Animação para Iniciantes
Por onde eu começo?
Uma das perguntas mais frequentes que recebo (quase diariamente) é:
“Quero entrar no ramo da animação. Por onde começo?”
Neste guia completo, tento abordar (quase) tudo o que você precisa saber sobre animação se estiver tentando entrar na indústria da animação.
Vou abordar alguns dos conceitos básicos de animação, vocabulário, princípios, software, hardware, livros, cursos, bem como algumas opções para pessoas que desejam entrar na indústria da animação, mas se sentem sobrecarregadas ou intimidadas.
Vou abordar o que é animação, o que é necessário para fazer filmes de animação (2D ou 3D) e até mesmo como começar a procurar emprego na indústria.
Fácil de aprender, difícil de dominar
Hoje em dia é mais fácil do que nunca entrar no ramo da animação.
O software está ficando mais barato (ou até gratuito), e a maioria dos computadores modernos consegue lidar com tarefas de animação mais simples (principalmente em 2D).
O problema é que, embora qualquer pessoa possa começar a animar agora mesmo, a arte da animação ainda leva tempo para ser dominada.
A boa notícia é...
Você não precisa ser um animador do nível da Disney para criar animações realmente incríveis.
Você pode começar com desenhos pequenos e simples e, aos poucos, desenvolver suas habilidades e seu estilo único. Você nem precisa saber desenhar bem.
E também...
Criamos um curso completo dedicado à compreensão dos princípios básicos da animação, para que você possa dominar o básico antes de começar a animar. É este aqui, logo abaixo.
Curso de Fundamentos de Animação
Aprenda os princípios básicos da animação de personagens, incluindo uma visão geral dos diferentes tipos de animação , vocabulário básico e os 12 princípios da animação . Se você está começando agora e quer garantir que seus conhecimentos básicos estejam bem dominados, este curso é o melhor lugar para começar.
O que é animação?
Animação é a arte de dar vida a objetos inanimados ou a personagens ilustrados/gerados em 3D.
É criado projetando-se imagens sequenciais rapidamente, uma após a outra, para criar a ilusão de vida.
Mas essa não é exatamente a primeira coisa que você imagina quando ouve a palavra Animação , não é?
Isso são apenas detalhes técnicos...
Você provavelmente está pensando na Disney , Pixar ou Ghibli . Chegaremos lá...
A parte mais importante de tudo isso é a palavra vida . Dar vida é a verdadeira essência do trabalho do animador. E existem muitas maneiras de fazer isso.
Poderia ser através de um desenho.
Isso pode ser feito movendo estruturas de personagens em um software 3D.
Poderia ser com fantoches , personagens recortados ou figuras de Lego.
Então, o que significa ser um animador? significar?
Antes de começarmos, você pode assistir a este vídeo onde explico as diferenças entre animação em 2D e 3D. Isso lhe dará uma ideia do que um animador realmente faz.
Isso também pode lhe dar uma pista sobre qual direção você gostaria de seguir.
Vocabulário de animação
Agora que abordamos a ideia básica do que é animação, é importante entender o vocabulário e os termos especializados usados na indústria de animação e cinema.
Esses termos aparecerão com frequência, então vamos dedicar alguns minutos para revisá-los:
Timeline
A linha do tempo é a parte do software de animação que representa o progresso da animação ao longo do tempo.
Dependendo do software, podemos usar a linha do tempo para fazer alterações no tempo da animação, bem como na posição dos elementos.
Taxa de quadros
A taxa de quadros de uma animação é o número de imagens individuais (ou quadros) que são exibidas ao longo de um segundo. É uma configuração que você pode ajustar no software de animação.
A animação geralmente é feita a 24 quadros por segundo (FPS).
Trabalhando em Um e Dois
Trabalhar com um ou dois quadros por vez é um termo usado na animação desenhada à mão.
Trabalhar em um desenho próprio significaria fazer um novo desenho para cada quadro da animação.
Trabalhar em "dois quadros por segundo" significa manter cada desenho por dois quadros, então um segundo de animação a 24 quadros por segundo teria apenas 12 desenhos, e não 24.
Na animação 2D, trabalhar com dois quadros por segundo funciona bem na maioria dos casos, e há até situações em que os desenhos podem ser mantidos por mais tempo. Em 3D, no entanto, trabalhar com um quadro por vez é o padrão.
Planos e cenas
Normalmente, em filmagens com atores reais, o termo " plano " se refere às imagens entre as transições de câmera, enquanto uma cena engloba todos os planos e diálogos que ocorrem em um local específico durante um período contínuo de tempo.
Na animação, porém, costumamos usar os termos "cena" e "plano" como sinônimos. Quando falamos de uma cena/plano, geralmente nos referimos a um trecho contínuo específico de animação entre os cortes de câmera.
Quadros-chave | Quebras | Intermitentes
Quadros-chave, breakdowns e in-betweens são termos importantes, mas seus significados variam ligeiramente dependendo do tipo de animação.
Na animação tradicional desenhada à mão, os quadros-chave (ou simplesmente quadros-chave) são as poses principais que definem a cena. Os quadros intermediários (breakdowns) vêm entre os quadros-chave e definem o movimento de um quadro-chave para o seguinte. Os quadros intermediários (in-between) são todos os quadros que aparecem entre eles para suavizar o movimento.
Em 3D, um quadro-chave é qualquer posição na linha do tempo onde o animador definiu a posição do personagem. Os quadros intermediários são todos os quadros que o computador interpreta ou gera automaticamente para mover o personagem de um quadro-chave para outro.
keyframes
Separação
Entre-meios
Imagens retiradas do Kit de Sobrevivência do Animador / Richard Williams
Tempo | Espaçamento | Suavização
Tempo, espaçamento e suavização são termos intimamente relacionados.
O termo "timing" refere-se ao número total de quadros que serão usados para um movimento. O termo "spacing" refere-se à quantidade de mudança que ocorre entre cada quadro. Diminuir o espaçamento faz com que um objeto pareça mais lento, enquanto aumentá-lo faz com que pareça mais rápido.
Na animação digital, o easing é a forma como o espaçamento é controlado, geralmente através de um gráfico de movimento na linha do tempo.
Esfolamento de Cebola
Na animação, é muito útil poder visualizar mais de um quadro por vez.
Na animação em papel, isso é feito com vários desenhos sobre uma mesa de luz , mas em programas de animação modernos, geralmente existe um recurso chamado "onion skinning" (sobreposição de quadros). Ele permite visualizar representações semitransparentes dos quadros anteriores ou posteriores ao quadro atual em que você está trabalhando.
Composição
A composição é o processo de juntar todas as partes individuais de uma cena para criar o resultado visual final.
Você pode ter um plano de fundo, vários personagens e um cenário, todos sendo desenvolvidos separadamente. A composição é como todas essas peças são unidas em uma única cena.
Os 12 Princípios da Animação
A base de qualquer formação em animação são os 12 princípios da animação.
Os 12 princípios eram um conjunto de conceitos fundamentais desenvolvidos na década de 1930 por animadores dos Estúdios Walt Disney, durante a transição da produção de curtas-metragens para a de longas-metragens. Foi um processo gradual de descoberta e aprimoramento, no qual os animadores buscavam elevar seu trabalho a um novo patamar de qualidade.
Esses 12 princípios foram compilados pela primeira vez pelos lendários animadores Frank Thomas e Ollie Johnston em 1981, em seu livro "A Ilusão da Vida".
Criar a ilusão de vida é a essência desses princípios. Eles nos ajudam a criar personagens que parecem ter peso, personalidade e existir em um mundo real, com leis da física reais em ação.
Embora tenham sido desenvolvidas por animadores 2D, elas ainda se aplicam à animação 3D e a qualquer outro tipo de animação.
1. Comprima e alongue
Compressão e alongamento descrevem como um objeto muda de forma em resposta às forças que atuam sobre ele.
Compressão ocorre quando um objeto é comprimido pelo impacto de uma força oposta. Estiramento ocorre quando um objeto é distendido por algo que o puxa ou por um movimento rápido.
2. Antecipação
A antecipação é um movimento menor que precede um movimento maior e sinaliza que o movimento maior está prestes a acontecer.
3. Estadiamento
A encenação consiste na apresentação de uma cena de forma a tornar o seu conteúdo o mais claro possível e a sua função narrativa o mais forte possível.
4. Em linha reta vs. De pose em pose
Animação direta e animação pose a pose são abordagens diferentes para animar.
"Straight-ahead" significa criar cada novo quadro em sequência, do início ao fim. "Pose-to-pose" significa criar primeiro as poses principais de cada ação e, em seguida, preencher as poses intermediárias.
5. Acompanhamento e Ações Sobrepostas
A ação de acompanhamento e sobreposição refere-se à tendência de diferentes partes do corpo se moverem em velocidades diferentes.
Isso inclui o conceito de arrasto , que ocorre quando uma parte do corpo fica para trás no início de um movimento.
6. Entrar devagar e sair devagar
A expressão "aceleração lenta" refere-se à tendência dos objetos de acelerarem (e depois desacelerarem ) gradualmente ao se moverem de uma posição para outra.
Às vezes, essas técnicas são chamadas de "easy-in" e "easy-out" , ou simplesmente "easying".
7. Arcos
O princípio dos arcos deriva da observação de que os seres vivos não se movem em linha reta, mas sim em movimentos curvos.
Criar arcos graciosos e nítidos muitas vezes eleva a animação e revela o nível de experiência do animador.
8. Ação Secundária
A ação secundária refere-se a movimentos (ou gestos) menores que dão suporte às ações primárias de um personagem.
Essas ações tornam a imagem mais clara, enfatizando a atitude ou a motivação por trás do movimento.
9. Cronometragem
O controle de tempo consiste em determinar a velocidade de uma ação através do número de quadros utilizados para representá-la.
É um dos princípios mais fundamentais entre os 12 e leva anos para dominar.
10. Exagero
Exagerar significa representar um assunto de forma intensificada ou extrema , em vez de estritamente realista, para dar mais profundidade à sua animação.
11. Desenho Sólido
Desenho sólido significa posicionar os personagens de forma a criar uma sensação de volume , peso e equilíbrio.
Desenhar para animação exige ser capaz de desenhar os personagens de qualquer ângulo ou pose, levando em consideração a tridimensionalidade.
12. Recurso
Apelo é um termo amplo que abrange quaisquer qualidades do design de um personagem que o tornam inerentemente cativante de se assistir.
Isso inclui o design do personagem, bem como a forma como ele é animado.
Para uma análise mais aprofundada dos 12 princípios...
Sugerimos que você dê uma olhada no nosso curso de Fundamentos da Animação.
Este curso aborda os princípios básicos da animação de personagens e aprofunda cada um dos 12 princípios da animação , além de fluxos de trabalho e técnicas básicas de animação. Se você está começando agora e quer garantir que seus conhecimentos básicos estejam bem cobertos, este curso é o melhor ponto de partida.
Tipos de Animação
Existem muitos tipos diferentes de animação, alguns dos quais você provavelmente já conhece, então vamos fazer um breve resumo dos diferentes tipos de animação e quais são as diferenças e semelhanças entre eles.
Animação 3D
Toy Story 4 | Estúdios de Animação Pixar
A animação 3D, também conhecida como CGI (imagens geradas por computador), é o tipo de animação mais popular para longas-metragens atualmente, e também se tornou comum na televisão e em curtas-metragens.
Este é também o mesmo tipo de animação usado para criar personagens digitais para filmes com atores reais e animações para videogames.
Um animador usa um boneco digital (chamado de rig de personagem ) para posicionar o personagem e, em seguida, usa um sistema de trajetórias de movimento (ou splines) para definir o movimento do personagem entre essas poses.
O computador então interpola os quadros da animação entre os quadros-chave. O animador refina esses quadros até ficar satisfeito com a animação.
A animação 3D é um processo tecnicamente complexo, que geralmente envolve muitos especialistas diferentes para modelar o personagem, equipá-lo com ossos e controles, animá-lo e, em seguida, texturizá-lo e iluminá-lo para o resultado final.
Animação 2D desenhada à mão
Mogli: O Menino Lobo | Produção Walt Disney
O primeiro tipo de animação 2D pode ser chamado de animação tradicional ou animação em celuloide. Eu prefiro o termo animação desenhada à mão, porque ele define seu aspecto mais importante: o fato de ser desenhada à mão.
Este é o tipo clássico de animação com o qual você provavelmente está mais familiarizado. Antigamente, os animadores desenhavam os personagens quadro a quadro, e esses desenhos eram então transferidos para folhas transparentes de acetato chamadas celuloides para serem pintadas. É daí que vem o termo animação em celuloide .
Ao longo da década de 1990, quase todos os estúdios de animação deixaram de usar acetatos e começaram a digitalizar os desenhos para colorir digitalmente no computador . Atualmente, muitos animadores que desenham à mão dispensam o papel e desenham diretamente no computador usando uma mesa digitalizadora ou monitores Wacom Cintiq.
Assim, a animação desenhada à mão podia ser feita inteiramente de forma analógica, inteiramente digital ou uma combinação de ambas. O importante é que os animadores que trabalham com animação à mão ainda criam seus quadros por quadros, usando as mesmas técnicas e princípios dos tempos antigos, com papel e acetato.
Animação Vetorial 2D
Rick and Morty | Adult Swim
Atualmente, existem novas maneiras de criar animação 2D usando um boneco digital 2D . Esses personagens 2D são construídos com um sistema de ossos e controles que podem ser manipulados de forma semelhante a um rig de personagem 3D.
A diferença entre personagens 2D com rigging e personagens desenhados à mão pode ficar um pouco tênue. Programas como o Toon Boom Harmony e o Adobe Animate CC permitem combinar perfeitamente animação desenhada à mão com técnicas de marionetes 2D, às vezes até mesmo no mesmo personagem.
Um personagem pode ter ossos que permitem ao animador posicioná-lo, mas também ter outras partes que são animadas manualmente.
Stop Motion Animation
Kubo e as Duas Cordas | Laika
A animação stop motion possui diversas variantes, mas todas envolvem a manipulação de objetos do mundo real . Esses objetos são movidos ligeiramente e fotografados um fotograma de cada vez. Quando exibidos em sequência, esses fotogramas criam a ilusão de movimento.
Em animações stop motion de alta qualidade, como as criadas pela Laika (Coraline, Kubu e as Duas Cordas), um boneco especialmente preparado é filmado em um cenário em miniatura.
A animação em massa de modelar é uma técnica semelhante. Nela, são usados personagens maleáveis, embora geralmente sejam feitos de uma substância chamada plasticina, e não de argila propriamente dita.
Você também pode fazer animação stop motion com figuras e objetos comuns, como todas aquelas ótimas animações de Lego que você encontra no YouTube.
Outra variação da animação stop motion é a animação com recortes de papel . Nesse estilo, os personagens são construídos com formas de papel. Elas podem ser unidas pelas juntas para formar uma figura articulada, ou as peças podem ser fixadas de forma que possam ser trocadas. Em seguida, são movimentadas e fotografadas quadro a quadro, como um boneco de stop motion. Foi assim que South Park foi originalmente animado.
Outro tipo raro de animação stop motion é chamado de pixelização . Na pixelização, pessoas reais são usadas em vez de marionetes.
Todos esses tipos de animação stop motion compartilham uma característica importante:
Todas as cenas precisam ser filmadas em plano frontal, o que significa começar no primeiro fotograma e filmar cada fotograma um após o outro, até o final da cena.
Se um erro for cometido em um quadro, é muito difícil corrigi-lo sem ter que começar tudo de novo. Você não pode simplesmente redesenhar esse quadro como faria em uma animação 2D. Isso torna esse tipo de animação particularmente complexo e exige muita paciência.
Animação gráfica em movimento
Motion graphics
A última grande categoria de animação é a de motion graphics. Motion graphics se concentra em criar apresentações dinâmicas e interessantes de logotipos com texto em movimento e ilustrações básicas.
As animações gráficas podem ser tanto em 2D quanto em 3D , e você as encontrará em todos os lugares: comerciais, vídeos explicativos, eventos esportivos, noticiários e outras produções televisivas.
A animação de personagens propriamente dita geralmente está fora do escopo da computação gráfica em movimento, mas muitos dos princípios básicos da animação também se aplicam à computação gráfica em movimento.
Para uma análise mais aprofundada dos 5 tipos de animação , confira nosso guia completo sobre os 5 tipos de animação, incluindo o histórico detalhado de cada tipo e as melhores escolas, softwares e cursos.
O Processo de Animação
Agora que entendemos os conceitos básicos do que é animação, vamos analisar o fluxo de trabalho de criação de animações.
Primeiro, abordarei as etapas básicas do processo de produção de filmes de animação (todas as partes envolvidas na criação de um filme de animação) e, em seguida, detalharei o processo de animação de uma cena do início ao fim.
Quais são, então, as etapas para fazer um filme de animação?
1. história
A primeira (e provavelmente a mais importante) parte para fazer qualquer filme é uma boa história.
Se você não acertar a história desde o início, não importa o quão bom o seu filme pareça, as pessoas não vão gostar de assisti-lo. A história vem em primeiro lugar. Certifique-se de que ela seja boa e funcione antes de prosseguir.
Na animação, a história muitas vezes evolui e muda durante a produção, já que você não está restrito às cenas que conseguiu filmar no set. Portanto, quanto mais trabalho você investir no desenvolvimento da sua história , mais reduzirá o tempo perdido durante a produção.
2. Roteiro
Assim que a ideia da história estiver pronta para ser expressa em palavras , o próximo passo é escrever o roteiro.
É importante transformar a ideia em palavras o mais rápido possível, para que possamos identificar quaisquer problemas com a história antes de iniciarmos a produção.
3. Arte Conceitual
Após o roteiro estar pronto, geralmente são criadas artes conceituais para estabelecer o estilo visual do filme.
Essa é uma etapa muito divertida e a primeira oportunidade que temos de ver partes do filme ganharem vida no papel. É tudo uma questão de explorar e experimentar coisas novas.
4. Encenação
O próximo passo é criar um storyboard, que provavelmente é uma das etapas mais importantes para definir o filme.
O storyboard permite que você visualize seu filme como um todo e identifique problemas de narrativa e ritmo. Criar um storyboard também fornece um material que você pode mostrar a outras pessoas para obter feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um storyboard do que a um roteiro.
Assim que estivermos satisfeitos com os storyboards, passamos à criação de um animatic.
5. Animatic
Um animatic é a versão cinematográfica do seu storyboard.
Se o storyboard é como uma história em quadrinhos, então um animatic é como um filme.
Importamos todos os storyboards para um programa de edição e os editamos com a sincronização correta, adicionamos música e efeitos sonoros temporários (apenas o suficiente para transmitir os diferentes momentos da história) e, quando terminamos, temos a primeira versão do nosso filme pronta para ser assistida.
Por mais útil que seja um storyboard, um animatic realmente nos dá uma primeira ideia de como será o nosso filme.
6. Criação de ativos
Neste ponto, dependendo da sua escolha de meio de animação, criaremos os diferentes elementos para o nosso filme.
Para a animação 3D, criaremos os modelos dos personagens, ambientes, cenários e objetos de cena. Usaremos a arte conceitual e as folhas de modelo como referência. Esses modelos precisarão então ser equipados com um esqueleto 3D com controles, para que possamos animá-los em nossa cena.
Para animação 2D, desenharemos o cenário, finalizaremos as folhas de design dos personagens e, se necessário, faremos a animação dos personagens em nosso software de animação 2D.
Para a animação em stop-motion, construiremos nossos cenários, nossos bonecos, os adereços e as diferentes peças de roupa necessárias para o filme.
7. Pré-visualização
Antes de começarmos a animar nossas cenas, há outra etapa importante para garantir que a história funcione, que é criar uma pré-visualização (ou previs).
A pré-visualização é a próxima etapa da animação, desta vez utilizando modelos 3D.
Configuramos as cenas no programa 3D, com os ângulos de câmera e movimentos finais, e criamos uma animação bem básica para os personagens, apenas o suficiente para transmitir a ação que eles devem estar realizando.
Em seguida, levamos todas essas tomadas para o programa de edição, assim como fizemos com o animatic, e agora temos uma versão de pré-visualização do nosso filme, com os modelos 3D e o movimento de câmera corretos.
Como a animação leva muito tempo, esta é a última chance que temos para fazer mudanças significativas na história do nosso filme. Seria um enorme desperdício se tivéssemos que fazer alterações na história depois da fase de animação.
8. Animação
Finalmente estamos prontos para a animação!
É aqui que finalmente damos vida ao filme. Os personagens começam a se mover e podemos ver a alma do filme ganhar vida diante de nossos olhos.
É incrível de se ver, mas também leva muito tempo. Se feito incorretamente, pode arruinar nosso filme. Animação ruim é como atuação ruim: mesmo que o roteiro e a história sejam sólidos, as pessoas não percebem se a execução for péssima.
Mais adiante nesta seção, vamos nos aprofundar nos 6 passos da animação.
9. Texturização | Iluminação | Renderização
Esta etapa aplica-se principalmente à animação 3D, embora a animação 2D passe por etapas de pós-produção semelhantes, e a animação stop-motion também dedique bastante tempo à composição e a diversos efeitos sobre as cenas.
Em 3D, os modelos precisam ser texturizados, o que significa criar diferentes materiais atribuídos às diferentes partes dos modelos. Alguns simulam metal, outros plástico e até mesmo alguns para pele e cabelo.
Em seguida, iluminamos as cenas com luzes virtuais, replicando o mais fielmente possível o funcionamento da luz na vida real.
Depois que nossas cenas estão texturizadas e iluminadas, iniciamos o processo de renderização, no qual o computador calcula todos os dados das nossas cenas e cria imagens estáticas a partir deles.
Em seguida, levamos essas imagens para um programa de composição, como o Nuke ou o After Effects, extraímos os dados necessários das imagens e as combinamos para criar nossas imagens finais.
10: Edição | Correção de cor
Assim que nossas imagens são compostas e estão prontas, nós as importamos de volta para o nosso programa de edição e substituímos as cenas de pré-visualização pelas novas cenas compostas, da mesma forma que substituímos as cenas de animatic pelas cenas de pré-visualização.
Agora podemos ver nosso filme finalizado na linha do tempo da edição pela primeira vez, mas ele ainda não está realmente terminado. Precisamos fazer alguns ajustes de cor e gradação.
A correção de cor é o processo de manipular as cores de cada cena individualmente para que correspondam às da cena anterior ou posterior. Também garantimos que cada cena não tenha partes excessivamente brancas ou pretas, trabalhando basicamente para obter uma cor consistente e correta em todo o filme.
Em seguida, fazemos a correção de cor do filme, que é a parte mais divertida e criativa, na qual tentamos criar um estilo visual para todo o filme e dar-lhe um aspeto distinto.
11. Música | Design de som
Idealmente, trabalhamos com um músico desde o primeiro dia de produção, garantindo que a música se encaixasse no que estávamos tentando fazer com o filme e que o filme funcionasse em harmonia com a música.
A música geralmente não é algo que simplesmente adicionamos no final, por isso prefiro tê-la comigo durante toda a produção para que se torne parte integrante da história.
Em seguida, o designer de som finaliza todos os efeitos sonoros do filme, como efeitos de luz e sombra, ambiência e vozes, além de masterizar e mixar o áudio final do filme.
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Os 6 passos da animação
Já falamos sobre o fluxo de trabalho da produção de filmes de animação, agora vamos aos passos reais da animação de personagens.
Aqui estão os 6 passos da animação:
- Vídeo de referência para filmagem
- Posicionamento chave
- Bloqueio
- Spline
- com óleos de Açai
- Adicionando vida
Passo 1: Gravação do vídeo de referência
Este é um passo muito importante e frequentemente negligenciado . É curioso como as pessoas realmente acham que sabem como certas ações devem ser feitas e quanto tempo levam, mas acabam errando.
As ações físicas são algo que você precisa analisar antes de animar, especialmente se for iniciante.
Você tem uma foto de um cara arremessando uma bola de beisebol? Procure no YouTube por vídeos de arremessadores lançando bolas.
Não presuma que sabe como uma ação se parece só porque já a viu antes.
Analisar uma ação sob a perspectiva de um animador é completamente diferente de analisá-la sob a perspectiva de um espectador.
Passo 2: Posando
Após fotografar uma referência, é hora de criar as poses principais da foto.
Essas poses são chamadas de poses-chave porque são as mais importantes da foto. São elas que transmitem a história da imagem. Precisamos garantir que essas poses estejam corretas , pois vamos usá-las como base para o restante do processo.
Etapa 3: Bloqueio
Assim que estivermos satisfeitos com nossas poses principais, começamos a decompor o movimento de uma pose para a seguinte, adicionando poses intermediárias (também conhecidas como poses de transição ou poses de passagem). Essas são as poses que conectam as poses principais.
Continuamos adicionando mais poses até que o movimento fique o melhor possível, mantendo-nos no modo escalonado (o modo escalonado é quando você não permite a interpolação entre as poses, o que resulta em um movimento muito irregular/blocado).
Etapa 4: Colocação de tala
Splining é um termo de animação 3D. É o processo de conversão da interpolação de quadros-chave de escalonados para splines.
Em outras palavras, você faz com que o computador conecte o movimento entre cada uma de suas poses, e isso faz com que o movimento pareça mais suave.
O problema é que o computador não faz um bom trabalho de interpolação. Ele só trabalha com o que tem. É por isso que quanto melhor for o bloqueio, melhor ficará a versão com spline.
Etapa 5: Refino e compensação
Agora que todas as nossas chaves estão no modo spline, precisamos trabalhar nelas. Refinamos as curvas de animação e garantimos que o movimento pareça suave.
Também é uma boa ideia deslocar algumas das ações para que não pareça tão "para e recomeça" , como se o personagem estivesse fazendo todos os movimentos de uma vez.
Ao final desta etapa, sua foto deverá parecer bem sólida e quase finalizada.
Etapa 6: Adicionando vida
Esta etapa é muito divertida.
Já terminamos o trabalho pesado da animação e é hora de adicionar pequenas imperfeições que dão vida ao personagem.
Talvez uma piscadela a mais ou um tremor na boca aqui e ali. A diferença entre os dois últimos passos é pequena, mas pode ser a diferença entre uma animação boa e uma animação excelente.
Software de animação
Depois de "Por onde começar?", o assunto sobre o qual mais me perguntam é provavelmente software. Todo mundo quer saber sobre ferramentas.
É Maya? After Effects? Flash?
Segue abaixo um resumo das nossas opções ao escolher um software de animação com base no tipo de animação:
Software de animação 3D
Este é um guia para iniciantes, então o software 3D pode ser avançado para alguns de vocês, mas acho importante estar familiarizado com o que existe no mercado para saber o que a indústria usa e o que vocês devem considerar se planejam seguir carreira nessa área.
Dito isso, o Blender é um programa gratuito, então você pode começar a usá-lo e experimentar (com a ajuda do nosso curso de Blender ), e o Maya oferece uma licença educacional gratuita, então, se você está apenas aprendendo, poderá começar sem investir dinheiro por enquanto.
Autodesk Maya
O padrão da indústria para animação por computador. Se você quer trabalhar profissionalmente com animação, este é o programa ideal. Software de animação, modelagem, simulação e renderização 3D com um conjunto de ferramentas integrado e poderoso. Use-o para animação, ambientes, motion graphics, realidade virtual e criação de personagens.
Preço: US$ 195/mês | Gratuito para estudantes
liqüidificador
O Blender é um programa 3D gratuito e de código aberto que oferece um amplo espectro de funcionalidades de modelagem, texturização, iluminação, animação e pós-processamento de vídeo em um único pacote. Graças à sua arquitetura aberta, o Blender proporciona interoperabilidade entre plataformas, extensibilidade, um tamanho incrivelmente reduzido e um fluxo de trabalho altamente integrado.
Preço: Grátis
Cinema 4D
O Cinema 4D é o melhor amigo de um artista de motion graphics . É um programa 3D para usuários do After Effects. Muito intuitivo, funciona diretamente com o After Effects sem a necessidade de renderização prévia. Não seria minha primeira escolha para produções cinematográficas 3D profissionais, já que foi projetado desde o início com motion graphics em mente, mas é um programa incrivelmente versátil.
Preço: US$ 59.99/mês
Software de animação 2D
A animação 2D é um ótimo ponto de partida para sua jornada na animação. A maioria dos programas abaixo são baratos e relativamente fáceis de aprender.
Animate CC e After Effects são ótimas opções para experimentar animação 2D, seja desenhando à mão ou criando marionetes, enquanto o Character Animator não exige nenhum desenho e usa seu rosto como motor da animação. E se você quiser algo mais profissional, Toon Boom Harmony e TVPaint serão suas melhores opções.
Animate CC (anteriormente Flash)
Provavelmente o software de animação 2D mais popular do mercado. O Animate tem uma longa tradição na criação de animações, que remonta aos primórdios da publicação de vídeos na internet. Sua interface intuitiva e preço relativamente acessível o tornam uma ótima opção para quem está começando na animação 2D.
Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animação)
Preço: US$ 20.99/mês
Toon Boom Harmonia
O Harmony é um software 2D mais avançado, ideal tanto para animação quadro a quadro quanto para animação baseada em rigs. Possui sistemas de rigging avançados, efeitos e ferramentas de câmera . É baseado em vetores, mas a versão mais avançada também oferece a opção de desenho bitmap.
Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animação)
Preço: US$ 24/mês
TV Paint
O TVPaint, um software francês de animação, é o programa completo de animação 2D que você precisa. É definitivamente mais robusto e complexo que o Photoshop, mas também muito mais caro. Este software é voltado para animadores e estúdios profissionais.
Preço: 500 € (250 € para estudantes)
Animador de personagens
Um programa de animação mais recente com uma abordagem interessante. Em vez de animar da maneira tradicional, o Character Animator usa sua webcam e microfone para animar automaticamente um personagem pré-construído em tempo real, quase como captura de movimento . Esta é uma ótima opção para iniciantes, pois exige pouca experiência em animação.
Preço: US$ 20.99/mês
After Effects
Uma escolha interessante para animação 2D. O After Effects oferece ótimo controle na criação de rigs para 2D usando a ferramenta de marionete e diferentes expressões. É uma boa opção se você já está familiarizado com o ambiente Adobe.
Preço: US$ 20.99/mês
Software de animação stop-motion
A animação em stop-motion é a forma como muitos jovens aspirantes a animadores adquirem sua primeira experiência em animação , usando figuras de ação, legos ou até mesmo argila.
Listamos aqui duas opções bem diferentes. Uma voltada para iniciantes que estão experimentando animação pela primeira vez, e a outra é um software de animação de nível profissional destinado a levar seu trabalho para o próximo nível.
estrutura de dragão
Dragonframe é o padrão da indústria para animação stop-motion e foi usado em filmes como Kubo e as Duas Cordas e Shaun, o Carneiro.
Se você pretende produzir um vídeo profissional em stop motion, o Dragonframe é a melhor ferramenta para isso. Seu software completo pode ser usado com diversos acessórios, como um dispositivo que controla a câmera, as luzes e até mesmo o foco.
Preço: US$ 295
Stop Motion Studio
O Stop Motion Studio é um aplicativo básico de animação stop motion para todos os dispositivos e plataformas, que se conecta a qualquer câmera digital, celular ou tablet para criar ótimos vídeos em stop motion com simplicidade e facilidade. É uma ótima opção para quem está começando.
Preço: US$ 4.99 (iOS/Android) | US$ 9.99 (Mac/Windows)
Hardware de animação
O hardware está ficando mais barato e o software mais eficiente. É possível executar a maioria dos programas de animação na maioria dos computadores modernos, e as mesas digitalizadoras estão se tornando muito acessíveis.
Segue uma breve lista do que recomendamos para animadores de todos os níveis:
Um da Wacom
A escolha perfeita para iniciantes.
Esta mesa digitalizadora Wacom de nível básico é a maneira mais barata de começar a usar uma mesa digitalizadora. Ela permite que você faça animações desenhadas à mão com um orçamento limitado e também beneficia animadores 3D, já que a mesa digitalizadora costuma ser mais fácil de usar do que um mouse em um programa 3D.
Preço: $59-$69
Wacom Intuos Pro
Levando isso para o próximo nível.
Se você precisa de mais espaço para desenho ou se usa uma mesa digitalizadora para animação 3D, esta é a melhor opção geral . Você encontrará essas mesas digitalizadoras na maioria dos estúdios de produção, e elas são uma escolha popular entre estudantes de animação que querem fazer um bom trabalho, mas não podem comprar as mesas Cintiq de última geração. Elas estão disponíveis em 3 tamanhos, sendo o Médio o mais popular.
Preço: $230-$479
Wacom Cintiq Pro
Tornando-se profissional.
Para produção de animação de alta qualidade , o Wacom Cintiq é a escolha ideal. Basicamente, é um monitor gigante (13", 16", 24" ou 32") no qual você pode desenhar diretamente. Isso torna o desenho preciso muito mais fácil e responsivo do que com uma mesa digitalizadora comum, mas tem um custo bem mais elevado.
Preço: $649-$3299
Computação
A grande vantagem de usar programas 2D como o Animate CC ou mesmo o Toon Boom é que a maioria dos computadores modernos consegue executá-los sem problemas.
Ao trabalhar com 3D, as coisas podem ficar complicadas, mas não precisam ser. Se você estiver renderizando mundos enormes com configurações de iluminação complexas, precisará de um computador potente com uma placa de vídeo cara , mas existem outras opções:
- Você pode fazer a maior parte da composição no Nuke, por exemplo. Eu fiz isso para o LIFT UP.
- Você pode usar uma fazenda de renderização como nós fizemos por De bom gosto.
Livros de animação
Existem diversos argumentos sobre qual é o melhor livro para aprender animação, mas aqui estão alguns que irão ajudá-lo a aprender e aprimorar suas habilidades, independentemente do tipo de animador que você deseja ser.
O Kit de Sobrevivência do Animador / Richard Williams
Este livro é a bíblia do animador . Ele aborda de forma completa os fundamentos de espaçamento, tempo, caminhadas, corridas, peso, antecipação, sobreposição de ações, tomadas, escalonamento, diálogos, animação de animais e muito mais. Não é chamado de "Kit de Sobrevivência" à toa.
Este livro vai te ensinar TUDO o que você precisa saber para começar seu treinamento como animador.
Animação de desenhos animados / Preston Blair
Lançado originalmente em 1994, o livro "Cartoon Animation" (também conhecido como "The Preston Blair Book") tem sido uma fonte de referência incrível para a criação de animações no estilo cartoon.
Com este livro, você aprenderá como desenvolver um personagem de desenho animado, criar movimentos dinâmicos e animar diálogos com ação.
A ilusão da vida Frank Thomas e Ollie Johnston
Este livro começou como um guia de animação e se transformou em um estudo detalhado da evolução da animação , tanto dentro dos estúdios Disney quanto no mundo da animação em geral.
Escrito por dois dos nove mestres que definiram o estilo de animação da Disney, este livro conduz o leitor por todas as etapas de descoberta e pesquisa dos melhores métodos de animação.
Preparando suas fotos / Vinhedo Jeremy
Um ótimo livro para obter uma compreensão básica de composição de planos e movimento de câmera para uma melhor narrativa e produção cinematográfica.
Este livro é ótimo tanto para cineastas iniciantes quanto para os experientes que buscam referências de ótimas tomadas.
Cursos de Animação
A Bloop Animation é, antes de tudo, uma plataforma de aprendizado de animação com cursos em vídeo premium. Alguns cursos focam em softwares (como Maya ou Animate CC), enquanto outros ensinam habilidades específicas (como fundamentos de animação ou storyboard).
Os cursos online tornaram-se incrivelmente populares nos últimos anos, são hoje altamente produzidos e representam uma alternativa muito eficaz às escolas tradicionais.
Por quê?
É mais barato. Muito mais barato.
Escolas de arte são absurdamente caras. Gastar de 20 a 40 mil dólares por ano (muito provavelmente se endividando) é uma decisão enorme, e está se tornando cada vez menos vantajosa.
Cursos online , mesmo os mais caros, custam apenas algumas centenas de dólares (talvez alguns milhares se você estiver fazendo um programa de certificação online que dure vários meses). Isso não chega nem perto do custo de uma faculdade de arte tradicional. Isso torna o ensino de arte muito mais acessível para uma ampla gama de artistas que, no passado, teriam que desistir de seus sonhos ou contrair empréstimos exorbitantes.
É um ótimo teste de condução.
Talvez animação não seja para você? Não seria ótimo descobrir isso antes de gastar dezenas de milhares de dólares e anos preciosos da sua vida?
Fazer um curso de animação online é uma maneira barata e eficiente de verificar se você tem aptidão para a tarefa. Veja se você gosta. Você sempre pode decidir fazer uma graduação depois, mas esta é uma ótima maneira de pesquisar e garantir que seguir esse caminho é o certo para você.
Na verdade, você não precisa de um diploma.
Uma das vantagens de trabalhar em uma indústria criativa como a animação é que seu trabalho fala mais alto do que qualquer credencial em seu currículo . Se seu portfólio for bom, você será contratado. Ninguém se importará com a faculdade que você não frequentou.
Você pode tomá-los enquanto trabalha.
Uma grande vantagem dos cursos online é que você pode fazê-los no seu tempo livre.
Se você está em transição de carreira e trabalha em tempo integral, pode fazer esses cursos nos fins de semana, à noite e nos intervalos de almoço.
Você pode personalizar seu próprio percurso de aprendizagem.
Uma das coisas incríveis sobre a educação online é que você pode combinar fontes de diferentes lugares.
Numa escola tradicional, você tem que seguir o programa (geralmente de 3 a 4 anos) e muitas vezes cursar várias disciplinas que não lhe interessam ou que não contribuem para o seu desenvolvimento pessoal. Com cursos online, você pode construir o seu próprio percurso de aprendizagem.
Sim, nossos cursos incluem um caminho estruturado para você seguir, mas ele contém apenas o que você PRECISA saber para animar, nada mais. Além disso, você sempre pode pular uma lição que considerar irrelevante.
É uma ótima maneira de maximizar sua educação.
Cursos online podem beneficiá-lo enquanto você estiver matriculado em um programa tradicional.
Quando entrei para a faculdade de artes, eu procurava constantemente por tutoriais online (cursos online não eram tão populares naquela época, mas ainda existiam alguns) e assistia a tudo o que conseguia encontrar.
Fazer isso enquanto estava na escola realmente aprimorou minhas habilidades e me motivou a trabalhar mais e melhorar. A escola pode te levar até certo ponto, e te guiará na direção certa, mas cabe a você se esforçar para dominar sua arte.
Aqui está a lista completa dos nossos cursos em vídeo:
Cursos em vídeo
Entrando na indústria da animação
Então, qual é o próximo passo? E se você quiser fazer da animação a sua carreira?
Como você consegue entrar nesse mercado?
Em geral, os animadores precisam de 3 coisas para conseguir um emprego na indústria:
- A currículo.
- A sólido vídeo de demonstração.
- A site do portfólio Com seu próprio domínio. Nada disso. john.wordpress.com Que droga. Dá uma olhada nisso. Ótimos modelos do WordPress para tornar sua vida mais fácil.
Para muitas profissões, ter um bom currículo ou carta de apresentação é o fator mais importante para conseguir um emprego. Para animadores e profissionais de efeitos visuais, o portfólio é fundamental.
Ao longo dos anos, criei muitos portfólios de animação para mim e assisti a dezenas de portfólios de outras pessoas. Antes de começar a enviar seu portfólio para vários estúdios, imploro que leia nosso guia de portfólio de animação . Reuni uma tonelada de informações sobre como criar um portfólio de animação eficaz que realmente te ajude a conseguir um emprego. Não pule esta leitura.
Então, eu tenho um vídeo de demonstração. E agora?
Como não te conheço pessoalmente, vou te dar o melhor conselho que acredito ser útil para a maioria das pessoas: A melhor maneira de ser notado é criando coisas.
Ter um bacharelado em animação ou um diploma de uma escola online certamente ajudará, mas não garantirá um emprego após a formatura.
Sabe o que eu fiz no dia seguinte à formatura?
Continuei animando para o meu portfólio. E foi isso que fiz todos os dias até conseguir meu primeiro trabalho freelance . Depois do trabalho, continuei criando mais cenas para estar pronto quando o projeto freelance terminasse.
Você precisa continuar criando. Sempre.
Sempre há tempo suficiente para trabalhar no seu portfólio, especialmente no primeiro ano da sua carreira de animação. Ao adicionar conteúdo ao seu portfólio, certifique-se de seguir nossas Diretrizes para Portfólio de Demonstração para não perder tempo.
Se você continuar criando e divulgando seu trabalho, enquanto se candidata constantemente a vagas em estúdios, eventualmente será notado e contratado.
Caminhos de carreira para animadores
Cinema/TV
O caminho profissional mais óbvio (embora não seja o mais fácil) é trabalhar em filmes e programas de TV (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network etc.).
Embora a percepção mais comum do trabalho de um "animador" seja a de animar personagens como Wall-E ou o cachorro de Up, grande parte do trabalho de animação nessa indústria também envolve efeitos visuais e animação mecânica em filmes com atores reais. Quase todos os filmes com muitos efeitos especiais que você assiste utilizam animadores em alguma medida.
A maior parte do trabalho no cinema e na televisão acontece na Califórnia, e entrar nos grandes estúdios pode levar anos de tentativas e erros até conseguir uma oportunidade.
Comerciais
Trabalhar em comerciais exige um conjunto de habilidades diferente do que trabalhar em cinema e televisão. Embora você ainda possa animar personagens, o cronograma de produção é muito mais rápido e espera-se que você execute tarefas mais variadas, em vez de se especializar em uma única área.
Além disso, trabalhos comerciais geralmente envolvem motion graphics em vez de animação de personagens. Isso significa que o conhecimento de After Effects e/ou Cinema4D é mais relevante se esse for o seu caminho.
Animar comerciais pode não ser o objetivo principal da sua carreira como animador, mas ainda assim pode ser muito divertido, há muito mais trabalho disponível e a localização quase não é um problema, já que a maioria das grandes cidades possui produtoras que realizam trabalhos comerciais em alguma medida.
Pré-visualização (Previz)
Uma área menos conhecida para animadores é o trabalho de pré-visualização. Os animadores de pré-visualização criam uma pré-visualização da obra (comercial, filme, etc.) animando figuras temporárias em um ambiente simulado para permitir que o diretor tenha uma noção de suas tomadas e composição.
Você ficará surpreso com a quantidade de estúdios e produtoras que utilizam pré-visualizações, e algumas empresas se dedicam exclusivamente à criação de pré-visualizações para diferentes produções.
Com o crescimento exponencial do uso de pré-visualização em comerciais, TV e cinema, os animadores de pré-visualização podem encontrar trabalho em uma infinidade de áreas e locais. No entanto, como aspirante a animador, você pode não ter a oportunidade de produzir seu melhor trabalho (já que a animação precisa ser feita rapidamente e a qualidade não é um fator tão importante) e seu trabalho provavelmente não será visto pelo público.
Jogos de vídeo
A indústria de videogames é gigantesca e oferece muitas oportunidades de trabalho para animadores. O trabalho em si varia bastante, desde captura de movimento e animação completa de personagens até a criação de ciclos de animação que se repetem ao longo do jogo.
Se você já jogou algum jogo da Blizzard ou assistiu a alguma das cenas cinematográficas dos jogos Final Fantasy, sabe que os videogames produziram algumas das melhores animações e impulsionaram a tecnologia tanto quanto os filmes. Trabalhar nessa indústria pode ser muito divertido, empregando animadores em 3D e 2D e oferecendo uma grande variedade de trabalhos.
Motion Graphics
Mencionei motion graphics quando escrevi sobre meu trabalho em comerciais, mas os artistas de motion graphics trabalham em uma variedade muito maior de projetos. De vídeos explicativos a projeções para eventos e demonstrações de interfaces de software.
A vida de um profissional de motion graphics costuma ser a de um freelancer, pulando de um projeto para o outro, usando principalmente o After Effects (às vezes em combinação com o Cinema 4D).
Independente
Um novo tipo de animador em ascensão é o animador independente. Eles geralmente usam o YouTube como sua principal plataforma e ganham a vida com anúncios, patrocínios e produtos licenciados, e cada vez mais animadores desse tipo surgem.
Outros cineastas de animação podem usar o financiamento coletivo para financiar seus filmes ou conseguir que estúdios financiem seus filmes com um orçamento independente.
Diretor
Ao contrário da maioria das profissões, não existe um caminho claro para se tornar diretor.
Cursar uma escola de cinema não garante um emprego como diretor depois, e raramente há vagas de emprego para "Diretor" online. Algumas pessoas chegam lá aos 21 anos, enquanto outras passam a vida inteira tentando e nunca conseguem.
O mesmo acontece com quem quer ser diretor de animação . Alguns começam como animadores, outros como artistas de storyboard e alguns fazem a transição de filmes com atores reais, sem nunca terem animado um dia sequer na vida.
Como, então, alguém se torna um diretor de animação?
Diretores de animação como Andrew Stanton, Richard Williams e John Lasseter foram animadores antes de se tornarem diretores, e essa é provavelmente a maneira mais comum de se fazer isso, já que os animadores estão muito envolvidos no aspecto narrativo do filme.
Portanto, o caminho seria:
- Seja contratado por um grande estúdio como a Disney.
- Subindo na hierarquia até se tornar diretor.
Mas, é claro, não é tão simples assim.
Primeiro, você trabalhará como animador júnior por muitos anos e provavelmente levará quase uma década para chegar a um ponto em que alguém sequer considere promovê-lo a diretor. E mesmo assim, as chances são próximas de zero.
Para mim, a trajetória de trabalhar como um entre centenas de outros animadores durante 10 anos, apenas pela chance de talvez ser notado, não me parece um caminho muito seguro.
O que eu fiz, em vez disso, foi criar um pequeno cubo e uma pequena bola, e fiz meu próprio filme . E depois fiz outro . E provavelmente vou continuar fazendo.
Adivinha só? Eu me tornei diretor. Ninguém me deu oficialmente a licença de diretor, eu simplesmente fiz filmes. E essa é a única certeza que posso te dar sobre como se tornar um diretor: comece a fazer filmes.
Ok, então preciso fazer meus próprios filmes, e agora?
Se você pretende seguir a carreira de diretor e produzir seus próprios filmes, sugiro começar com curtas-metragens . Fazer um longa-metragem é um objetivo que pode levar muito tempo para ser alcançado e não é uma meta realista para quem está começando na animação.
Quanto ao tema dos seus filmes, sugiro que você se atenha a personagens e ambientes extremamente simples, e que foque em uma boa história.
Quando comecei a trabalhar em Lift Up , a história surgiu das minhas limitações por não ter boas habilidades de modelagem. É por isso que o filme gira em torno de um cubo e uma bola. Se quiser saber mais detalhes, leia nosso guia completo para fazer um curta-metragem de animação. É grátis.
Foque nas habilidades de contar histórias
As habilidades de um bom diretor envolvem principalmente a capacidade de contar histórias, além de compreender ritmo, composição e atuação. Todas essas são habilidades essenciais para um bom animador, então, se você já tem experiência em animação, pode ser mais fácil para você.
Em seu curta-metragem, concentre-se em demonstrar essas habilidades, apresentando composições e cinematografia interessantes. É isso que as pessoas procuram em um diretor. Não renderizações sofisticadas ou modelagem complexa, mas sim uma boa narrativa.
Lembre-se: ninguém pode te obrigar a ser diretor. Tem que partir de você.
Ferramentas e Recursos
Introdução à animação
- Os 5 tipos de animação: Este guia detalha os cinco tipos diferentes de animação disponíveis e o que você precisa para começar a animar. Melhores softwares, melhores escolas e muito mais.
- Melhores escolas de animação: Uma lista selecionada das melhores escolas de animação do mundo.
- Estúdios de animação: Um guia detalhado dos melhores estúdios de produção de filmes de animação.
- Software de animação - Qual você deve usar? Uma análise detalhada das opções disponíveis quando Escolhendo seu software de animação.
- Por que você não precisa saber desenhar para ser um animador 3D: Você não tem mais desculpas!
- Migrando para uma mesa digitalizadora Wacom para animação 3D: Como fazer a transição para animação 3D usando uma mesa digitalizadora em vez de um mouse.
- Comece a animar agora com menos de 100 dólares: Neste artigo, mostro como você pode começar a animar como um profissional com menos de 100 dólares.
Como fazer um filme de animação
- A produção de Tasteful: Todas as etapas de produção do filme, do início ao fim, explicadas da maneira mais simples possível.
- A produção de LIFT UP: Todos os vídeos que documentam a produção de LIFT UP em um só lugar.
Construindo seu portfólio
- Como criar um portfólio de animação - O guia completo: Para muitas profissões, ter um bom currículo ou carta de apresentação é o fator mais importante para conseguir um emprego. Para animadores e profissionais de efeitos visuais, isso é ainda mais crucial. Tudo gira em torno do vídeo de demonstração.
- Iluminação e renderização do seu portfólio de animação: Um tutorial em vídeo sobre uma configuração básica de iluminação e renderização para dar destaque ao seu portfólio.
- Como criar um site de portfólio: Nosso guia passo a passo para criar um site de portfólio profissional do zero.
- Como instalar um tema do WordPress para o seu site de portfólio: Um guia passo a passo para instalar um tema do WordPress.
- Melhores temas de portfólio para WordPress: Ter um site próprio para exibir seu trabalho é extremamente importante. Uma das maneiras mais fáceis de criar um site de portfólio é usando... Temas do WordPress.
- Por que fazer um segundo filme: Se você já fez um filme, aqui está o porquê de você dever começar a trabalhar no próximo.
Rigs
- O equipamento definitivo para bolas do Bloop: Um rig gratuito para bola saltitante com função de compressão e alongamento, escalável, para Maya.
- Melhores rigs gratuitos para Maya: Usar rigs gratuitos é ótimo para exercícios de animação ou para Adicionando fotos ao seu portfólio.
Inspiração
- O que eu fiz depois da formatura: Minha história de formatura e tudo sobre como eu me escolhi
- 5 motivos pelos quais você não será um animador: Se você precisa de um pequeno incentivo, leia isto.
- O que Ratatouille e Universidade Monstros me ensinaram sobre ser artista: Um artigo instigante sobre as lições aprendidas com dois grandes filmes da Pixar.
- Os melhores documentários de animação: Os filmes mais educativos e inspiradores sobre a indústria da animação e seus profissionais.
Nossos curtas-metragens
Qual é o próximo?
Agora que você terminou de ler este guia (muito) longo, a decisão é sua.
Chega de desculpas. Vá criar algo incrível. Você sabe por onde começar.
- Morr Meroz
