Animación para principiantes
Por dónde empezar?
Una de las preguntas más comunes que recibo (casi a diario) es:
“Quiero dedicarme a la animación. ¿Por dónde empiezo?”
En esta guía masiva intento cubrir (casi) todo lo que podrías necesitar saber sobre animación si eres Intentando entrar en la industria de la animación.
Repasaré algunos de los conceptos básicos de la animación, vocabulario, principios, software, hardware, libros, cursos, así como algunas de las opciones para las personas que quieren entrar en la industria de la animación, pero se sienten abrumadas o intimidadas.
Repasaré qué es la animación, qué se necesita para hacer películas animadas (en 2D o 3D) e incluso cómo empezar a buscar trabajo en la industria.
Fácil de aprender, difícil de dominar.
Hoy en día es más fácil que nunca adentrarse en la animación.
El software es cada vez más barato (o incluso gratuito), y la mayoría de los ordenadores modernos pueden realizar las tareas de animación más sencillas (principalmente en 2D).
El problema es Aunque cualquiera puede empezar a animar ahora mismo, dominar el arte de la animación requiere tiempo.
La buena noticia es...
No necesitas ser un animador del nivel de Disney para crear animaciones realmente geniales.
Puedes empezar con algo pequeño y sencillo. y desarrolla poco a poco tus habilidades y tu estilo único. Ni siquiera necesitas saber dibujar bien.
Y también...
Construimos un curso completo Dedicado a comprender los principios básicos de la animación, para que puedas dominar los fundamentos antes de adentrarte en ella. Es este, justo debajo.
Curso de Fundamentos de Animación
Aprende los principios básicos de la animación de personajes, incluyendo un panorama general de los diferentes tipos de animaciónbasico vocabulario, y 12 principios de animaciónSi estás empezando y quieres asegurarte de que tienes cubiertos los conceptos básicos, este curso es el mejor lugar para comenzar.
¿Qué es la animación?
La animación es el arte de trayendo vida a objetos que de otro modo serían inanimados, o personajes ilustrados/generados en 3D.
Se crea proyectando imágenes en secuencia rápidamente, una tras otra, para crear la ilusión de vida.
Pero eso no es realmente lo primero que uno imagina cuando escucha la palabra. Animación¿No es así?
Eso son solo detalles técnicos...
Probablemente estés pensando en Disney, Pixar, o GhibliLlegaremos allí...
La parte más importante de todo eso es la palabra vidaDar vida es la verdadera esencia del trabajo del animador. Y hay muchas maneras de hacerlo.
Podría ser por dibujo.
Podría ser mediante el movimiento esqueletos de personajes en un software 3D.
Podría ser con marionetas, separar personajes, o figuras de Lego.
Entonces, ¿qué significa ser animador? mean?
Antes de continuar, puedes ver este video donde explico las diferencias entre animar en 2D y 3D. Esto te dará una idea de lo que realmente hace un animador.
También podría darte una pista sobre qué dirección te gustaría tomar.
Vocabulario de animación
Ahora que hemos cubierto la idea básica de qué es la animación, es importante entender la vocabulario y Términos especializados utilizados en la animación y la cinematografía. .
Estos términos aparecerán con frecuencia, así que dediquemos unos minutos a repasarlos:
Cronograma
La línea de tiempo es la parte del software de animación que representa la El progreso de la animación a lo largo del tiempo.
Dependiendo del software, podríamos usar la línea de tiempo para realizar cambios en el sincronización de la animación, así como la posición de los elementos.
Cuadros por segundo
La velocidad de fotogramas de una animación es el número de imágenes individuales (o fotogramas) que se muestran en el lapso de un segundo. Es una configuración que puedes ajustar en el software de animación.
La animación se suele realizar en 24 fotogramas por segundo (FPS).
Trabajando en los números uno y dos.
"Trabajar a una o dos" es un término utilizado en la animación dibujada a mano.
Trabajar en uno mismo Eso implicaría hacer un nuevo dibujo sobre cada fotograma de la animación.
Trabajando en dos significa mantener cada dibujo durante dos fotogramas, por lo que un segundo de animación a 24 fotogramas por segundo serían solo 12 dibujos, no 24.
En la animación 2D, trabajar con dos fotogramas por segundo suele funcionar bien, e incluso hay casos en los que los dibujos pueden mantenerse durante más tiempo. En 3D, sin embargo, trabajar con un solo fotograma por segundo es lo habitual.
Planos y escenas
Normalmente, en la realización de películas de acción real, el término 'shot' se refiere a las imágenes entre ediciones de cámara, mientras que una escena Se trata de todas las tomas y diálogos que tienen lugar en un lugar determinado durante un período de tiempo continuo.
En animación, sin embargo, a menudo usamos los términos "escena" y "toma" indistintamente. Cuando hablamos de una escena/toma, a menudo nos referimos a una pieza continua específica de animación entre los cortes de cámara.
Fotogramas clave | Desgloses | Intermedios
Los fotogramas clave, los desgloses y los intermedios son términos importantes, pero significan cosas ligeramente diferentes.dependiendo del tipo de animación.
En animación dibujada a mano, keyframes (o simplemente las llaves) son las poses más importantes que definen la escena. Averías se sitúan entre las teclas y definen cómo será el movimiento de una tecla a otra. Intermedios son todos los fotogramas que aparecen entre ellos para suavizar el movimiento.
En 3D, un fotograma clave es cualquier posición en la línea de tiempo donde el animador ha definido la posición del personaje. Intermedios son todos los fotogramas que la computadora interpreta o genera automáticamente para mover el personaje de una tecla a otra.
fotogramas clave
Averías
Intermedios
Imágenes tomadas de El kit de supervivencia del animador Richard Williams
Sincronización | Espaciamiento | Flexibilización
El momento oportuno, el espaciado y la flexibilización son términos estrechamente relacionados.
Sincronización significa el número total de fotogramas que se utilizarán para un movimiento. Espaciado es la cantidad de cambio que se produce entre cada fotograma. Disminuir el espaciado hace que un objeto parezca más lento, mientras que aumentarlo hace que parezca más rápido.
En animación digital, aliviando Así es como se controla el espaciado, normalmente mediante un gráfico de movimiento en la línea de tiempo.
Desollado de Cebolla
Al animar, es muy útil poder ver más de un fotograma a la vez.
En la animación en papel esto se hace teniendo varios dibujos en un mesa ligeraPero en los programas de animación modernos suele haber una función llamada "piel de cebolla". Permite ver representaciones semitransparentes de los fotogramas anteriores o posteriores al fotograma actual en el que se está trabajando.
composición
La composición es el proceso de juntar todas las piezas individuales de una escena para crear la imagen. salida visual final.
Es posible que tengas un fondo, varios personajes y algunos escenarios, todos desarrollados por separado. La composición es el proceso mediante el cual todas esas piezas se combinan para formar una sola escena.
Los 12 principios de la animación
La base de cualquier formación en animación es la 12 principios de animación.
Los 12 principios eran un conjunto de conceptos centrales que fueron desarrollados en la década de 1930 por animadores en Walt Disney Studios mientras hacían la transición de cortometrajes a largometrajes. Fue un proceso gradual de descubrimiento y perfeccionamiento a medida que los animadores intentaban elevar su trabajo a un nuevo nivel superior.
Estos 12 principios fueron recopilados por primera vez por los legendarios animadores. Frank Thomas y Ollie Johnston en 1981 en su libro La ilusión de la vida.
Crear la ilusión de vida es la esencia de estos principios. Nos ayudan a crear personajes que parecen tener peso, personalidad y que existen en un mundo real con leyes físicas reales en juego.
Aunque fueron desarrolladas por animadores 2D, siguen siendo aplicables a la animación 3D y a cualquier otro tipo de animación.
1. Aplastar y estirar
Los términos compresión y estiramiento describen cómo un objeto cambia de forma en respuesta a las fuerzas que actúan sobre él.
Squash es cuando el objeto es comprimido por el impacto de una fuerza opuesta. Stretch es cuando un objeto se estira por algo que tira de él o por un movimiento rápido.
2. Anticipación
La anticipación es un movimiento menor que precede a uno mayor e indica que el movimiento mayor está a punto de ocurrir.
3. Puesta en escena
La puesta en escena es la presentación de una toma de manera que el contenido de la toma se vea mejor. limpiar en la medida de lo posible, y la función narrativa del plano como fuertes como sea posible.
4. De frente vs. De pose a pose
La animación directa y la animación pose a pose son enfoques diferentes para animar.
Todo derecho significa crear cada nuevo fotograma en secuencia desde el principio hasta el final. De pose a pose Esto significa crear primero las poses clave para cada acción y luego completar las poses intermedias.
5. Seguimiento y acciones superpuestas
La acción de seguimiento y superposición se refiere a la tendencia de diferentes partes de un cuerpo a moverse a diferentes velocidades.
Esto incluye el concepto de arrastrar, que es cuando una parte del cuerpo se retrasa al inicio de un movimiento.
6. Entrar despacio y salir despacio
La entrada lenta y la salida lenta se refieren a la tendencia de los objetos a moverse gradualmente. acelera (y entonces decelerar) al moverse de una posición a otra.
A veces se les denomina facilidad de entrada y Facilitarse, o simplemente aliviando.
7. Arcos
El principio de los arcos proviene de la observación de que los seres vivos no se mueven en línea recta, sino más bien en movimientos curvos.
Crear arcos elegantes y definidos suele realzar la animación y revelar el nivel de experiencia del animador.
8. Acción secundaria
La acción secundaria se refiere a movimientos más pequeños (o gestos) que múltiples proveedores las acciones principales de un personaje.
Estas acciones hacen que el disparo sea más claro al enfatizar el actitud or motivación detrás del movimiento.
9. Sincronización
El tiempo es el que controla el velocidad de una acción a través del número de fotogramas utilizados para representarla.
Es una de las lo más fundamental de los 12 principios y se necesitan años para dominarlos.
10. Exageración
La exageración significa representar un tema de una manera aumentado o más extremo de una forma más directa, en lugar de estrictamente realista, para llevar tu animación más allá.
11. Dibujo sólido
El dibujo sólido significa posar a los personajes de una manera que cree una sensación de volumen, grosor y equilibrar.
Dibujar para animación requiere ser capaz de dibujar los personajes desde cualquier ángulo o pose, teniendo en cuenta la tridimensionalidad.
12. Recurso
El atractivo es un término amplio para cualquier cualidad del diseño de un personaje que lo hace inherentemente irresistible para ver.
Esto incluye el diseño del personaje, así como la forma en que se anima.
Para un análisis más profundo de los 12 principios...
Le sugerimos que consulte nuestra Fundamentos de la animación curso.
Cubre los principios básicos de la animación de personajes y profundiza en cada uno de ellos. 12 principios de animaciónAdemás de los flujos de trabajo y técnicas básicas de animación, este curso es ideal para quienes están empezando y desean dominar los fundamentos.
Tipos de Animación
Hay muchos tipos diferentes de animación, algunos de los cuales probablemente ya conozcas, así que hagamos un repaso rápido de los diferentes tipos de animación y qué es lo que... diferencias y similitudes :
Animación 3D
Toy Story 4 | Estudios de Animación Pixar
3D, también conocido como CGI (imágenes generadas por computadora), es el tipo de animación más popular para largometrajes Actualmente, y también se ha vuelto común en la televisión y los cortometrajes.
Este es también el mismo tipo de animación que se utiliza para crear personajes digitales para acción en vivo películas y animación para videojuegos.
Un animador utiliza una marioneta digital (llamada rig del personaje) para posicionar al personaje y luego usar un sistema de trayectorias de movimiento (o splines) para definir el movimiento del personaje entre esas poses.
El ordenador procede a interpolar los fotogramas de la animación entre los fotogramas clave. A continuación, el animador ajusta estos fotogramas hasta quedar satisfecho con la animación.
La animación 3D es un proceso técnicamente complejo que a menudo requiere la participación de muchos especialistas diferentes para modelar el personaje, configurarlo con huesos y controles, animarlo y, finalmente, texturizarlo e iluminarlo para el resultado final.
Animación 2D dibujada a mano
El libro de la selva | Producción de Walt Disney
El primer tipo de animación 2D podría denominarse animación tradicional o animación cel-shading. Prefiero el término animación dibujada a mano, ya que define su aspecto más importante: el hecho de que se dibuja a mano.
Este es el tipo clásico de animación con el que probablemente estés más familiarizado. Antiguamente, los animadores dibujaban los personajes fotograma a fotograma, y luego esos dibujos se transferían a láminas de acetato transparente llamadas cels para pintarlas. Ahí es donde surge el término animación cel viene de.
Durante la década de 1990, casi todos los estudios de animación dejaron de usar celdas y comenzaron a escanear dibujos en la computadora. colorear digitalmentey ahora muchos animadores que dibujan a mano prescinden por completo del papel y dibujan directamente en el ordenador utilizando un tableta or Monitores Wacom Cintiq.
Así pues, la animación dibujada a mano podría realizarse completamente de forma analógica o completamente digital, o una combinación de ambas. Lo importante es que los animadores que dibujan a mano siguen creando su animación. cuadro por cuadro Utilizando las mismas técnicas y principios que en aquellos viejos tiempos del papel y las láminas de acetato.
Animación vectorial 2D
Rick y Morty | Adult Swim
Hoy en día existen nuevas formas de crear animación 2D utilizando un 2D marioneta digitalSe trata de personajes 2D construidos con un sistema de huesos y controles que pueden manipularse de forma similar a un esqueleto de personaje 3D.
La diferencia entre los personajes 2D con esqueleto y los personajes dibujados a mano puede ser un poco difusa. Programas como Toon Boom Harmony y Adobe Animate CC Te permite combinar a la perfección animación dibujada a mano con técnicas de marionetas 2D, a veces incluso dentro del mismo personaje.
Un personaje puede tener huesos que permitan al animador colocarlo en diferentes poses, pero también otras partes que se animan a mano.
Animación Stop Motion
Kubo y las dos cuerdas | Laika
La animación stop motion tiene varias variantes, pero todas implican manipular objetos del mundo realEstos objetos se mueven ligeramente y se fotografían fotograma a fotograma. Cuando se muestran en secuencia, estos fotogramas crean la ilusión de movimiento.
En el stop motion de gama alta, como los creados por Laika (Coraline, Kubu y las dos cuerdas), se filma una marioneta especialmente preparada en un escenario en miniatura.
plastilina Es una técnica similar. En ella se utilizan personajes maleables, aunque generalmente están hechos de una sustancia llamada plastilina, no de arcilla propiamente dicha.
También puedes hacer stop motion con figuritas y objetos normales, como todos esos geniales animaciones de Lego Puedes encontrarlo en YouTube.
Otra variante de la animación stop motion es el papel. separar animación. En este estilo, los personajes se construyen a partir de formas de papel. Se pueden unir por las articulaciones para crear una figura articulada, o se pueden colocar piezas en su lugar para poder intercambiarlas. Luego se mueven y se fotografían fotograma a fotograma, como una marioneta de stop motion. Así es como South Park Originalmente era animada.
Otro tipo raro de stop motion se llama pixelaciónEn la pixelación, se utilizan personas reales en lugar de marionetas.
Todos estos tipos de animación stop motion comparten una característica importante:
Todas las tomas deben filmarse de frente, lo que significa comenzar en el fotograma uno y filmar cada fotograma uno tras otro, hasta el final de la escena.
Si se comete un error en un fotograma, es muy difícil corregirlo sin tener que empezar de nuevo. No se puede simplemente redibujar ese fotograma como se puede hacer en la animación 2D. Esto hace que este tipo de animación sea particularmente intenso y requiere mucho de paciencia.
Animación de gráficos en movimiento
Gráficos en movimiento
La última gran categoría de animación son los gráficos en movimiento. Los gráficos en movimiento se centran en hacer Presentaciones dinámicas e interesantes de logotipos con texto en movimiento e ilustraciones básicas.
Los gráficos en movimiento pueden ser ambos 2D y 3DY los encontrarás por todas partes: en anuncios, vídeos explicativos, eventos deportivos, noticias y otras producciones televisivas.
La animación de personajes propiamente dicha suele estar fuera del ámbito de los gráficos en movimiento, pero muchos de los principios básicos de la animación también se aplican a los gráficos en movimiento.
Para una mirada más profunda a la 5 tipos de animación, consulte nuestra guía completa Sobre los 5 tipos de animación, incluyendo la historia detallada de cada tipo, y las mejores escuelas, software y cursos.
El proceso de animación
Ahora que entendemos los conceptos básicos de lo que es la animación, vamos a repasar los flujo de trabajo para la creación de animaciones.
Primero, voy a repasar los pasos básicos del proceso. proceso de realización de películas de animación (todas las partes móviles que se necesitan para crear una película animada), y luego desglosaré el proceso de realmente animando una toma de principio a fin.
¿Cuáles son los pasos para hacer una película de animación?
1. historia
La primera (y probablemente la más importante) parte de hacer cualquier película es una buena historia.
Si no tienes tu historia bien escrita desde el principio, entonces Por muy bien que se vea tu película, la gente no disfrutará viéndola. La historia es lo primero. Asegúrate de que sea buena y funcione antes de seguir adelante.
En la animación, la historia a menudo evoluciona y cambia durante la producción, ya que no estás limitado a las tomas que obtuviste en el set, por lo que cuanto más trabajo le dediques, mejor. Desarrollando tu historia, cuanto más reducir el tiempo perdido durante la producción.
2. Guión
Una vez que la idea para la historia esté lista poner en palabrasEl siguiente paso es escribir el guion.
Es importante que transfieras la idea a palabras lo antes posible, para que podamos detectar cualquier problemas con la historia antes de entrar en producción.
3. Arte conceptual
Una vez que el guion está listo, a menudo se crea arte conceptual para establecer el estilo visual de la película.
Ese es un paso realmente divertido, y es la primera oportunidad que tenemos de ver partes de la película cobrar vida en el papel. Se trata de explorando y probando cosas.
4. Guión gráfico
El siguiente paso es crear un guion gráfico, lo cual probablemente sea... Uno de los pasos más importantes al intentar comprender la película.
El storyboard te permite ver tu película en su conjunto y detectar problemas de historia y ritmo. Hacer uno también te proporciona algo que puedes mostrar a otras personas para recibir comentarios. La mayoría de las personas reaccionan mejor a un guion gráfico que a un guion.
Una vez que estamos satisfechos con los storyboards, pasamos a crear un animatic.
5. Animación
Un animatic es el versión cinematográfica de tu guion gráfico.
Si un storyboard es como un cómic, entonces un animatic es como una película.
Importamos todos los storyboards a un programa de edición y los editamos con la sincronización correcta, añadimos música y efectos de sonido temporales (lo justo para transmitir los diferentes momentos de la historia) y, cuando terminamos, tenemos la primera versión de nuestra película lista para ver.
Por muy bueno que sea un storyboard, un animatic realmente nos da un primer vistazo sobre cómo va a ser nuestra película.
6. Creación de activos
En este punto, dependiendo del medio de animación que prefieras, crearemos los diferentes elementos gráficos para nuestra película.
Para la animación 3D, crearemos los modelos de los personajes, entornos, escenarios y objetos. Utilizaremos el arte conceptual y las hojas de modelos como referencia. Estos modelos deberán ser articulados con un esqueleto 3D con controles para poder animarlos en nuestra escena.
Para la animación 2D, dibujaremos el fondo, finalizaremos las hojas de diseño de personajes y, si es necesario, configuraremos los personajes en nuestro software de animación 2D.
Para la animación stop-motion, construiremos nuestros decorados, nuestras marionetas, los accesorios y las diferentes prendas de vestir necesarias para la película.
7. Previs
Antes de empezar a animar nuestras escenas, hay otro paso importante para asegurarnos de que la historia funcione, y es crear una previsualización.
La previsualización es la siguiente etapa del animatic, esta vez utilizando modelos 3D.
Configuramos las tomas en el programa 3D, con los ángulos de cámara y el movimiento finales, y creamos una animación muy básica para los personajes, lo justo para transmitir la acción que se supone que deben realizar.
Luego, llevamos todas estas tomas al programa de edición, tal como hicimos con el animatic, y ahora tenemos una versión de previsualización de nuestra película, con los modelos 3D y el movimiento de cámara correctos.
Dado que la animación requiere mucho tiempo, esta es la última oportunidad que tenemos para realizar cambios importantes en la trama de nuestra película. Sería un gran desperdicio tener que modificar el guion después de la fase de animación.
8. Animación
¡Por fin estamos listos para la animación!
Aquí es donde finalmente le damos vida a la película. Los personajes empiezan a moverse y podemos ver cómo el alma del film cobra vida ante nuestros ojos.
Es algo asombroso de ver, pero también lleva mucho tiempo. Si se hace mal, puede arruinar nuestra película. Una mala animación es como una mala actuación: aunque el guion y la historia sean sólidos, la gente no se dará cuenta si la interpretación es deficiente.
Más adelante en esta sección profundizaremos en los 6 pasos de la animación.
9. Texturizado | Iluminación | Renderizado
Este paso se aplica principalmente a la animación 3D, aunque la animación 2D pasa por pasos de postproducción similares, y la animación stop-motion también dedica mucho tiempo a la composición y a la aplicación de efectos diversos a sus tomas.
En 3D, los modelos necesitan ser texturizados, lo que implica crear diferentes materiales asignados a las distintas partes de los modelos. Algunos simulan metal, otros plástico e incluso algunos para piel y cabello.
A continuación, iluminamos las tomas con luces virtuales, replicando lo más fielmente posible cómo funciona la luz en la vida real.
Una vez que nuestras tomas están texturizadas e iluminadas, comenzamos el proceso de renderizado, que consiste en que la computadora calcula todos los datos de nuestras escenas y crea imágenes fijas a partir de ellos.
A continuación, llevamos estas imágenes a un programa de composición, como Nuke o After Effects, extraemos los datos necesarios de las imágenes y las combinamos para crear nuestras imágenes finales.
10: Edición | Corrección de color
Una vez que nuestras imágenes están compuestas y listas, las volvemos a importar a nuestro programa de edición y reemplazamos las tomas de previsualización con las nuevas tomas compuestas, del mismo modo que reemplazamos las tomas del animatic con la previsualización.
Ahora podemos ver por primera vez nuestra película terminada en la línea de tiempo de edición, pero aún no está del todo terminada. Necesitamos hacer algunas correcciones de color y etalonaje.
La corrección de color consiste en manipular los colores de cada toma para que coincidan con la anterior o posterior. Nos aseguramos de que ninguna toma tenga zonas demasiado blancas o demasiado negras, logrando así una reproducción cromática uniforme y precisa en toda la película.
Luego, realizamos la corrección de color de nuestra película, que es la parte más divertida y creativa, en la que intentamos crear un estilo visual para toda la película y darle una apariencia distintiva.
11. Música | Diseño de sonido
Lo ideal es que hayamos trabajado con un músico desde el primer día de producción, asegurándonos de que la música se ajuste a lo que intentábamos lograr con la película y de que la película funcione con la música.
La música no es algo que simplemente añadimos al final, por lo que prefiero tenerla presente durante toda la producción para que se convierta en parte integral de la historia.
A continuación, el diseñador de sonido finaliza todos los efectos de sonido de la película, como los efectos de sonido ambientales y las voces, además de masterizar y mezclar el audio final de la película.
Si quieres saber más sobre cómo hacer cortos de animación...
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Curso para hacer una película de animación
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Los 6 pasos de la animación
Ya hemos hablado del flujo de trabajo en la producción de películas de animación; ahora veamos los pasos concretos de la animación de personajes.
Aquí están los 6 pasos de la animación:
- Vídeo de referencia para la grabación
- Posicionamiento clave
- de amargo
- estriado
- alisando
- Añadiendo vida
Paso 1: Grabación del vídeo de referencia
Esto es muy importante y alto paso. Es extraño cómo la gente realmente cree saber cómo son ciertas acciones y cuánto tiempo llevan, pero termina equivocándose.
Las acciones físicas son algo que tú necesidad de analizar Antes de empezar a animar, especialmente si eres principiante.
¿Tienes alguna foto de un tipo lanzando una pelota de béisbol? Busca en YouTube videos de lanzadores lanzando pelotas.
No des por sentado que sabes cómo es una acción solo porque la hayas visto antes.
Al observar una acción como una animador es completamente diferente a verlo como espectador.
Paso 2: Posar
Después de tomar una referencia, es hora de crear la poses clave del disparo.
Estas poses se llaman poses clave porque son las poses más importantes de la toma. Son las poses que transmiten la historia de la toma. Debemos asegurarnos de que Haz bien esas poses, porque vamos a partir de ahí para el resto del proceso.
Paso 3: Bloqueo
Una vez que estemos satisfechos con nuestras poses clave, comenzamos rompiendo el movimiento de cada pose a la siguiente añadiendo 'entre dos mundos' (también conocidas como poses de ruptura o poses de paso). Estas son las poses que conectan las poses clave.
Seguimos añadiendo más poses hasta que el movimiento se vea lo mejor posible, sin dejar de estar en modo escalonado (El modo escalonado se activa cuando no se permite la interpolación entre poses, lo que resulta en un movimiento muy entrecortado/bloqueado).
Paso 4: Enderezado
Splining es un término de animación 3D. Es el proceso en el que se convierte la interpolación de las claves de pisó a ranura.
En otras palabras, haces que la computadora conecte el movimiento entre cada una de tus poses, y eso hace que el movimiento se ven más suaves.
El problema es que el ordenador no interpola muy bien. Solo trabaja con los datos que tiene. Por eso, cuanto mejor sea el bloqueo, mejor se verá la versión interpolada.
Paso 5: Refinamiento y compensación
Ahora que todas nuestras claves están en modo spline, debemos trabajar en ellas. Hemos perfeccionado las curvas de animación y nos aseguramos de que el movimiento sea fluido.
También es una buena idea el desplazamiento algunas de las acciones para que no parezca tan 'parar y arrancar', como si el personaje estuviera realizando todos los movimientos a la vez.
Al final de este paso, tu toma debería verse bastante sólida y casi terminada.
Paso 6: Añadir vida
Este paso es muy divertido.
Ya hemos terminado con el trabajo pesado de animación, y es hora de añadir pequeñas imperfecciones que dan vida al personaje.
Tal vez un parpadeo extra o un tic en la boca de vez en cuando. La diferencia entre los dos últimos pasos es pequeña, pero podría marcar la diferencia entre bueno animación y maravillosa animación.
Software de animación
Después de "¿Por dónde empiezo?", el tema sobre el que más me preguntan es probablemente el software. Todo el mundo quiere saber sobre herramientas.
¿Es Maya? ¿After Effects? ¿Flash?
Aquí hay un desglose de nuestras opciones cuando elegir un software de animación Según el tipo de animación:
Software de animación 3D
Esta es una guía para principiantes, por lo que el software 3D puede ser avanzado para algunos de ustedes, pero creo que es importante familiarizarse con lo que hay disponible para que sepan lo que utiliza la industria y qué deberías considerar estudiar si planeas hacer de esto tu carrera profesional.
Dicho todo esto, Batidora de vaso - Blender es un programa gratuito, así que puedes empezar a usarlo y experimentar con él (con la ayuda de nuestro Curso de licuadora), o Maya Ofrece una licencia educativa gratuita, así que si estás empezando a aprender, podrás comenzar sin invertir dinero todavía.
Autodesk Maya
El estándar de la industria para la animación por computadora. Si quieres dedicarte a la animación profesionalmente, este es el programa en el que debes concentrarte. Software de animación, modelado, simulación y renderizado 3D con un conjunto de herramientas potente e integrado. Úsalo para animación, entornos, gráficos en movimiento, realidad virtual y creación de personajes.
Precio: 195 $/mes | Gratis para estudiantes
Batidora de vaso - Blender
Blender, un programa 3D gratuito y de código abierto, ofrece una amplia gama de funciones para modelado, texturizado, iluminación, animación y postproducción de vídeo en un solo paquete. Gracias a su arquitectura abierta, Blender proporciona interoperabilidad multiplataforma, extensibilidad, un tamaño increíblemente reducido y un flujo de trabajo totalmente integrado.
Precio: Free
Cine 4D
Cinema 4D es un El mejor amigo del artista de gráficos en movimientoEs un programa 3D para usuarios de After Effects. Es muy intuitivo y funciona directamente con After Effects sin necesidad de renderizar previamente. No sería mi primera opción para producciones cinematográficas 3D profesionales, ya que está diseñado desde cero pensando en los gráficos en movimiento, pero es un programa increíblemente versátil.
Precio: $ 59.99 / Mes
Software de animación 2D
La animación 2D es Un gran sitio para empezar Tu trayectoria en el mundo de la animación. La mayoría de los programas que se mencionan a continuación son económicos y relativamente fáciles de aprender.
Animar CC y Despues de los efectos son excelentes opciones para experimentar con la animación 2D, tanto en forma dibujada a mano como creando marionetas, mientras que Animador de personajes No requiere ningún dibujo en absoluto y utiliza tu rostro como conductor de la animación. Y si quieres ser profesional, Toon Boom Harmony y TVPintura serán tus mejores opciones.
Animate CC (anteriormente Flash)
Probablemente el software de animación 2D más popular Animate cuenta con una larga trayectoria en la creación de animaciones, que se remonta a los inicios de la publicación de vídeos en internet. Su interfaz intuitiva y su precio relativamente económico la convierten en una excelente opción para quienes se inician en la animación 2D.
Leer: Toon Boom Harmony contra Flash (Animación)
Precio: $ 20.99 / Mes
Toon Boom Harmony
Harmony es un software 2D más avanzado, ideal tanto para animación cuadro por cuadro como para animación basada en rig. Cuenta con funciones avanzadas. aparejo sistemas, los efectos y cámara herramientas. Se basa en vectores, pero la versión más avanzada también tiene la opción de dibujar mapas de bits.
Leer: Toon Boom Harmony contra Flash (Animación)
Precio: $ 24 / Mes
TVPintura
TVPaint es un software de animación francés. El software de animación 2D todo en uno que jamás necesitarás. Sin duda, es más robusto y complejo que Photoshop, pero también mucho más caro. Este software está dirigido a animadores y estudios profesionales.
Precio: 500 € (250 € para estudiantes)
Animador de personajes
Un programa de animación más reciente con un giro interesante. En lugar de animar de la manera tradicional, Character Animator utiliza tu cámara web y micrófono para animar automáticamente un personaje preconstruido en tiempo real, casi como captura de movimientoEsta es una excelente opción para principiantes, ya que requiere la menor cantidad de experiencia en animación.
Precio: $ 20.99 / Mes
Despues de los efectos
Una opción interesante para animación 2D. After Effects te da un gran control cuando creación de plataformas para 2D usando la herramienta de marioneta y diferentes expresiones. Es una buena eleccion Si ya te sientes cómodo con el entorno de Adobe.
Precio: $ 20.99 / Mes
Software de animación stop-motion
La animación stop-motion es la forma en que muchos jóvenes aspirantes a animadores obtienen sus primeros pasos. primera experiencia de animación, utilizando figuras de acción, Legos o incluso arcilla.
Aquí enumeramos dos opciones muy diferentes. Una dirigida a principiantes que están probando la animación por primera vez, y el otro es un de calidad profesional Software de animación diseñado para llevar tu trabajo al siguiente nivel.
Dragonframe
Dragonframe es el estándar de la industria para la animación stop-motion y se utilizó en películas como Kubo y las dos cadenas y Shaun la oveja.
Si planeas hacer un video stop motion profesional, Dragonframe es la La mejor herramienta para el trabajo. Su completo software se puede utilizar con muchos accesorios diferentes, como un dispositivo que controla la cámara, las luces e incluso el enfoque.
Precio: $295
Stop Motion Studio
Stop Motion Studio es una aplicación básica de animación stop motion para todos los dispositivos y plataformas. Se conecta a cualquier cámara digital, teléfono o tableta para crear vídeos stop motion increíbles de forma sencilla y fácil. Es una excelente opción si estás empezando.
Precio: $4.99 (iOS/Android) | $9.99 (Mac/Windows)
Hardware de animación
El hardware es cada vez más barato y el software es más eficiente. La mayoría de los programas de animación se pueden ejecutar en la mayoría de los ordenadores modernos, y las tabletas gráficas son cada vez más asequibles.
Aquí tenéis una breve lista de lo que recomendamos a animadores de todos los niveles:
Uno de Wacom
La opción perfecta para principiantes.
Este nivel introductorio La tableta Wacom es la forma más barata de que entres en usando una tableta. Esto te permite realizar animaciones dibujadas a mano con un presupuesto ajustado, y también beneficiará a los animadores 3D, ya que la tableta suele ser más fácil de usar que el ratón en un programa 3D.
Precio: $59- $69
Wacom Intuos Pro
Llevándolo al siguiente nivel.
Si necesita más espacio para dibujar, o si está utilizando una tableta para animación 3D, Esta es la mejor opción integral para el trabajo.Verás estas tabletas en la mayoría de los estudios de producción, y es una elección popular Para estudiantes de animación que quieren hacer un buen trabajo, pero no pueden permitirse las tabletas Cintiq de gama alta. Está disponible en 3 tamaños, siendo el mediano el más popular.
Precio: $230- $479
Wacom Cintiq Pro
Convertirme en profesional.
Para animación de alta gama Para la producción, la Wacom Cintiq es la mejor opción. Básicamente, es un monitor gigante (de 13", 16", 24" o 32") sobre el que se puede dibujar directamente. Facilita el dibujo preciso y ofrece una respuesta mucho más rápida que una tableta convencional, pero su precio es considerablemente más elevado.
Precio: $649- $3299
Módulo
Lo bueno de usar programas 2D como Animate CC o incluso Toon Boom es que la mayoría de las computadoras modernas son capaces de ejecutarlos sin problemas.
Cuando te adentras en el 3D, las cosas pueden complicarse, pero no tienen por qué ser así. Si estás renderizando mundos enormes con configuraciones de iluminación complejas, necesitarás un ordenador potente con una tarjeta gráfica cara, pero existen otras opciones:
- Puedes hacer la mayor parte de la composición en Nuke como Lo hice para LIFT UP.
- Puedes usar una granja de renderizado como lo hicimos por De buen gusto.
Libros de animación
Se podrían esgrimir diferentes argumentos sobre cuál es el mejor libro para aprender animación, pero aquí hay algunos que te ayudarán. Aprende y perfecciona tus habilidades, independientemente del tipo de animador que quieras ser.
El kit de supervivencia del animador Richard Williams
Este libro es un la biblia del animadorCubre exhaustivamente los aspectos básicos de espaciado, ritmo, caminar, correr, peso, anticipación, acción superpuesta, tomas, tambaleo, diálogo, animación animal y mucho más. No en vano se le llama "Kit de supervivencia".
Este libro te enseñará TODO LO QUE NECESITAS SABER para comenzar tu formación como animador.
Animación de dibujos animados / Preston Blair
Publicado originalmente en 1994, Cartoon Animation (también conocido como "The Preston Blair Book") ha sido una fuente de referencia increíble para crear estilo de dibujos animados animación.
Con este libro aprenderás a desarrollar un personaje de dibujos animados, crear movimientos dinámicos y animar diálogos con acción.
La ilusión de la vida Frank Thomas y Ollie Johnston
Este libro comenzó como una guía de animación y se convirtió en un estudio detallado de la progresión de la animación, tanto dentro de los estudios Disney como en el mundo de la animación en general.
Escrito por dos de los nueve ancianos quien definió el estilo de animación de Disney, este libro lleva al lector a través de todos los pasos de descubrimiento e investigación de la Los mejores métodos de animación.
Preparando tus disparos / Viñedo Jeremy
Un libro excelente para comprender los conceptos básicos de la composición de planos y el movimiento de cámara, lo que permite mejorar la narración de historias y la realización cinematográfica.
Este libro es ideal tanto para cineastas principiantes como para aquellos con experiencia que buscan excelentes referencias de planos.
Cursos de animación
Bloop Animation es ante todo un Plataforma de aprendizaje de animación con cursos de vídeo de alta calidad. Algunos se centran en software (como Maya o Animate CC) mientras que otros te enseñan cosas específicas habilidades (como fundamentos de animación o guiones gráficos).
Los cursos en línea se han vuelto increíblemente populares en los últimos años y ahora son... altamente producido, y muy eficaz alternativa a las escuelas tradicionales.
¿Por qué?
Es más barato. Mucho más barato.
Las escuelas de arte son increíblemente caras. Gastar entre 20 y 40 dólares al año (lo más probable es que te endeudes) es una decisión importantísima, y cada vez vale menos la pena.
Cursos en líneaIncluso los más caros solo te costarán unos cientos de dólares (quizás unos miles si estás haciendo un programa de certificación en línea que dura varios meses). Eso no se acerca ni de lejos a lo que cuesta una escuela de arte tradicional. Esto lo hace mucho más accesible. more accessible Para una amplia gama de artistas que en el pasado habrían tenido que renunciar a sus sueños o pedir prestado muchísimo dinero.
Es una excelente prueba de manejo.
¿Quizás la animación no sea lo tuyo? ¿No sería genial descubrirlo antes de gastar decenas de miles de dólares y valiosos años de tu vida?
Tomar un curso de animación en línea es una Una forma económica y eficaz de comprobar si estás capacitado para la tarea. Comprueba si te gusta. Siempre puedes decidir cursar una carrera universitaria más adelante, pero esta es una excelente manera de investigar y asegurarte de que este camino es el adecuado para ti.
En realidad no necesitas un título universitario.
Una de las ventajas de trabajar en una industria creativa como la animación es que Tu trabajo habla por sí solo, más que cualquier credencial en tu currículum.Si tu demo reel es buena, te contratarán. A nadie le importará a qué escuela no fuiste.
Puedes tomarlos mientras trabajas
Una gran ventaja de los cursos en línea es que puedes tomarlos a tu ritmo. tiempo libre.
Si estás en transición desde otra profesión y trabajas a tiempo completo, puedes tomar estos cursos los fines de semana, por las tardes y durante la hora del almuerzo.
Puedes personalizar tu propio camino de aprendizaje.
Una de las cosas fantásticas de la educación en línea es que puedes combinar fuentes de diferentes lugares.
En una escuela tradicional tienes que ceñirte al programa (normalmente de 3 a 4 años) y a menudo cursar muchas asignaturas. No tienes ningún interés eno que realmente no contribuyen a tu camino de crecimiento personal. Con los cursos en línea, puedes diseñar tu propio itinerario de aprendizaje.
Sí, Nuestros cursos Se incluye una ruta de aprendizaje predefinida, pero solo contiene la información esencial para animar, y nada más. Además, siempre puedes saltarte una lección si te resulta irrelevante.
Es una excelente manera de maximizar tu educación.
Los cursos en línea pueden beneficiarte MIENTRAS ser estudiante en un programa tradicional.
Cuando estudiaba arte, buscaba constantemente tutoriales en línea (los cursos en línea no eran tan populares en aquel entonces, pero aún existían algunos) y veía todo lo que caía en mis manos.
Hacer eso mientras estás en la escuela realmente Desarrollé mis habilidades y me motivó a esforzarme más y mejorar. La escuela solo te puede llevar hasta cierto punto y te guiará en la dirección correcta, pero depende de ti esforzarte al máximo para dominar tu oficio.
Aquí está la lista completa de nuestros cursos en vídeo:
Video cursos
Cómo entrar en la industria de la animación
Entonces, ¿cómo das el siguiente paso? ¿Qué pasa si quieres hacer de la animación tu... ¿carrera?
¿Cómo se consigue entrar en este sector?
Los animadores generalmente necesitan 3 cosas para conseguir un trabajo en la industria:
- A reanudar.
- A sólido Demo reel.
- A sitio web de cartera con tu propio dominio. Nada de eso. john.wordpress.com Mierda. Mira esto Excelentes plantillas de WordPress para hacer tu vida mas facil
Para muchas profesiones, tener un buen currículum o carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y los profesionales de efectos visuales, esto es aún más importante. Todo gira en torno al vídeo de presentación.
A lo largo de los años he hecho muchos reels para mí mismo y he visto docenas de reels de otras personas. Antes de que empieces a enviar tu reel a un montón de estudios, te lo ruego, Lea nuestra guía de demo reelHe recopilado muchísima información sobre Cómo crear un vídeo de demostración de animación eficaz que realmente te ayude a conseguir un trabajo. No te lo saltes
Ya tengo un vídeo de presentación. ¿Y ahora qué?
Como no te conozco personalmente, te daré el mejor consejo que creo que beneficiaría a la mayoría de la gente: La mejor manera de hacerse notar es crear cosas.
Tener una licenciatura en animación o un diploma de una escuela en línea definitivamente ayudará, pero no lo garantizará. un trabajo después de la graduación.
¿Sabes lo que hice al día siguiente de graduarme?
Continué animando para mi demo. Y eso fue lo que hice todos los días hasta que conseguí mi primer trabajo. trabajo independienteY después del trabajo seguí practicando más tomas para estar listo cuando terminara el proyecto freelance.
Tienes que seguir creando. Siempre.
Siempre hay tiempo suficiente para trabajar en tu reel, especialmente en el primer año de tu carrera en animación. Cuando añadas cosas a tu reel, asegúrate de seguir nuestras Directrices para el vídeo de demostración para que no pierdas el tiempo.
Si sigue creando cosas Si las presentas al público y te postulas constantemente a estudios, eventualmente te darás cuenta y te contratarán.
Trayectorias profesionales para animadores
Cine/Televisión
La trayectoria profesional más obvia (aunque no la más fácil) es trabajar en películas y programas de televisión (Disney, Pixar, Nickelodeon, Cartoon Network, etc.).
Aunque la idea más común de lo que hace un animador es animar personajes como Wall-E o el perro de Up, gran parte del trabajo de animación en esta industria también se realiza en efectos visuales y animación mecánica para películas de acción real. Casi todas las películas de acción real con muchos efectos especiales utilizan animadores en mayor o menor medida.
La mayor parte del trabajo en la industria del cine y la televisión se realiza en California, y entrar en los grandes estudios puede llevar años de solicitudes antes de lograrlo.
Comerciales
Trabajar en comerciales requiere habilidades diferentes a las del cine y la televisión. Si bien es posible que también se animen personajes, el ritmo de producción es mucho más rápido y se espera que se realicen tareas más diversas en lugar de especializarse en una sola área.
Además, el trabajo comercial suele consistir en gráficos en movimiento en lugar de animación de personajes. Por lo tanto, si ese es tu camino profesional, es más importante saber usar After Effects o Cinema 4D.
Puede que animar anuncios publicitarios no sea para lo que te hiciste animador, pero aun así puede ser muy divertido, hay mucho más trabajo por hacer y la ubicación casi no es un problema, ya que la mayoría de las grandes ciudades tienen empresas de producción que realizan trabajos comerciales en mayor o menor medida.
Previsualización (Previz)
Un campo menos conocido para los animadores es el trabajo de previsualización. Los animadores de previsualización crean una previsualización de la pieza (anuncio, película, etc.) animando figuras temporales en un entorno simulado para que el director pueda hacerse una idea de sus tomas y composición.
Te sorprenderá la cantidad de estudios y productoras que utilizan la previsualización, y algunas empresas se dedican exclusivamente a crear previsualizaciones para producciones específicas.
Con el enorme auge del uso de la previsualización en publicidad, televisión y cine, los animadores de previsualización pueden encontrar trabajo en multitud de campos y lugares, aunque como aspirante a animador puede que no tengas la oportunidad de mostrar tu mejor trabajo (ya que la animación debe hacerse rápidamente y la calidad no es un factor determinante) y tu trabajo no será visto por el público.
Videojuegos
La industria de los videojuegos es enorme y ofrece muchísimas oportunidades laborales para los animadores. El trabajo en sí es muy variado, desde la captura de movimiento hasta la animación completa de personajes, pasando por la creación de ciclos de animación que se repiten a lo largo del juego.
Si has jugado a algún juego de Blizzard o visto alguna de las secuencias cinemáticas de Final Fantasy, sabrás que los videojuegos han producido algunas de las mejores animaciones y han impulsado la tecnología tanto como el cine. Trabajar en esta industria puede ser muy divertido, ya que emplea a animadores tanto en 3D como en 2D y ofrece una gran variedad de trabajo.
Motion Graphics
Ya mencioné los gráficos en movimiento cuando escribí sobre mi trabajo en comerciales, pero los artistas de gráficos en movimiento trabajan en una variedad mucho más amplia de proyectos. Desde videos explicativos hasta proyecciones de eventos y demostraciones de interfaces de software.
La vida en el mundo de los gráficos en movimiento suele ser la de un profesional independiente, que salta de un proyecto a otro, utilizando principalmente After Effects (a veces en combinación con Cinema4D).
Independiente
Un nuevo tipo de animador en auge es el animador independiente. Suelen usar YouTube como su plataforma principal y se ganan la vida a través de anuncios, patrocinios y merchandising, y más y más estos animadores siempre en la superficie.
Otros cineastas de animación pueden recurrir al micromecenazgo para financiar sus películas, o conseguir que los estudios financien sus filmes con un presupuesto independiente.
Director
A diferencia de la mayoría de los trabajos, no existe un camino claro para convertirse en director.
Caminante a escuela de Cine No garantiza un trabajo de director después, y rara vez hay ofertas de empleo para "Director" en internet. Algunos lo consiguen a los 21 años, y otros pasan toda la vida intentándolo sin éxito.
Lo mismo ocurre con ser un director de animaciónAlgunos empiezan como animadores, otros como artistas de storyboard (creación de guiones gráficos) y otros pasan del mundo de la acción real sin haber animado nunca un solo día en su vida.
¿Cómo se llega a ser director de animación?
Directores de animación como Andrew Stanton, Richard Williams y John Lasseter fueron animadores antes de convertirse en directores, y probablemente sea la forma más común de hacerlo, ya que los animadores están muy involucrados en el aspecto narrativo de la película.
Entonces, el camino sería:
- Consigue un trabajo en un gran estudio como Disney.
- Ir ascendiendo hasta convertirte en director.
Pero, por supuesto, no es tan sencillo.
Primero, trabajarás como animador junior durante muchos años, y probablemente te llevará casi una década llegar a un punto en el que alguien siquiera considere la posibilidad de convertirte en director. E incluso entonces, las probabilidades son prácticamente nulas.
Para mí, el camino de trabajar como uno más entre cientos de animadores durante 10 años, solo por la posibilidad de ser notado, no parece un camino muy seguro.
En cambio, lo que hice fue crear un pequeño cubo y una pequeña bola, y hacer mi propia película. Y luego hice otroY probablemente seguiré haciéndolo.
¿Y adivina qué? Me convertí en director. Nadie me dio oficialmente la licencia de director, simplemente hice películas. YLo único seguro que puedo decirte sobre cómo convertirte en director es que empieces a hacer películas.
Vale, entonces necesito hacer mis propias películas, ¿y ahora qué?
Si vas a elegir el camino del director para hacer tus propias películas, te sugiero que empieces con cortometrajeHacer un largometraje es una meta que puede llevar mucho tiempo alcanzar, y no es una meta realista para la animación si recién estás comenzando.
En cuanto a de qué deberían tratar tus películas, sugiero que te ciñas a personajes/entornos súper simples y te centres en un buena historia.
Cuando comencé a trabajar en LevantarLa historia en sí surgió de mis limitaciones al no tener buenas habilidades de modelado. Por eso la película trata sobre un cubo y una bola. Si quieres leer más detalles al respecto, lee nuestra guía completa Para crear un cortometraje de animación. Es gratis.
Concéntrese en las habilidades para contar historias.
Las habilidades de un buen director se basan principalmente en saber contar historias, además de comprender el ritmo, la composición y la actuación. Todas estas son habilidades que un buen animador también debería tener, así que si vienes del mundo de la animación, te resultará más fácil.
Céntrate en demostrar estas habilidades en tu cortometraje, mostrando composiciones interesantes y una cinematografía cuidada. Esto es lo que la gente busca en un director. No se trata de efectos visuales sofisticados ni de modelado complejo, sino de contar buenas historias.
Recuerda: nadie puede convertirte en director. Tienes que ser tú quien lo decida.
Herramientas y recursos
Introducción a la animación
- Los 5 tipos de animación: Esta guía desglosa los cinco tipos de animación disponibles y lo que necesitas para empezar a animar. El mejor software, las mejores escuelas y mucho más.
- Las mejores escuelas de animación: Una selección de las mejores escuelas de animación del mundo.
- Estudios de animación: Una guía detallada de los mejores estudios de producción de películas de animación.
- Software de animación: ¿Cuál deberías usar? Un desglose de las opciones que tienes cuando Elegir tu software de animación.
- Por qué no necesitas saber dibujar para ser animador 3D: ¡Ya no tienes excusas!
- Cambio a una tableta Wacom para animación 3D: Cómo dar el salto a la animación 3D utilizando una tableta en lugar de un ratón.
- Comienza a animar ahora con menos de 100 dólares: En este artículo te muestro cómo puedes empezar a animar como un profesional con menos de 100 dólares.
Cómo hacer una película de animación
- Cómo se hizo Tasteful: Todos los pasos necesarios para realizar la película, de principio a fin, explicados de la forma más sencilla posible.
- Cómo se hizo LIFT UP: Todos los vídeos que documentan la realización de LIFT UP, reunidos en un solo lugar.
Construyendo su cartera
- Cómo crear un vídeo de demostración de animación: la guía completa. Para muchas profesiones, tener un buen currículum o carta de presentación es el factor más importante para conseguir un trabajo. Para los animadores y los profesionales de efectos visuales, esto es aún más importante. Todo gira en torno al vídeo de presentación.
- Iluminación y renderizado de tu demo reel de animación: Un videotutorial que explica la configuración básica de iluminación y renderizado para que tu vídeo de presentación destaque.
- Creación de un sitio web de portafolio: Nuestra guía paso a paso para crear un sitio web de portafolio profesional desde cero.
- Cómo instalar un tema de WordPress para tu sitio web de portafolio: Guía paso a paso para instalar un tema de WordPress.
- Mejores temas de portafolio para WordPress: Tener tu propio sitio web para mostrar tu trabajo es extremadamente importante. Una de las formas más fáciles de configurar un sitio web de portafolio es utilizando Temas de WordPress.
- ¿Por qué hacer una segunda película? Si ya has hecho una película, aquí te explicamos por qué deberías empezar a trabajar en la siguiente.
Rigs
- El equipo de pelota definitivo de Bloop: Un modelo 3D gratuito y escalable de pelota que rebota, con funciones de compresión y estiramiento, para Maya.
- Los mejores rigs gratuitos para Maya: El uso de rigs gratuitos es excelente para ejercicios de animación o para agregar tomas a tu reel.
Inspiración
- Lo que hice después de graduarme: Mi historia de graduación y todo sobre cómo me elegí a mí misma.
- 5 razones por las que no serás animador: Si necesitas un pequeño empujón, lee esto.
- Lo que Ratatouille y Monsters University me enseñaron sobre ser artista: Un artículo que invita a la reflexión sobre las lecciones aprendidas de dos grandes películas de Pixar.
- Los mejores documentales de animación: Las películas más educativas e inspiradoras sobre la industria de la animación y su gente.
Nuestros cortometrajes
¿Qué sigue?
Ahora que has terminado de leer esta (muy) larga guía, depende de ti.
Se acabaron las excusas. ¡Crea algo increíble! Ya sabes por dónde empezar.
- Morr Meroz
