, garantindo que a música se encaixasse no que estávamos tentando fazer com o filme, bem como garantindo que o filme funcionasse em harmonia com a música.

A música geralmente não é algo que você simplesmente adiciona depois de terminar a edição. Acho que ela deve ser trabalhada ao longo de toda a produção para que se torne parte integrante da história.

Em seguida, o designer de som finaliza todos os efeitos sonoros do filme: efeitos de animação, ambiência e vozes, além de masterizar e mixar o áudio final do filme.

E terminamos! E agora?

Esta foi uma breve visão geral do que é necessário para fazer um curta-metragem de animação.

Se você quiser saber mais, tenho uma surpresa interessante para você.

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